Работа жюри

архив сезон 2011-2012

архив сезон 2012-2013

СОВЕТ ОБЩЕСТВА ТЕАТРАЛ:

Председатель общества "Театрал" Платонова Татьяна Сергеевна, председатель совета

Заместитель председателя Ильина Тамара Борисовна

Секретарь Ширяева Ярослава Дмитриевна

Члены совета:

Антонова Наталия Евгеньевна

КУЗНЕЦОВА Тамара Алесеевна

Богатов Евгений Анатольевич

ШАРОВА МАРГАРИТА АЛЕКСЕЕВНА

Чернова Милена

Вайтенс Ирина Борисовна

ЖЮРИ общества ТЕАТРАЛ:

Ильина Тамара Борисовна - председатель Жюри

Кузнецова Тамара Алексеевна - заместитель председателя Жюри и координатор

Рябова Людмила Андреевна

Васильева Ирина Викторовна

Хайруллина Зоя Ибрагимовна

Калинин Константин Юрьевич

Круглов Сергей Леонидович

Блох Елена Боруховна

Вайтенс Ирина Борисовна

ПРОСКУНОВ ДАНИИЛ ИГОРЕВИЧ

3 марта 2014 года состоялось вручение Призов
Санкт-Петербургского Общества зрителей “Театрал“
следующим лауреатам:

ТЕАТР-ФЕСТИВАЛЬ «БАЛТИЙСКИЙ ДОМ» актриса, режиссер Н. Индейкина за постановку спектакля «Мадам Бовари» (по роману Г. Флобера);

артист К. Анисимов за исполнение ролей Шарля Бовари в спектакле «Мадам Бовари» и Андрея Бузыкина в спектакле «Осенний марафон.P.S»
(по киносценарию А. Володина, режиссер А. Праудин);

автор пьесы, режиссер и сценограф спектакля «Сталин. Ночь» артист Л. Алимов;

артист В. Яковлев за исполнение роли Сталина в вышеназванном спектакле.

МУЗЫКАЛЬНЫЙ ТЕАТР «ЗАЗЕРКАЛЬЕ» режиссер В. Заржецкий за постановку оперы Римского-Корсакова «Снегурочка» и трилогии «Война и мир»; художник А. Левданский за сценографию к этим спектаклям;

артист Л. Филиппов за исполнение роли Пьера Безухова в трилогии «Война и мир».

МАРИИНСКИИ ТЕАТР спектакль «Левша»
(музыка Р. Щедрина, дирижер В. Гергиев, режиссер А. Степанюк, художник А. Орлов);

солистка оперы Т. Сержан за исполнение роли Леоноры в спектакле «Трубадур»
(музыка Д. Верди, дирижер В. Гергиев, постановщик ПЛ. Пицци);

солист оперы В. Сулимский за исполнение роли графа ди Луны в том же спектакле.
БДТ им. Г. А. ТОВСТОНОГОВА

Художник О. Головко за создание сценографии к спектаклям «Калека с острова Инишмаан» (пьеса Мак-Донаха) и «Маленький семейный бизнес» в театре Комедии им. Акимова

ТЕАТР КОМЕДИИ им. Н.П.АКИМОВА режиссер А. Бубень за создание спектакля «Маленький семейный бизнес»

ТЕАТР им В. Ф. КОМИССАРЖЕВСКОЙ н. а. России Г. П. Короткевич за уникальный вклад в театральную жизнь нашего города;

спектакль «Ночь Гельвера»
(пьеса И. Вилквист, режиссер А. Баргман, артисты О. Базилевич и Д. Пьянов)

ТЕАТР «МАСТЕРСКАЯ» П\Р Г.М. КОЗЛОВА студенческий спектакль «Тихий Дон»
(по роману М. Шолохова, постановщик-педагог Г.М. Козлов);

спектакль «Москва-Петушки» (по прозе В. Ерофеева). Создатели спектакля: Г. Козлов и артисты Е. Перевалов и А. Артемова

МИХАИЛОВСКИИ ТЕАТР спектакль «Билли Бад», опера Б. Бриттена (дирижер М. Татарников, режиссер В. Декер);

солист оперы В.Алешков за исполнение роли капитана Вира в данном спектакле
ТЕАТР «ПУШКИНСКАЯ ШКОЛА» режиссер Г. Р. Тростянецкий
за постановку спектакля «»Дубровский» по повести А.С. Пушкина

УЧЕБНЫЙ ТЕАТР «НА МОХОВОЙ»
спектакль «Гильгамеш»
(актерский курс факультета кукол, мастер А. Стависский)

НАШ ТРАДИЦИОННЫЙ СБОР

   3 марта 2014 года Санкт-Петербургское общество зрителей «Театрал» провело свой, ставший уже традиционным, вечер вручения Призов общества по итогам 2013 года.
Вечер вели председатель общества Платонова Татьяна Сергеевна и актер театра и кино Леонид Алимов. Замечательный аккордеонист - виртуоз Сергей Лихачёв своим сопровождением и сольным выступлением помог создать праздничную атмосферу.
Вечер открыл актерский курс факультета кукол Театральной Академии. С присущей ребятам изящностью, грацией, четкостью рисунка был исполнен танец с шарами, а затем мастер курса Александр Стависский получил наш Приз за спектакль этого курса «Гильгамеш», художественный уровень которого не оставил равнодушными зрителей.
Затем на сцену вышел режиссер Геннадий Тростянецкий. Его спектакли всегда вызывают эмоцио­нальный отклик зрителей, что можно сказать и о его «Дубровском», поставленным в театре «Пушкинская школа». Режиссёр отметил, что члены нашего общества смотрят спектакли сердцем, и это было очень приятно.
Театр «Зазеркалье», постоянный Лауреат наших награждений, на этот раз получил три награды. Молодой режиссёр театра В. Заржецкий, ученик
А.В. Петрова, как-то сразу стал нашим любимцем. Его «Снегурочка» очаровала всех, а «Война и мир» заставила вновь задуматься о судьбах героев Л. Толстого. Вместе с Василием пришли художник Алексей Левданский, интересно оформивший оба спектакля, и артист Л.Филиппов, создавший серьёзный, глубокий образ Пьера Безухова (когда он вышел на сцену, кто-то в зале заметил: «Ну, вылитый Пьер!»).
После вручения наград солистка «Зазеркалья» Анна Смирнова прекрасно исполнила арию «Весны» из оперы «Снегурочка», что стало чудесной иллюстрацией к работе В. Заржецкого и Ко.
Очередными Лауреатами нашего Приза стали спектакли «театра Комиссаржевской» « Ночь Гельвера» и театра «Балтийский Дом» «Мадам Бовари». Каждый из них - интересен по-своему и каждый до­стоин внимания зрителей.
Молодые артисты театра «Мастерская» под руководством Григория Козлова Евгений Перевалов и Алена Артемова рискнули создать спектакль по прозе Венидикта Ерофеева «Москва-Петушки». Как отметило наше жюри, спектакль получился талантливый и удивительно интеллигентный, артисты играли самоотверженно и проникновенно. Радостно, что они сами, полностью создали спектакль, а Мастер (Г.М. Козлов) его лишь чуть подшлифовал (по его выражению).
Студенты Г.М.Козлова, создавшие под руководством своего учителя удивительный спектакль «Тихий Дон», вышли на сцену всем курсом, спели песню из спектакля, и зрители вновь погрузились в его обжигающе - правдивую атмосферу.
Удивительный режиссер Анджей Бубень, каждый спектакль которого - событие в театральной жизни - тоже был отмечен обществом «Театрал» за созданный им на сцене театра Комедии им. Н.П. Акимова спектакль «Маленький семейный бизнес». Удачу этого спектакля дополнительно обеспечил художник - сценограф Олег Головко.
Не остался без внимания нашего Жюри и яркий, успешный дебют оперы Б.Бриттенна «Билли Бад» в Михайловском театре, а исполнителю партии капитана Вира в этом спектакле Виктору Алешкову тоже был вручен Приз. Свой блистательный вокал и тонкую актерскую игру он щедро продемонстрировал зрителям на церемонии вручения Призов, исполнив арию Канио из оперы Леоковалло «Паяцы» и неаполитанскую песню.
Ведущий церемонии артист Леонид Алимов в 2013 году удачно выступил в роли автора, режиссера и сценографа спектакля «Сталин. Ночь» на сцене театра «Балтийский Дом».
Как режиссер, Алимов очень точно выбрал актё­ров в свой спектакль и, главное, предложил сложнейшую роль Сталина прекрасному актёру Вадиму Яковлеву, который поднял спектакль на необыкновенный художественный уровень.
Еще один артист театра «Балтийский Дом» - Кон­стантин Анисимов - в этот вечер не остался без вни­мания: за сыгранные с небывалым азартом, психологически точные, запоминающиеся роли в спектаклях «Мадам Бовари» и «Осенний марафон.P.S.» он полу­чил нашу награду. К. Анисимов заметно волновался. Получая Приз, он заметил, что однажды получил награду от Президента страны, который его никогда не видел. Тем ценнее наша...
Солистка Мариинского театра Татьяна Сержан, блистательно исполнившая партию Леоноры в опе­ре Д.Верди «Трубадур» и ее партнер В. Сулимский, феерический граф ди Луна единодушно были отмечены нашим жюри.
Наш неизменный друг, концертмейстер Мариинского театра Елена Константиновна Матусовская сделала публике поистине царский подарок: солисты Мариинского театра Жанна Домбровская и Евге­ний Уланов исполнили дуэт Папагено и Папагены из оперы Моцарта «Волшебная флейта».
Хочется особенно поблагодарить н.а. России Галину Петровну Короткевич, которая поднялась на сцену красивая, энергичная, с горящими глазами. Естественно, что она не могла не вспомнить фронт, студенческую молодость, блокаду. Она читала стихи, а мы, зрители, удивлялись и завидовали её молодости. Уже 73 года актриса - на сцене! Её и до сих пор можно увидеть в спектакле театра Комиссаржевской «6 блюд из одной курицы».
Поистине неожиданным стал финал вечера. За спектакль «Левша» Мариинского театра вышли получать Приз не только ответственный концертмейстер Ирина Соболева, но и автор оперы Родион Щедрин с женой Майей Михайловной Плисецкой и прилетевшая специально из Москвы Мария Максакова, исполнившая в «Левше» роль Шарлотты.
Это был действительно щедрый подарок. Зал приветствовал гостей стоя.

Щедринский «Левша» не хуже лесковского или Конец инноватора

Спектакль Мариинского театра «Левша»

(опера Р. Щедрина, дирижер В. Гергиев, режиссер А. Степанюк, художник А. Орлов) за широкоформатное воплощение русского духа и блестящую постановку и исполнение.

   Премьера новой оперы Родиона Щедрина принесла зрителям надолго немеркнущие чувства общения с настоящим искусством и сопричастности к творчеству. В этом заслуга не только великого композитора, но и режиссера спектакля, и исполнителей. Это тот редкий случай, когда в современной опере наблюдается гармония всех составляющих.
Голоса артистов поражают высоким оперным мастерством и наполняют каждый персонаж неповторимой индивидуальностью. Не хочется никого особо выделять, ибо про исполнение каждой роли можно написать отдельную заметку. Редкое по своей точности попадание в образ создает впечатление живого общения с известными с юных лет героями Николая Лескова. Более того, нельзя никак отделаться от впечатления о том, что если бы первое прочтение произведения выдающегося русского писателя состоялось после оперы, то оперные персонажи прочно слились бы со своими образами, вырастающими из авторского текста.
Рядом выверенных художественных приемов это творение оперного искусства передает не просто сюжет, но, можно сказать, столкновение столь разных цивилизаций. Ведь замысел Лескова в этом и за­ключался. «Левша» - это не сказка для детей, это социальная драма, прикрывающаяся фантастическим гротеском.
Хотелось бы особо подчеркнуть, что в спектакле нет ничего лишнего: все сцены служат решению главной задачи, которая, на наш взгляд, заключается в том, чтобы вывести зрителя на понимание конфликта между государственной косностью, которая губит талант, и миром, где прагматизм и рациональность достигают поставленных целей. Тем не менее, привычный образ жизни притягивает талант в ту бездну, в которой гибнет его носитель озабоченный целью спасти родной ему социальный порядок от нового и чуждого его духу общества. Причем того общества, где его способности и мастерство только и могли бы быть оценены по достоинству. Искреннее и наивное в своей простоте стремление служить тому, что оказывается конечной причиной смерти, с необычайной силой демонстрируют последние эпизоды оперной постановки (режиссер Алексей Степанюк, художник-постановщик Александр Орлов).
Без преувеличения можно сказать, что спектакль превзошел все ожидания и, несомненно, заслужи­вает признания как выдающееся событие в отечественном искусстве. Полагаем, что эта опера станет одной из визитных карточек Мариинского театра, составит славную страницу его сценографии.
Очень хочется, чтобы постановка дошла до многих зрителей. Она обладает огромным зрительским по­тенциалом. Неоднократное исполнение ее на сцене Мариинского театра - долг перед искусством. Надеемся, что он будет с честью выполнен.
Пока же пожелаем всем тем, кто внес свой вклад в создание истинного шедевра, новых творческих успехов и, конечно, поздравим их с замечательным свершением.

Ширяева Я.

ЛЕВША И НЕ ТОЛЬКО

   В начале марта 2014 г в театре «Санкт-Петербургъ Опера» прошла премьера постановки оперы Родиона Щедрина «Не только любовь», первого оперного сочинения композитора, написанного в 1961 году на либретто по рассказам С. Антонова. Тема - сельская любовь, потому и музыкальная основа оперы соответствующая: яркая, самобытная, частушечная.
Русский фольклор всегда входил в круг интересов Р. Щедрина. Еще студентом композиторского факультета Московской консерватории он объездил многие районы Вологодской области, записывая народные песни и частушки, которыми славились те места. В этих народных сочинениях точно и мет­ко была выражена точка зрения простых людей на все то, что происходило вокруг. С тех пор песенные мотивы практически постоянно, в той или иной степени, присутствуют в произведениях композитора, придавая им оригинальность, выразительность, поражая богатством оттенков и блестящих остроумных приемов.
Так и в нынешней постановке Юрия Александрова зрителей буквально погрузили в непрерывный поток сменяющих одна другую сцен, наполненных песнями, частушками, запевками и танцами, которым с задором отдаются участники действия наперекор неблагоприятной для сельскохозяйственных работ погоде.
В центре сюжета - любовный треугольник: председатель колхоза Варвара Васильевна (Елена Еремеева), влюбленная в Володю Гаврилова (Сергей Мунтян) и Наташа (Елена Тихонова), невеста Володи. По ходу действия сюжета любовный конфликт между ними закручивается все более: робкая Наташа, бесшабашный Володя и сильная Варвара, которая не в силах совладать со своими чувствами - каждый из них хочет своего счастья. В конце концов, осоз­навая, что все зависит от нее, Варвара поступает в соответствии слоги кой ситуации и своим положением: она отступает. В финале звучат ни с чем не сравнимые по красоте и драматизму куплеты Варвары, мощно исполненные низким сильным меццо Елены Еремеевой.
Все артисты показали себя не только прекрасны­ми певцами, но и замечательными драматическими актерами и даже неплохими танцорами. Несмотря на малые размеры сцены театра «Санкт-Петербургъ Опера», опытный художник-постановщик Вячеслав Окунев, используя различные приемы, смог вполне полномерно и объемно представить разнообразные картины колхозного пейзажа, органично под­крепляемые реальными предметами сценографии и разнообразием костюмов, дизайн которых проду­мывался в соответствии с характеристикой и ролью того или иного персонажа.
Искренний, лиричный, задушевный, с ароматом ретро и музыкально абсолютно современный спектакль был принят восторженными аплодисментами, подтверждающими успех постановки. Присутствовавшим на премьере Родиону Щедрину и Майе Плисецкой спектакль тоже явно понравился. Сам ком­позитор в 1972 году был удостоен Государственной премии СССР за это произведение.
Так случилось, что 3 марта Родион Константинович и Майя Михайловна посетили вечер Санкт- Петербургского общества «Театрал», на котором вручались Призы зрительских симпатий за театральные работы сезона 2013 года, в числе которых был отмечен Призом и спектакль по опере Р. Щедрина «Левша», поставленный на новой сцене Мариинского театра. Визит высоких гостей был не долгим, но впечатляющим. Эмоционально это было самое сильное впечатление от того вечера. Великая пара прибыла в сопровождении певицы Марии Максаковой, исполнявшей роль Шарлоты, и концертмейстера Мариинского театра Ирины Соболевой. Р.К. Щедрин от имени коллектива, работавшего над постановкой «Левши», поблагодарил за награду, сказал, что он очень рад этому событию.
К радости меломанов, кроме «Левши», за послед­ние годы на сцене Мариинского театра в рамках специального абонемента, посвященного творчеству Щедрина, было представлено множество различных произведений, в том числе,

опера «Очарованный странник» (2002),

премьера в Мариинском в 2007,балет «Конек-Горбунок»(1960),

премьера в Мариинском в 2009,балет «Анна Каренина» (1972),

премьера в Мариинском в 2010,

балет «Кармен-сюита» (1967),

премьера в Мариинском в 2010,оперные сцены «Мертвые души» (1977),

премьера в Мариинском в 2011,

и кроме того, разнообразные сочинения, написанные для оркестра и солирующих инструментов.
Маэстро полон планов на будущее и надеется на их успешное претворение в жизнь. В немалой мере этому, безусловно, будет способствовать также факт творческого сотрудничества Щедрина с В. Гергиевым, который, по словам композитора, дал ему второе дыхание. Все поклонники творчества Родиона Щедрина, коих - легион, рады любой возможности услышать исполнение не только новых сочинений, но и работ прошлых лет. Его музыка - это всегда открытие, она очаровывает и восхищает, она украшает нашу жизнь.

Хайруллина З.

ЛЕОНОРА И ТРУБАДУР

Певица Татьяна Сержан
за блистательное вокальное исполнение и тонкую психологическую трактовку образа Леоноры в спектакле Мариинского театра «Трубадур» (опера Д. Верди, дирижер В. Гергиев, режиссер ПЛ. Пицци)

Шедевр романтизма - опера Д. Верди «Трубадур» на новой сцене Мариинского театра в постановке Л. Пицци стал настоящим событием в театральной жизни Петербурга. Опера Верди, входящая в триаду его самых известных произведений («Риголетто», «Травиата», «Трубадур»), стала долгожданной для нашей публики. «Трубадур» - драма сильных, романтически приподнятых характеров, воплощенная в острых конфликтах и трагических столкновениях. Это прекрасный образец романтической драмы с запутанной интригой и кровавой развязкой, с непременными поединками, мщением, ядом и роковыми тайнами. Колоритные образы цыган, монахинь, солдат очерчены в рельефных, запоминающихся хорах. В этой опере четверо персонажей являются, по сути, главными действующими лицами, каждого из которых Верди одарил прекрасными мелодиями, то нежными, то экстатическими ариями, не говоря о дуэтах и ансамблях. На «Трубадура» ходят именно ради мелодизма и вокала.
Вокал на премьерных спектаклях был отменным. Партию Леоноры на первом представлении пела Анна Нетребко, начиная со второго - Татьяна Сержан, которая и покорила наши сердца. Графа ди Луна великолепно исполнял Владислав Сулимский. Роль Азучены с блеском сыграла Екатерина Семенчук. Трубадура Манрико спел приглашенный тенор Ованес Айвазян.
Дирижировал маэстро Гергиев. Продуманной была сама постановка уже знакомым нашему зрителю Л. Пицци. Либретто написано хрестоматийным романтиком Сальваторе Каммарано. Сюжет развивается стремительно, герои переживают подлинные страсти, накал которых и передается протяженными ариями и дуэтами, терцетами, позволяющими насладиться всеми прелестями итальянской кантилены. Режиссер Пицци идет вслед за музыкой, не выставляя себя на первый план, не оригинальничая без нужды. Чувствуется зрелый мастер, понимающий, что опера - в первую очередь для слуха, творение - именно композитора и визуальная выразительность не должна превосходить слуховую.
Пицци вместе с Массимо Гаспароном являются и художниками-постановщиками. Об их блестящих декорациях, как способе овладения пространством новой Мариинской сцены, надо бы спеть отдельную хвалебную песню! Великолепный состав исполнителей предопределил успех оперы.
Леонора в исполнении Татьяны Сержан восхити­ла с первой же арии. Т. Сержан - обладательница драматического колоратурного сопрано, продемонстрировала голос дивной красоты, великолепную технику владения вокалом. Верди писал свои оперы, имея в виду определенных исполнителей, их вокальные возможности. И, кажется, что Татьяна Сержан идеально подошла для роли Леоноры. Верди был бы доволен. Та легкость, с которой она исполнила виртуозные пассажи, музыкальные орнаменты, украшающие основную мелодию арий, заставляет предположить, что именно для такой исполнительницы и была написана партия Леоноры. Ее ария «D'amor sull'alirosee» («любовь на розовых крыльях») сложна для исполнения и призвана демонстрировать виртуозные технические возможности певицы, с чем Татьяна Сержан справилась мастерски. Вот что значит класс и школа! А школа отменная - она ученица Г.В. Заставного. Уникальный от природы голос подчеркивается обретенной техникой. Итальянское бельканто в голосе Т. Сержан напитано русской страстностью, что рождает феномен этого сопрано. Сочетание прекрасных вокальных данных, отточенной техники и драматического таланта Татьяны Сержан предопределил успех партии Леоноры и в целом оперы «Трубадур» в постановке Мариинского театра.

Васильева И.

Владислав Сулимский - граф ди Луна

Певец Владислав Сулимский за феерическое, феноменальное, актерское исполнение партии графа ди Луны в спектакле Мариинского театра «Трубадур», за мягкий, проникновенный голос. (Опера Д. Верди, дирижер В. Гергиев, режиссер П. Л. Пицци.)

   Энрико Карузо как-то сказал, что для успешной постановки «Трубадура» нужны только четыре первоклассных солиста для четырех главных партий. В новой постановке этой оперы в Мариинском театре такие исполнители были: в премьерных спектаклях пели знаменитая Анна Нетребко (затем Татьяна Сержан), Екатерина Семенчук, тенор Ованес Айвазян, специально приглашенный из ереванского театра и солист Мариинского театра
В. Сулимский, который настолько понравился зрителям, что жюри общества «Театрал» наградило его Призом общества за исполнение партии графа ди Луны.
Владислав поет в Мариинке уже десять лет. За эти годы мы видели его во многих спектаклях: «Евгений Онегин» (Онегин), «Иоланта» (Роберт), «Аида» (Амонасро), «Травиата» (Жорж Жермон), «Лючия ди Ламмермур» (Генри Эштон), «Любовный напиток» (Белькор) и многих других. Можно сказать, что он исполняет все сколько-нибудь заметные баритональные партии. Запомнился его растерянный, ис­пуганный майор Ковалев, потерявший нос, в великолепной фантасмагорической постановке оперы Д. Шостаковича «Нос», а также мягкий и добрый, но с мятущейся душой Алеша Карамазов из оперы «Братья Карамазовы» А.Смелкова.
Но еще ни в одной из классических и современных опер Сулимский не поражал меня таким блестящим вокалом - сильным, красивым, выразительным, как в партии графа ди Луны. Недаром один из рецензентов написал, что Сулимский заявил о себе в этом спектакле как «о ярчайшем носителе настоящей итальянской традиции».
Минималистское оформление сцены (режиссер и сце­нограф спектакля «Трубадур»
Пьер Луиджи Пицци) дает возможность сосредоточить все внимание на артистах. В. Сулимский поет и играет так, что зрители явственно ощущают все чувства графа: любовь к Леоноре, ненависть к счастливому сопернику, горечь от того, что любимая предпочла другого, желание отомстить за гибель брата и, наконец, ужас, когда он узнает страшную правду. Владислав создает образ сильного, смелого, и жесткого, даже жестокого человека, но при этом человека цельного, знающего, чего он хочет и умеющего достигать намеченной цели.
Несмотря на то, что Владислав Сулимский лауреат многих международных конкурсов, он не «зазвез- дил» и очень серьезно относится к своей профессии. На нашем вечере о нем говорили его жена и его концертмейстер (Е. К. Матусовская), которые отмечали трудолюбие Владислава, его способность много раз повторять одно и тоже место, музыкальную фразу, стараясь добиться максимальной точности и выразительности.
Мы желаем В. Сулимскому долгой и успешной жизни в опере, а, по словам самого Владислава, «опера с ним всегда и везде».

БИЛЛИ БАДД В МИХАЙЛОВСКОМ

Спектакль Михайловского театра «Билли Бад»
(дирижер М. Татарников, режиссер В. Декер) за яркий и успешный дебют оперы Б. Бриттена на российской сцене

   Прошлый, 2013 год, был годом столетия со дня рождения композитора Бенджамина Бриттена. Музыка Бриттена в России не очень широко из­вестна, композитор не принадлежит к числу супер популярных. Его оперы ставятся на сценах российских театров редко. Хотя в последние годы в Мариинском театре появились очень интересные остановки опер Бриттена «Поворот винта» и «Сон в летнюю ночь», а втеатре «Санкт-Петербург Опера» - «Поругание Лукреции». И вот, к юбилею Б. Бриттена, оперу «Билли Бадд» представил на суд зрителей Михайловский театр.
С середины прошлого века, когда была написана опера «Билли Бадд», она неоднократно ставилась в крупнейших оперных театрах Европы и США, но никогда не была поставлена в России, поэтому для большинства российских театралов это была «terraincognita"- что-то неизвестное, поэтому немного страшное, но очень любопытное. Могу ска­зать о себе - я не подозревала о существовании оперы «Билли Бадд», пока не увидела афишу. Идя в театр на премьеру «Бадда», я не знала, чего мне ждать, но посмотрев спектакль, не была разочарована. Прекрасная музыка и драматический сюжет оперы глубоко захватывают, задевают за живое. Полной неожиданностью стало отсутствие в опере женских партий - это чисто мужская опера. С этой точки зрения произведение Бриттена уникально, наверно, нет, или почти нет больше опер, где сюжет не строился бы на взаимоотношениях мужчины и женщины. Хотя, если следовать морским традициям, все правильно. Ведь действие происходит на корабле, а известный морской закон гласит: «Женщина на корабле - к беде». Но и в отсутствии женщин беда приходит на корабль «Неустрашимый». Молодой матрос Билли Бадд случайно убивает старшину корабельной поли­ции Клэггарта, и за это по законам военного времени должен быть казнен. Но Билли любят все на корабле, включая капитана, за его светлую душу, за добрый и мягкий характер. Он живое воплощение света, окружающие зовут его «ангелом». И полная противоположность Билли - старшина Джон Клэггарт, мрачный, жестокий. Он ненавидит Бадда именно за идущий оттого свет и собирается уничтожить его. Сюжет оперы здесь поднимается на другой уровень, и перед нами уже не взаимоотношения конкретных людей, а извечная борьба тьмы и света, добра и зла. Опера заканчивается тем, что капитан Вир, по прошествии многих лет вспоминает это событие и мучительно пытается понять, прав ли он был тогда, когда поступил по закону, но против своей совести и отправил на казнь человека, по существу, совсем не виновного.
Исполнители главных партий: А. Бондаренко (Билли Бадд), англичанин Г. Бродбент (старши­на Клэггарт) и В. Алешков (капитан Вир) не только отлично справились с трудными вокальными партиями, но показали высокий класс драматической игры, сумев выразить внутренние пережива­ния своих героев. Очень хорошо звучал оркестр (спасибо дирижеру М. Татарникову).
Поставил спектакль Вилли Декер, немецкий оперный режиссер, который повторил свою постановку 2001 г. в Венской опере. Но для русского оперного театра эта постановкаоперы «Билли Бадд» была первой. И общество «Театрал» вручи­ло создателям спектакля в Михайловском театре свой Приз.

Смирнова М.

ВИКТОР  АЛЕШКОВ

Певец Виктор Алешков
за исполнение сложной, трагической партии капитана Вира, сочетающее прекрасный вокал и тонкую актерскую игру (спектакль Михайловского театра «Билли Бад», дирижер М. Татарников, режиссер В. Декер)

   Театралы давно знают Виктора Алешкова. С того момента, когда он впервые появился на сцене театра Юрия Александрова, мы полюбили его за красивый голос, талант, человеческое обаяние. Мы помним все его спектакли, как в «Санкт-Петербург Опере», так и в других театрах.
Я помню, как в комическом спектакле «Да здравствует мама!» театра «Санкт-Петербург Опера», который тогда обитал под гостеприимной крышей Балтийского Дома, Виктор шел по проходу зрительного зала в валенках, шапке-ушанке и с большим чемоданом, исполняя при этом арию Неморино из «Любовного напитка» Г. Доницетти. А какой интересный образ охотника, жертвующего своей жизнью ради спасения ребенка, соз­дал он в спектакле по опере А. Смелкова «Звезда Эмрайина».
«Сказки Гоффмана» в театре «Зазеркалье»... До сих пор, вспоминая этот спектакль, я испытываю радость от полученного тогда удовольствия. И в большой степени успех спектакля достигался исполнением В. Алешковым заглавной партии. Посмотрев много других постановок этой оперы в театрах и в записи, считаю, что Виктор - один из лучших исполнителей партии Гоффмана.
Отдельно хочется сказать о его Германе в сложном и философском спектакле Ю. Алекандрова (театр «Санкт-Петербург Опера). Об этом спекта­кле можно говорить очень долго. Его не приня­ли многие, но и поклонников у него не меньше. В любом случае, Герман В. Алешкова заслуживает похвалы. Ведь партия Германа требует не только прекрасного вокала, чтобы слушатели могли насладиться музыкой П. И. Чайковского, но тонкой, психологически точной актерской игры. За ис­полнение партии Германа Алешков получил наш Приз несколько лет назад. И вот, наконец, «Билли Бадд» в Михайловском театре. Опера Бриттена очень не проста. В ней нет того, что соста вляетсюжетную основу почти л юбой оперы - любовной истории. Нет в опере ни одной женщины, и вся драматургия строится на взаимо-
отношениях трех главных героев, моряков военного корабля «Неустрашимый». Это матрос Билли Бадд, старшина корабельной полиции Клэггарт и капитан Эдвард Вир, партию которого и исполняет Виктор Алешков. Собственно, все действие оперы - это воспоминания капитана о случившейся на корабле трагедии, закончившейся казнью невиновного человека, самого светлого из всей команды и любимого всеми. На долю Алешкова выпала трудная задача - показать внутреннюю борьбу Вира, борьбу между необходимостью следовать закону и собственной совестью. В конце спектакля мы видим, как постаревший Вир, вспоминая прошлое, не находит себе оправдания.
Виктор очень много работает, он поет в своем родном театре «Санкт-Петербург Опера», поет как приглашенный солист в Мариинском театре, в «Зазеркалье», в Национальном театре оперы и балета Литвы, где в 2004 году он получил звание «Лучший певец года». В 2010 году Виктор стал лауреатом премии «Золотой Софит» за партию Канио в опере Р. Леонковалло «Паяцы». Несмотря на загруженность работой, Виктор не отказывается от встреч с театралами. Он с удовольствием поет для нас и очень попростому общается. Мы желаем Виктору Алешкову долгих лет жизни в опере, успеха на любой сцене и заверяем его в своей преданности.

Смирнова М.

Очарование сказки

Режиссер Василий Заржецкий
за смелые поиски новых современных решений в постановке классических произведений, за искренность, чистоту и хороший вкус.
(Опера Римского-Корсакова «Снегурочка» в театре «Зазеркалье» и трилогия «Война и Мир» - проект «Лестница»)

   Наконец, мне удалось послушать «Снегурочку» в «Зазеркалье»! Опера создана по мотивам пьесы А.Н. Островского, музыка написана Н.А. Римским-Корсаковым, и она уже давно получила мировую известность. Двух великих авторов увлекала внешнеобрядовая сторона древнего русского быта, языческая мифология. Глубокое чувство природы, желание передать глубокий жизненный смысл русских сказок, использовать на сцене поэтический и музыкальный фольклор своей страны. Первоначальное название произведения - «Снегурочка - весенняя сказка».
При постановке в «Зазеркалье» были сделаны некоторые сокращения, но это не помешало целостности спектакля, гармоничному развитию действия.
Декоративное оформление сцены лаконично, но и здесь все дышит народным духом.
Особенно мне понравились во втором действии пологи, выполненные в технике макраме (художник Алексей Левданский). Оркестр был помещен вглубь сцены. Лампочки на пюпитрах создавали иллюзию свет­лячков в лесу, в это время на небе сверкали звезды. А какое чудо появление огромного солнца в финале спектакля! Я всегда восхищалась работой художника по костюмам Стефании Граурогкайте, здесь ее искусство выше всяких похвал. Снегурочка - снежнохолодная в начале спектакля и одета соответственно: серебряно-сверкающее платье, на голове серебряное украшение. Но постепенно она оттаивает, стремится к любви, и ее одежда - простые нарядные платья.
Все костюмы участников спектакля стильно выдержаны, особенно красив наряд царя Берендея.
А какие изумительные венки из цветов у Весны, Купавы, а потом и у Снегурочки!
Великолепно звучал оркестр под управлением Г.К. Бубельникова, он по праву являлся действующим
лицом спектакля. Снегурочка в исполнении Ольги Васильевой очаровательна, ее хрустальный голос завораживает. Прекрасен голос царя Берендея (Антон Росицкий). Трогателен Лель в испол­нении Анны Евтушенко. Много теплых слов можно сказать в адрес всех исполнителей. В целом это ансамбль профессионалов, увлеченно дарящих свой талант слушателям.
Режиссер Василий Заржецкий защитил свой дипломный спектакль на отлично. Успехов ему в дальнейшей деятельности на этом поприще.
Радует реакция детей. Они внимательно слушали, живо реагировали на происходящее, аплодировали от души, кричали «Браво!». Значит, классическое искусство живо и будет жить вечно.

ДЕБЮТЫ, ДЕБЮТЫ...

Художник Алексей Левданскийза создание одухотворенного сценического пространства в спектакле «Снегурочка» и лаконизм и многозначность оформления трилогии «Война и мир» (режиссер В. Заржецкий)

   Чудо чудное, диво дивное. На сцене театра «Зазеркалья» новая постановка «Снегурочки». В этой опере, в музыке Римского-Корсакова, воплотилась душа русского народа от безудержной удали до тон­чайших нюансов человеческой души. Режиссёром постановки стал Василий Заржецкий. Про него не скажешь - ворвался в театральный мир: все, что делает Заржецкий, обдуманно и целеустремленно. Для человека, получившего серьезное филологическое и музыкальное образование, сам бог велел работать в таком театре, как «Зазеркалье», в театре с устойчивыми классическими традициями и прекрасным художественным вкусом.
«Снегурочка» удивительная весенняя сказка о любви, о желании любить и быть любимой. Каждый год происходит чудо воскрешения и возрождения природы, вызывая у нас невероятный душевный отклик.
Исчезает занавес, и зритель оказывается в сказке. В сценическом пространстве, созданном талантом и вдохновением Алексея Левданского, закружились в весеннем хороводе, в любовной горячке и истоме берендеи. Жаркие, неумолимые лучи Ярило-Солнца топят снег, прогоняя зиму. В деревьях, в земле забро­дила, закипела жизнь. Сцена тесна - часть действия вынесена на авансцену, из оркестровой ямы выле­тают птицы, и она же становится темным омутом для Мизгиря. В глубине сцены, под синим, холодным не­бом с яркими мерцающими звездами расположился оркестр и там не дирижирует, а шаманит над своим оркестром П. А. Бубельников.
Спектакль выдержан в этническом стиле - небеленый холст и всполохи кумача, тканые ковры и половики, деревянные конструкции создают зачаро­ванный мир царства Берендея. Россыпью уральских самоцветов смотрятся костюмы персонажей оперы. Замысловатое сплетение восточного колорита с брутальными элементами европейского стиля и с этническими русскими мотивами создает удивительное, сказочное, феерическое впечатление. Это эклектичное смешение стилей вполне оправдано. Мы родились на перекрестке истории - Новгород и Псков были ганзейскими городами, в нас большой процент тюркской крови, да и Рюрик был не совсем славянин.
Роскошно раскинулась на коврах с кальяном и ароматным чаем Весна (Е.Терновая), нега и пряный аромат страсти чувствуется в ее арии. Силен и могущественен Мороз, больше похожий на варяжского гостя, в нем сила богатырская и удаль молодецкая. Тонкая нежная Снегурочка (Н. Антюфьева) - вся сотканная из света и весеннего воздуха, пробудившись под лучами солнца, преображается. Холодность и робость исчезают. Алое платье, хмельной венок из весенних цветов, в тембре голоса появились страстные нотки - вот ее новый образ. Она кидается в объятия Мизгиря и гибнет от жара его любви.
Когда смотришь спектакль, наслаждаешься вока­лом, восторгаешься стильными декорациями и ко­стюмами, слушаешь вдохновенную работу оркестра, забываешь, что это - гигантская работа режиссёра и всего коллектива театра. Для того, что бы работа состоялась, стала событием в театральном мире, надо приложить большие усилия, отдать частицу души. Без таланта, вкуса, и терпения режиссёра не было бы этого великолепия, этого ощущения целостно­сти спектакля. В новой постановке много интересных режиссёрских решений и сценических образов. Каждый персонаж продуман, драматургически решен и психологически выстроен.
Спектакль рассчитан на специфику театра «Зазеркалье», на слушателей всех возрастов. Важна простота и ясность постановки, зрелищность и красочность самого сценического пространства. Актеры максимально приближены к зрителям, от них требуется не только вокальное мастерство, но и драматический талант. Здесь тоже ощутима большая работа режиссера, он не упустил ничего, все продумано до мельчайшей детали, решена каждая мизансцена. «Снегурочка»-дипломная работа В.Заржецкого, прекрасно встречена зрителями, отмечена критикой.
Это не единственная работа творческого дуэта
В. Заржецкий и А. Левданский. В театральном проекте «Лестница» ими поставлен спектакль-трилогия по роману Л. Н. Толстого «Война и Мир. Андрюша», «Война и Мир. Наташа» и «Война и Мир. Пьер Кириллович». Три законченных, самостоятельных спектакля со сквозными действующими лицами. Работа режиссёра и актеров - попытка осмысления каждого из этих персонажей с точки зрения современного человека. На фоне грозных событий происходит кардинальная ломка жизни героев романа, переоценка ценностей. Прямая параллель с современностью, с историческими событиями, влияющими на нашу жизнь. В очень трудное и драматическое время формируется и взрослеет новое поколение, не такое как мы. Жизнь ставит перед ними сложные задачи с неоднозначным решением, от которого часто зависит их дальнейшая судьба.
Интересен подбор актеров, они молоды, импульсивны, эмоциональны. У многих эта первая, серьезная работа на профессиональной сцене. Леонид Филлипов в роли Пьра Безухова настолько убедителен, что отделить его от персонажа очень трудно. Невозможно представить себе другого Пьера. Интересна трактовка образа Андрея Балконского Леонидом Нечаевым. Это не аристократ 19 века. Современный молодой человек с его максимализмом, холодной отстраненностью, скептицизмом, эгоизмом. Каждый из персонажей несет в себе черты характера Л. Н. Толстого, плод его мучительных раздумий и трагических разочарований. Сложен и труден процесс работы с таким гигантским материалом, и у каждого свое прочтение романа. Со временем образы и характеры персонажей будут углубляться, процесс работы над таким драматургическим произведением бесконечен.
Я перечислила только несколько работ Василия Заржецкого и Алексея Левданского. Это только первые шаги на новом поприще, но талантливая, стильная работа говорит о рождении нового талантливого режиссера и самобытного, тонкого сценографа, бережно и вдумчиво прочитывающих классику. Пожелаем им много и плодотворно работать, а мы будем восторгаться и радоваться творческими успехами и прекрасными театральными работами.

ОТКРЫТИЕ!

Артист Леонид Филиппов за невероятную органику, серьезность и глубину в создании образа Пьера Безухова в трилогии «Война и мир» по роману Л.Толстого (театральный проект «Лестница», режисер В. Заржецкий)

   Несколько лет назад на фестивале лаборатории «0Н.театр» был показан спектакль «Андрюша» режиссера В. Заржецкого. Он как-то сразу покорил зрителей своей естественностью, внимательным отношением к слову Л. Толстого, небольшим по объёму, но всегда к месту, музыкальным сопровождением (живым, не в записи), хорошими актёрскими работами (чего только стоит один Виталий Гордиенко в роли князя Балконского, какой точный рисунок роли!).
Но главным открытием было появление абсолютно неизвестного для нас, впервые увиденного актера Леонида Филиппова в роли Пьера Безухова. Собственно, это был даже не актер в роли, а, как показалось, сам Пьер: настолько исполнение было органичным и единственно верным. Спектакль закончился сценой, когда Андрей Балконский подслушивает разговор Наташи и Сони у окна. Подумалось: «И все? А дальше?». Оказалось, продолжение следует... Позже появилась «Наташа», а потом и «Пьер». Актеры росли от спектакля к спектаклю, как бы взрослея вместе со своими героями, переживая все перипетии их жизни: сомнения, поиски смыслов и идеалов, потери, любовь, душевные терзания, вместе с ними жили и в «войне», и в «мире».
«Выросли» роли у Л. Нечаева (Андрей) и у В. Шалагиной (Наташа). Отдельно хочется отметить прекрасную работу С. Ермакова в роли Платона Каратаева.
У Л. Филиппова внешне в рисунке роли, кажется, ничего не меняется, она развивается вглубь и вглубь. В его герое происходят многие внутренние измене­ния, и всё же он остаётся очень цельным челове­ком (в пьесе М. Угарова «Обломов» доктор ставит Илье Ильичу такой диагноз: человек-totus, «целый» человек).
Вот и Пьер Леонида Филиппова - «целый» человек, стержень всего спектакля, он какой-то очень настоящий. В 3-й части у него большие сцены и длинные монологи, при этом на актера хочется смотреть и смотреть, хочется его слушать и слушать.
Соглашаешься в финале спектакля с героем Л. Толстого: что для того, чтобы жить настоящей жизнью, в душе «не должно быть войны».

Платонова Т.

ВИХРЬ СТРАСТЕЙ «МАДАМ БОВАРИ»

Актриса, режиссер Наталья Индейкина
за постановку спектакля «Мадам Бовари», хореографически-драматическое действо которого сумело захватить зрителя вихрем страстей.

   Профессии актера и режиссера столь различны, что очень мало кому удаётся сочетать их в одном лице, особенно, если это лицо - женщина. Наталье Индейкиной это удалось. И ту, и другую профессию она осваивает успешно и бесстрашно.
Взяв за инсценировку и постановку один из самых знаменитых и скандальных романов XIX века «Мадам Бовари» Флобера, нужно было избежать множества подводных камней и прежде всего, пошлости в рассказе о любовных поисках героини (чего не смог или не захотел избежать А. Жолдак в своём спектакле в театре «Русская Антреприза»).
Я специально перечитала роман и ещё раз прочувствовала искренность и трагизм жизни Эммы Бовари, неизбежность её гибели.
Наталья Индейкина, хоть и перенесла действие спектакля в начало XX века, по сути в нём ничего не изменила, но внесла в действие необходимую театральность, а главное, динамику, темп, даже вихрь. Спектакль не движется, он несётся как его героиня в поисках любви. Бег жизни, бег от жизни, любовная лихорадка и отчаяние: «Скорее, скорее», - передаются не только игрой Е. Решетниковой (Эмма), а всем спектаклем, его пластикой, танцами, проносящимися мимо зрителей декорациями, предметами, персонажами, вовлекая их в вихрь страстей.
Редко в спектакле почти физически ощущаешь взлёты и падения, взрывы чувств персонажей.
Вроде бы и история вполне заурядная, и жизнь, в худшем смысле слова, провинциальная, мещанская, и люди - малоинтересные, но Любовь, которую так страстно ищет Эмма, и Любовь, которой как ценнейшим даром наделен Шарль Бовари (прекрасная роль актёра Константина Анисимова), превращает обыденную жизнь в Поэзию. И это мы видим, чувствуем в спектакле Натальи Индейкиной.
Мечта героини о рыцаре на белом коне не сбылась, но по жизни её вела именно мечта, а не поиски любовников. К сожалению, Е. Решетниковой пока не даётся эта сложнейшая роль, внешние метания заслоняют сущность.
И замечательно, что финал спектакля отдан именно Шарлю Бовари. Он держит перед глазами гранёный бокал, как делала это Эмма, силясь увидеть разноцветные блики света в нём, пытаясь понять, что искала его жена в том, другом, цветном мире, и болью отдаётся его крик: «Эмма!».
Может быть, он понял это, а, может быть, и нет.

Платонова Т.

ШАРЛЬ -АНИСИМОВ

Артист Константин Анисимов
за сыгранные с небывалым азартом запоминающиеся, психологически точные роли в спектаклях «Мадам Бовари» и «Осенний марафон. P.S.» (театр «Балтийский Дом»)

   Артист театра «Балтийский Дом» Константин Анисимов родился в театральной семье. С момента окончания театрального института по классу И.О. Горбачева и по сей день - актер театра «Балтийский Дом». Сыграно множество ролей. Среди них - две очень яркие: Захар из «Жизни Ильи Ильича» и Тихон из спектакля «Почему люди не летают». Шли годы. У публики сложилось мнение: «Костя всегда хорошо играет».
Это впечатление зрителя не изменилось и по­сле просмотра двух премьер театра 2013 года, где занят Константин Анисимов: «Мадам Бовари» в постановке Натальи Индейкиной и «Осенний Марафон.РБ» режиссера Анатолия Праудина.
Шарль Бовари (спектакль «Мадам Бовари») - сначала трепетно влюбленный в Эмму, счастливый жених. Позже - наивный, смешной, иногда растерянный, разрывающийся между ссорящимися матерью и женой, небритый и говорящий о нарыве (ведь он доктор!) во время еды, но любящий муж.
«Эмма, я твой муж, я люблю тебя!» - этот вопль, крик пронизывает всю канву спектакля, всегда настигая Эмму в вихре её жизни - стремительного потока событий в поисках новой любви. Но она не слышит. Пронзительная любовь Шарля, градус которой порой зашкаливает, и психологически точная, сыгранная на бешеных скоростях игра Константина Анисимова выводит его на первый план спектакля. Спектакль хочется переименовать и назвать его «Шарль Бовари».
И еще одна удача артиста: Бузыкин в «Осеннем марафоне.P.S.». И здесь - бешеные скорости: Алла - Нина - Варя... Знакомые персонажи по гениальному фильму Георгия Данелия. Конечно, зритель сравнивает. И оказывается, что игра Константина Анисимова - замечательная. Он и нелепей, и неуверен в себе, и везде опоздал и ничего не совершил, и все пытаются им манипулировать, но, когда он остается один, свободным, и сбрасывает с себя путы обязанностей, оказывается готовым к власти волшебных звуков, чувств, дум, поэзии... Звучит Бродский.

СТРАШНЫЙ СОН

Артист Вадим Яковлев
за создание трагического, трогательного, ироничного, глубокого и очень неожиданного образа Сталина в спектакле «Сталин. Ночь» (театр «Балтийский Дом», режиссер Л. Алимов)
Артист Леонид Алимов
за смелый талантливый дебют в роли автора пьесы (по мотивам повести В. Некрасова) и режиссера спектакля «Сталин. Ночь» (театр «Балтийский Дом»), который получился невероятно смешным, страшным и неравнодушным.

В 1983 году Виктор Некрасов в Париже написал повесть «Саперлипопет, или если бы да кабы, да во рту росли грибы...». В ней, во второй ее части, несколько глав посвящены воображаемой встрече писателя со Сталиным.
Эти главы легли в основу пьесы артиста Леонида Алимова «Сталин.Ночь», которую он сам поставил и оформил.
Кроме того, что Алимов кое-что переосмыслил, дописал некоторые роли (полковник Иванов, Валентина), добавил сцены и монолог главного героя в финале, у него все действие происходит только ночью. И это - очень существенно, ибо ночью - всё тревожнее, фантастичнее, страшнее... (вспоминался офорт Ф. Гойи «Сон разума рождает чудовищ»).
Я смотрела спектакль дважды. На первом просмотре почему-то очень много смеялась, гораздо больше, чем на втором. Тогда было смешно и страшно, а теперь страшно и смешно.
В малом зале театра все происходит так близко, что чувствуешь себя соучастницей, и иногда бывает просто не по себе.
Определить жанр спектакля практически невозможно. Скорее всего, это фантасмагория, фарс, кошмар, сон, где смешаны реальность и фантазия, прошлое и будущее, и все существует в таком напряжении, что, кажется, в любой момент может вспыхнуть пожар. Очень трудно существовать в таком стиле, но создателям спектакля это удаётся.
Считаю, что лишь последний монолог писателя выбивается из этого стиля: слишком много в нем объяснений, кто есть кто и что есть что. Однако, автор на нем настаивает, считая, что это необходимо для молодого зрителя. Возможно, он прав.
В спектакле отличные актёрские работы. Полковник Иванов - А. Муравицкий. Очень «сегодняшний», скорее из нашего времени, а, может быть, из любого. Такой вечный тип: угодливый, наглый, готов и «подстелить» и расстрелять, на всё и всегда готов! Роль сделана пластически выразительно.
Хрущёв - С. Мардарь. Не столь он уморителен, как показалось вначале. Фигляр, ничтожество, не знает, как ещё угодить «самому», жалкая фигура, но чувствуется, что он дождется своего часа, отыграется.
А вот Валентина никого не боится, всех жалеет - и убийц, и жертв. Для неё Сталин - просто больной упрямый старик.
Замечателен финал спектакля, когда Валентина поет «Колыму» как стон, как плач по всем загубленным и погибшим душам. Оплакивание, омовение убиенных - вечная тема не только нашей истории.
Д. Гирев (писатель) с каждой ролью становится все интереснее. Веришь актёру - так он органичен, ни в чем не фальшивит, веришь его герою, в то, что он воевал и не понаслышке знает, что такое «окопы Сталинграда».
Выдающаяся работа В. Яковлева, исполняющего роль Сталина. Страшный, жалкий, трагический, неприятный, язвительный, несчастный человек. Вроде бы впрямую никак не проявляется его властность и сила, а некоторую готовность « аплодировать» и восхищаться им ощущают, кажется, не только писатель, но и зрители.
Артист играет итог жизни, хотя Сталину в то время оставалось жить ещё б лет. Но у него такой тяжеленный груз на душе, который никак и никогда не скинуть, и мы это чувствуем.
Внешне вроде бы простой рисунок роли, но внутри - невероятное напряжение.
На спектакле зритель немало смеётся. Только вот над кем? Наверное, над собой. Ведь это весь народ хлопал в ладоши, пел, плясал вприсядку и дрожал от страха. Конечно, сейчас нам легче. Говорят, со смехом расстаются с прошлым. Однако, нет-нет, да и за­молкнешь: слишком сильна опасность рецидива.
За полгода со дня премьеры политическая ситуа­ция в стране так изменилась, что текст об Украине, Прибалтике, СССР воспринимается в другом контексте, когда уже не до смеха. Спектакль вольно или невольно стал значительно жестче.
Хочется отдельно отметить смелый, яркий дебют Леонида Алимова как автора пьесы, режиссера и сценографа.
Спектакль получился неоднозначным, что вполне естественно. О нем говорят, спорят, кто-то его не принимает, кто-то восхищается.
Но нельзя не признать, что все происходящее на сцене - очень талантливо! Очень!

Художник Олег Головко

за органичную многослойную сценографию спектаклей «Калека с острова Инишман»
(БДЕ им. Г. А. Товстоногова) и «Маленький семейный бизнес» (театр Комедии им. Н. П. Акимова)

   Олег Головко сегодня - один из самых интерес­ных мастеров.
Спектакль Андрея Прикотенко «Калека с острова Инишмаан» в БДТ им. Товстоногова балансирует на грани мрачной психологической драмы и абсурдистской комедии. Он по-северному холоден - и по-русски бесшабашен, в нем лирические настроения органичны в контрапункте с разухабистой отвязностью героев странноватой истории про людей с Аранских островов (проверьте - это крохотная точка на карте Ирландии).
«Калека с острова Инишмаан», поставленный Андреем Прикотенко, конечно, возможен лишь в сценографии Головко, здесь каждый сантиметр и каждый жест просчитан художником и режиссером, и очень убедителен, пространство и предметы здесь не обманывают, лицемеров надо искать среди людей.
На сцене художник Олег Головко выстроил деревянный причал с парой швартовых тумб, отрезал глубину сцены жестким брезентовым парусом, протянул куда-то наверх железную лестницу, по которой герои в тяжелые минуты тянут как груз своей жизни простые картонные коробки, снабженные надписями об осторожном обращении. Хотя никакого осторожного обращения на острове Инишмаан не существует. Пространство жизни здесь узкое, брутальное и опасное. В спектакле задействована живая вода, проливающаяся дождем, бьющая брызгами дождя, льющаяся как водопад. И эта сырость и промозглость становятся частью жизни на Инишмаане. Герои даже моются в одежде и так заодно стирают на себе свои шерстяные свитера. Необычное для театра оформление спектакля - вся авансцена превращена в настоящее море (установлен специальный бассейн с водой, которая дает изумительной красоты отблески на стены партера). Актеры смело шлепают по воде не только в дождевиках и в сапогах, но и босиком, и в костюмах. Брызги летят во все стороны.
Еще был надрыв какой-то внутренний, ирландская музыка и шторм, который в абсолютно темном зале казался настоящим. В ирландской истории использованы народные песни и мелодии.
В 2013 году Олег Головко не просто оформил два премьерных спектакля в разных театрах и с разными режиссерами («Калека...» в БДТ, режиссер А. Прикотенко и «Маленький семейный бизнес» в театре Комедии, режиссер А. Бубень), но по праву является соавтором постановщиков.
Спектакль А. Прикотенко в чем-то даже проигры­вает сценографии О. Головко, в которой огромный парус и живая вода иногда переигрвают актеров. Люди здесь, на этом Богом забытом клочке земли, живут странной жизнью: все слишком хорошо знают друг друга, слишком тесно общаются: ненависть, любовь, зависть, мечты переплелись в тяжелый клубок. Наверное, лишь калека Билли, самый несчастный, умный и единственный, способный любить, наиболее близок природе, поэтому так важны в сценографии спектакля «настоящие» волны, ветер, дыхание моря.... «Подлинные» декорации художника дают важный «вес», «объем» происходящему в спектакле, не дают ему превратиться в чудоковатую историю.
Совсем иные задачи были у О. Головко в союзе с режиссером А. Бубенем. Запутанная, в чем-то детективная история семейного бизнеса размещена в рассеченное на помещения пространство 2-х ярусного дома, который фантазией сценографа имеет возможность перемещаться, раскручиваясь в пространстве, тем самым давая возможность зрителю наблюдать за параллельными диалогами действующих лиц и сложным рисунком мизансцен. Удиви­тельно интересное решение.!
P.S: Олег Головко - выпускник Санкт-Петербург- ского института живописи, скульптуры и архитектуры имени И. Е. Репина, мастерская народного художника РСФСР Э. Кочергина. Стажировался в Париже.
С2002 по 2004 год - главный художник Алтайского краевого театра драмы имени В.М. Шукшина.
С 2004 по 2006 год - главный художник Новосибир­ского академического театра «Красный факел».
Член Союза художников России. Участник многих международных художественных выставок и оформил около пятидесяти спектаклей в Санкт- Петербурге, Риге, Новосибирске, Омске, Томске, Барнауле, Екатеринбурге, Петрозаводске. Живет и работает в Санкт-Петербурге.

Мосолова И., Ильина Т.

МАЛЕНЬКИЙ СЕМЕЙНЫЙ БИЗНЕС

Режиссер Андрей Бубень
за постановку стильного эффектно выстроенного спектакля «Маленький семейный бизнес» в театре Комедии им. Н. П. Акимова

   В декабре 2013 года Театр Комедии им. Н.П. Акимова порадовал нас необычной для этого театра премьерой - была поставлена пьеса современного английского драматурга Алана Эйкборна «Маленький семейный бизнес». Идея постановки этой пьесы принадлежит замечательному режиссеру Анджею Бубеню. Вот, что он сам говорит об этом: «Несколько лет назад Театр Комедии договорился со мной, что я поставлю для них спектакль, но под одним условием - я сам найду текст. Дело в том, что я редко ставлю тексты, которые мне предлагают. И тогда мы решили, что пьеса должна устроить и меня, и театр, и при этом должна быть комедией. Но этот жанр можно понимать совершенно по-разному. Мне ближе комедия в том смысле, в каком о ней писал Чехов, нежели в том, в каком о ней писал Рей Куни. Мне нужна была ироничная комедия жизни».
Анджей Бубень очередной раз поразил нас умением донести до зрителя суть авторской идеи. Мы видели это уже в его постановках по романам Людмилы Улицкой - «Даниэль Штайн, переводчик» и «Русское Варенье» в театре на Васильевском , «Зеленый Шатер» в Балтийском доме.
Пьеса Эйкборна как нельзя более актуальна для нашего общества, где, к сожалению, также процветают воровство и коррупция. И эта, по-настоящему черная комедия жизни, привлечет в первую очередь тех зрителей, кто посмотрев эту пьесу и пропустив её через себя, поймут, что погоня за наживой оборачивается тем, что самое главное в нашей жизни - любовь, уважение, наши дети - проходит мимо нас. Сюжет пьесы недвусмысленно обнажает пороки общества и человеческой натуры. Главный герой - честный и благородный Джек Маккрекен получает от своего тестя в управление семейный бизнес. Пытаясь понять, почему, несмотря на успешное производство, компания терпит убытки, он попадает в водоворот хитроумных махинаций и, постепенно распутывая этот клубок, понимает, что каждый член семьи так или иначе замешан в этой коррупционной схеме. Ну, а уж какэто затягивает в этот же клубок и самого Джека, во время действия превращающегося из порядочного человека в циничного бизнесмена, такого же, как и все его многочисленные родственники, об этом виртуозно поведал в своей блестящей постановке Анджей Бубень.
В соавторстве с художником-постановщиком Олегом Головко создана очень интересная сценография спектакля. Декорации, как бы в трехмерном пространстве позволяют увидеть действия в двух или даже в трех пространствах одновременно, благодаря чему развитие сюжета не прерывается ни на секунду. Интересную роль в сценографии играет видеоинсталляция, акцентирующая внимание зрителей на определенных мизансценах. Безукоризненно подобранный режиссером актерский состав четко воплотил его замысел, а предложенный им способ игры позволил создать эффектный стильный спектакль для умного и думающего зрителя.

ЧТО ТАКОЕ ПОДВИГ?

Народная артистка России Галина Петровна КороткевичЗа уникальный вклад в театральную жизнь нашего города

   На этот вопрос можно просто ответить: нужно про­жить 93 года и при этом продолжать работать! Можно еще добавить: вырастить дочку, прекрасную актрису Ирину Конопацкую... Вообще ленинградцам повезло: че­тыре поколения зрителей могут считать ее своей. Ведь подвиг Галины Петровны Короткевич начался во фрон­товых бригадах, осенью 41- го. Что может сделать ма­ленькая девочка, студентка первого курса? Многое. Понять, например, что ты, твои родные, твоя Родина - не­разрывны. И если вдруг напали враги, нужно защищаться и воевать. Чувство Родины - полезное чувство. Оно помо­гает скорее определить свое призвание.
Для Галины Петровны такого вопроса не стояло. Артист должен быть на сцене, даже если сцена - это кузов грузо­вика, а на улице мороз и это, между прочим, всего лишь пе­редышка в бою! Фронтовики как-то мало об этом говорят, мол, так жила вся страна. Да вот не вся! Была еще дистро­фия второй степени, медаль «За оборону Ленинграда»! Но самая большая награда - это длинная творческая жизнь, работа с великими режиссерами и любовь зрителей!

Спектакль - предупреждение

Спектакль «Ночь Гельвера»
(пьеса И. Вилкивиста, режиссер А. Баргман) за глубокое серьезное раскрытие убийственной опасности и живучести фашизма, за бесстрашие и самоотверженную работу создателей спектакля

   Пьеса польского драматурга Ингмара Вилквиста «Ночь Гельвера» рассказывает о событиях почти 100-летней давности, к сожалению, актуальных и сегодня. Нетерпимость, национализм, в крайнем проявлении - фашизм, явившиеся в 30-е годы в Германии, не умерли и в наши дни. Они вспыхивают в разных частях света, разных странах, в истории и судьбе разных народов.
Действие пьесы и, естественно, спектакля раз­ворачивается в небольшой, скромной, даже убогой комнате, где живут мать и ее приемный сын. Третьим действующим лицом спектакля является бушующая агрессивная толпа за окном, которая так и остается за сценой. Но именно она определят все разговоры, поступки, противоречивые отношения двух мирных, безобидных людей. Именно она выводит эту трагедию на уровень античности, когда мать убивает своего сына, не находя другого выхода. Приемный сын - это 30-летний молодой человек, который с упоением и серьезностью все еще играет в солдатики и рассуждает как пятилетний ребенок. Этот психологически точный ход, заостренный до крайности. Он показывает, как страшна управляемая, не рассуждающая толпа, охваченная общим порывом быть как все, чувствовать единение с такими же, как ты, в осуществлении «великих» идей превосходства твоей нации, идущей к счастливой жизни. Реальное осуществление этой идеологии нам показали все ужасы 2-й Мировой войны. Актеры, играющие эту трагедию, Оксана Базилевич и Дмитрий Пьянов, настолько убедительны и достоверны, что кажется, что они действительно мать и сын. О. Базилевич молча, без слов (их и говорить-то некому, сын все равно не поймет) убеждает нас в том, что она понимает всю безысходность своего положения. Она ничего не может возразить своему восторженному сыну, с упое­нием рассказывающему о безоговорочном подчинении своему начальнику, об общих собраниях и маршах националистов, в которых он чувствует себя частицей большой силы. Он часть ее, поэтому он и силен. Д. Пьянов убедительно, до мелочей правдоподобно изображает этого молодого человека, по сути ребенка, который совершает все без рассуждения, если ему прикажут, видя в этом свой высший долг. Это актерское мастерство высшей пробы, поэтому мы верим в характер этого персо­ажа безоговорочно.
Мать, которая понимает, что она бессильна что-либо изменить, идет к трагической развязке. Ее сын - часть бушующей агрессивной толпы за окном, которая и его уничтожит как ненужный, отработанный материал. Эта толпа и управляет поступками матери, подводя ее к нечеловечески трудному решению самой убить своего сына. В заключительной сцене она неподвижно сидит с телом сына на коленях, с отрешенным, опустошенным взглядом. И мы понимаем, какая нечеловеческая боль охватила эту мужественную женщину.
Без блестящей режиссуры А. Баргмана, безусловно, не получилось бы столь глубокого, ошарашивающего спектакля.
Художником - постановщиком спектакля стал Анвар Гумаров, это новое для нас имя. Можно сказать, режиссер и художник нашли друг друга: аскетичные приемы режиссуры как нельзя лучше сочетаются со скромной, бедной обстановкой жилища, где живут мать и сын, которую представил художник. Это единство визуального образа спектакля и действия, разворачивающегося в нем, усиливает ощущение катастрофы, к которой неотвратимо идут герои спектакля. Активным действующим лицом этого действия становится открытая форточка, через которую доносится постоянный агрессивный рев толпы, готовой на все, опреде­ляющей поступки, поведение этих двух людей и, в конечном счете, их судьбу.

Ушакова Н.

«Тихий Дон» в «Мастерской» Григория Козлова

Студенческий спектакль «Тихий Дон»(постановщик-педагог Г. М. Козлов) за этнографическую достоверность и обжигающую правду в переложении великого романа

   Самое сложное на театре - это перенос великого романа на сцену. Необходимо адаптировать текст, написать диалоги, рассчитать сценическое время, при этом, сохранив хронологию, вместить 10 лет (1912-1922 гг) самого сложного периода жизни российского казачества на фоне величайшей катастрофы 20-го века, куда вошла Империалистическая Война, Революция в России и последующая за этим Гражданская Война.
В это трудно поверить, но Григорию Козлову, имея в арсенале учеников 3-го курса Театральной Академии, это удалось. Восьмичасовой спектакль смотрится на одном дыхании! Великолепные де­корации (а на премьере даже чувствовался запах сена и махорки) моментально переносят зрителя в хутор Татарский и он становится участником событий, переживая вместе с героями и трагическую любовь Григория с Аксиньей, и сложнейшие перипетии переломного времени, произошедшими с жителями Придонья. Но самое ценное в этой работе - бьющая беспощадно правдивость, ибо только она может вызвать искренние слезы на глазах зрителей.
Редкий случай: безоговорочное решение жюри наградить спектакль «Тихий Дон», режиссер-педагог Григорий Козлов, Призом общества «Театрал» по итогам 2013 года.Григорий Козлов давно мечтал поставить роман Михаила Шолохова. И вот мечта осуществилась. Спектакльполучился. Не пришлось делать никаких скидок на молодость и неопытность исполнителей. Цельно, глубоко,серьезно, профессионально.
Несмотря на большую протяженность действия (около 7 часов), смотришь все время с интересом, не отрываясь, сопереживая и сочувствуя героям, радуешься и грустишь вместе с ними. Григорий Михайлович проделал потрясающую режиссерскую и педагогическую работу, которую трудно переоценить, но, может быть, она не дала бы того блестящего результата, если бы не огромная любовь, которую он вкладывает в воспитание своих студентов. Эта любовь, я уверена, дает много сил ребятам, она охватывает не только сцену, но и зрительный зал. И это ощущаешь на всех спекта­клях Григория Козлова.
Я впервые видела этот курс. Лица все незнакомые, но вот удивительно: при внешней, казалось бы непохожести этот курс очень близок, родственен предыдущему, а тот - тому, который был перед ним и т.д. Таким образом, создается единая общность, семья, естественная смена поколений, что дает дополнительное содержание, особую атмосферу, какой-то незримый второй план спектаклю. Режиссер поставил его очень подробно, про­следив судьбы героев от начала до конца и показав все их противоречия, сложности, трагические и комические перипетии, насытив спектакль разнообразным движением, танцем, пением. Ребята освоили очень непростой казачий говор. При всем разнообразии, многоплановости спектакль получился цельным, гармоничным, без проходных ролей и ненужных сцен. После просмотра возникает чувство большой бла­годарности всем создателям спектакля и пожелание сохранить искренность, самоотверженность, чистоту.
В случае с учениками Григория Козлова на это можно с уверенностью надеяться.

Круглов С.

МОСКВА-ПЕТУШКИ В «МАСТЕРСКОЙ»
ИДИ И СМОТРИ!

Спектакль «Москва-Петушки»
за интеллигентно переданный материал и самоотверженную проникновенную актерскую работу

   «Талифа куми» - Тебе говорю: «Встань и иди!». Если ты ещё не смотрел спектакля в «Мастерской» Г. Козлова «Москва-Петушки», тогда встань, и иди смотреть!
С поэмой «Москва-Петушки» я был знаком ещё давно, но, признаюсь, не испытывал от него вос­торженных чувств, а даже наоборот... «О, тщета! О, эфемерность!», - подумал я, перечитав произведение, и отправился на Народную улицу.
Стоило только войти в театр, сразу началось действо: звучал шум колёс поезда. «Граждане пассажиры покупайте путевые листки», - с такими словами продавали программки к спектаклю. Женщина, одетая советской буфетчицей, разливала портвейн для всех желающих. Рядом была собрана инсталляция из бутылок, фортепьяно и са­мого человечного человека - Ильича - с зелёными горящими глазами, смотрящими на маленькую девочку, собирающую милостыню игрой на флейте; на груди у девочки висела картонка с надписью из русской классики («Утопленник» А.С. Пушкин).
Когда зрители расселись по местам, неожиданно начался спектакль, как будто шел ранее с уведомления автора об изъятии главы «Серп и Молот - Карачарово» по цензурным соображениям... Дуэт актёров (Евгений Перевалов и Алёна Артёмова) сразу притянул к себе внимание, и невозможно было оторвать от них взора. Про актёров хочется написать словами упомянутого классика: «Люблю я бешеную младость». Спектакль выдержан в высоком темпе, чередуясь с лирическими отступлениями, что не даёт зрителям устать ни на минуту.
Как мне стало известно, спектакль появился благодаря стараниям Евгения Перевалова, сыгравшего в нём роль лирического героя, интеллектуального алкоголика Венечку, который едет на электричке к любимой девушке. Евгений долго самостоятельно репетировал, а потом показал свои наработки Григорию Михайловичу Козлову. Тот, как скульптор, взял материал и отсёк всё ненужное.
На мой субъективный взгляд, многие постанов­ки спотыкаются на алкогольной тематике, загромождая сцену столами с бутылками, рюмками и показом всевозможных возлияний и т.д. Здесь же за весь спектакль я не увидел ни одной бутылки, что меня откровенно порадовало. Что же осталось? Остались душевные и физические муки героя, «зелье» используется как инструмент для перехода в мир иллюзий, в котором раскрывается Венечка как созерцатель, мыслитель, философ, историк, поэт...
Помогала Евгению вести спектакль Алёна Артёмова - и «чтец, и жнец, и на дуде игрец»... Уж простит меня Алёна за фамильярность. Актёру всегда помогает умение играть на каком-нибудь инстру­менте. Алёна играет и на аккордеоне и на фортепьяно, что, несомненно, украшает спектакль. Неожиданное сочетание Ерофеева с Мусоргским, Бетховеным, Римским-Корсаковым и Листом в исполнении Алёны звучат на сцене. Евгений Перевалов к роли Венечки отнёсся самоотверженно: чего только стоит его прыжок через себя, когда героя выкидывают из магазина. Венечка прижимает к своему сердцу чемоданчик, в котором, как мы знаем из текста, находится выпивка. В чемодан встроена лампочка и, когда Веничка открывает чемодан, лампочка загорается и создаётся впечатление, что там находятся до­рогие сокровища. В этой сцене и предугадывается страшный финал: если в этом чемодане твоё сокровище, то трагический исход неизбежен. По стечению судеб автор поэмы Венедикт Ерофеев также умирает от «укола болезни» в горло, как и его герой. Финальная сцена перед убийством не оставила никого равнодушным в зале, заставляя сопереживать, сострадать, плакать как и сцена, где возлюбленная Венечки остаётся на перроне в Петушках одна, так и не дождавшись...

Калинин К.

ВЕРНЫЕ ДУХУ А. С. ПУШКИНА

Режиссер Геннадий Тростянецкий
за живую современную энергию классического текста А. С. Пушкина, воплощенного актерами театра «Пушкинская школа» в спектакле «Дубровский»

   В последние годы появление на афишах театрального Петербурга произведений классиков вызывает насторожённость: слишком неоправданно агрессивно перекраиваются современными режиссёрами пьесы, проверенные временем. Но поставленный на сцене нашего любимого театра «Пушкинская школа» спектакль по мотивам романа А. С. Пушкина «Дубровский» оправдал самые затаённые ожидания зрителей. Яркий самобытный режиссёр Геннадий Тростянецкий и великолепная труппа молодых актёров «Пушкинской школы», для которых высокая литература всегда живет в душе и сознании, создали живой эмоциональный спектакль!
Роман «Дубровский» о любви, верности, чести с одной стороны, о захвате чужой собственности, барском и чиновничьем произволе с другой. Всё это, без сомнения, считывается, как реалии сегодняшнего дня.
Кирилла Петрович Троекуров (Д. Волков) - современный хозяин жизни, кичащийся своей безнаказанностью.
Спицын Антон Пафнутьевич (П. Хазов) - чиновник, готовый пойти на подлог и лжесвидетельство в угоду покровителю. Как не просто в современной России достойному «Володе Дубровскому» (Н. Кирьянов) отстоять свое попранное право, право на достойную жизнь. А сегодняшней романтичной Машеньке (Ю. Скороход) во взрослой жизни приходится драматично расставаться с иллюзиями и мечтами. Но главное в романе и в спектакле - любовь молодых людей, неподвластная расчёту, вражде и мести.
Актёры «Пушкинской школы» играют азартно, с юмором и точнейшими нюансами пушкинского текста. Чувствуется, что спектакль рождался в соединении чёткой мысли режиссёра и живой энергии этюдных находок самих молодых актёров. Они создали глубокий завершённый спектакль.
Гибель дочери вырвала крик отчаяния у бес­сердечного отца. Владимир, отказавшись от мести, потеряв любовь, покинул своих соратников, предложив им самим решать свою судьбу. Под звуки щемящей русской песни «Однозвучно звенит колокольчик....» пустеет деревянный помост-дорога, как бы приглашая зрителей ХХ1 века следовать самостоятельно за живыми героями Пушкина, подаренными нам уникальной труппой театра «Пушкинская школа» и талантливейшим режиссёром-философом Геннадием Рафаиловичем Тростянецким!

Кузнецова Т.

НЕ БОЙСЯ, МАША, Я - ДУБРОВСКИЙ

   В наше время больше всего достается классике. Ее, бедную, вскрывают, препарируют, действие переносят в другое временное пространство, персонажей поливают молоком, топят в бассейне, клонируют. Чем замысловатее изуродовано произведение, тем больше наград получает режиссёр, а доморощенные критики талдычат о первом и втором уровне восприятия. Пушкинская повесть «Дубровский» избежала этой участи.
В подлиннике нет подробных бытописаний, сложного психологического анализа характеров и поступков персонажей. Повесть похожа на хронику событий с включением подлинных документов. Все остальное читатель додумывает сам.
Новая постановка режиссера Г. Тростянецкого на сцене театра «Пушкинская школа» тоже скупа на декорации и бутафорию. Основное место действия - подиум, но как многозначно его использование!
Дорога, барский двор, господские покои, поле битвы, а, по существу, жизненный путь, в конце которого у каждого своя Голгофа. События развиваются динамично, и мы, зрители, вовлечены в этот круговорот. Сильный эмоциональный настрой артистов передается зрителям, возбуждая вооб­ражение и будоража фантазию. Маленький макет дома в руках Н. Кирьянова (Дубровский) превращается в небольшую скромную барскую усадьбу, наполненную воспоминаниями, близкими сердцу Володи. И так все. На сцене нет ничего лишнего, отвлекающего отхода событий, все наше внимание сконцентрировано на происходящем.
Маша по воспитанию и восприятию мира по духу - родная сестра Татьяны Лариной. Одиноче­ство, французские романы, сложный внутренний мир грез и фантазий.
Владимир Дубровский - ровесник Евгения Онегина, и также рано познал и вкусил соблазны боль­шого света, но в отличие от Евгения, был пленен чистотой, восторженностью и красотой Маши с первого взгляда; но их любовь так же трагична, у нее нет будущего. Дубровский ступил на путь разрушения и обратной дороги у него нет. Эти обстоятельства создают непреодолимый барьер.
Д. Волкову в роли Троекурова удалось передать сложность и противоречивость персонажа. Это не просто самодур - это человек, рожденный по­велевать человеческими судьбами в силу своего рождения, воспитания и богатства. Тот, кто встает на его пути - враг, а враг должен быть подчинен или уничтожен. Уважение вызывают только сме­лые и сильные люди, равные ему. У Троекурова свои представления о счастье дочери. Он не хочет вникнуть в трагизм ситуации и, только когда Маша гибнет, его охватывает ужас от содеянного и из са­мой глубины души вырывается крик отчаянья. Вот его крест, его боль на всю жизнь, его Голгофа.
Спектакль построен на смене настроений. Ли­ричные, светлые, подернутые легким флером детские воспоминания Володи, перемежаются с гротескными, нарочито смешными сценками. В трактовке характеров персонажей чувствуется ироничный, острый, насмешливый взгляд режиссера. Элегантный, англизированный, немного фатоватый князь Верейский (Г. Печкысев); добрая, заботливая хлопотунья - няня в стоптанных шлепанцах (Н. Гулина). Благодаря ее музыкальности грустные русские мелодии органично вплетаются в ткань спектакля. Н. Кирьянов и Ю. Скороход играют Владимира и Машу немного иронично и покровительственно. Им, рожденным в нашем веке, трудно полностью перевоплотиться в своих персонажей, они - дети нашего времени.
Для Пушкина восстание крестьян Дубровского явилось прологом к Пугачевскому бунту в «Капитанской Дочке». В повести нет расправ над поме­щиками, но есть ощущение страха перед самой стихией бунта: надо его подавить, во что бы то ни стало.
Сцена сражения в эмоциональном и драматическом восприятии одна из самых сильных. Динамика событий и пластическое решение захватывает, и волей неволей ты становишься соучастником событий. Актерам достаточно повернуться на девяносто градусов, и перевоплощение произошло. Наступает шеренга солдат, поворот - застывшие в немом ужасе крестьяне с решимостью бороться до последнего не на жизнь, а на смерть. Наступление, отступление и снова наступление. Само восстание обречено, это даже сложно назвать восстанием или бунтом, слишком грозный смысл вложен в эти слова. Отряд крестьян, орудующий на дороге и руководствующийся только им известными понятиями о справедливости. Между Дубровским и его крестьянами всегда будет лежать социальная пропасть. Барин и крепостные - и этим все сказано.
Спектакль смотрится на одном дыхании, да и сами актеры не играют, а живут на сцене. Он созвучен спектаклю «Сказки русского бунта», как бы является продолжением темы анализа Пушкиным русской истории. Можно долго объясняться в любви и преданности этому театру. Все это можно прочитать в восторженных глазах зрителей после спектакля. Поздравляем всех с заслуженным успехом. Низкий поклон художественному руководителю театра В. Рецептеру. Он воспитал прекрасных, талантливых, думающих, профессиональных актеров, способных воплощать замысел такого требовательного режиссёра как Г. Тростянецкий и не только воплощать, но и самим участвовать в создании спектакля.

Вайтенс И.

ГИЛЬГАМЕШ В УЧЕБНОМ ТЕАТРЕ НА МОХОВОЙ

Спектакль «Гильгамеш» (СПБГАТИ, курс А. Я. Стависского) за высокий уровень художественного отображения эпоса о Гильгамеше средствами музыки, акробатики и сценического движения

   Прошел почти год со дня премьеры в Учебном театре на Моховой спектакля «Гильгамеш», а интерес к нему у публики по-прежнему велик. Спектакль растет, развивается и с каждым разом становится все более и более выразительным. Чем же так сильно привлекает эта студенческая работа? Во-первых, интригует сама фигура главного героя, жившего в давние времена и прославившегося своими героическими поступками. Во-вторых, покоряет искренностью самозабвенная игра исполнителей - учеников мастерской Александра Стависского, занимающихся на факультете театра кукол.
Подзаголовок названия спектакля поясняет, что это «Сценическая фантазия по мотивам древнешумерского эпоса «О все видавшем». Речь идет об исторической личности, Гильгамеше, правившем в шумерском городеУрук в середине III тысячелетия до н.э. Эпос, впитавший в себя черты и дух той легендарной эпохи, дошел до нас в виде глиняных таблиц, на которых изложены перипетии жизни этого человека. В основе сюжета - конфликт между жителями Урука и Гильгамешем. Могучий Гильгамеш, который «на 2/3 - бог, на 1/3 - человек», «буйствуя плотью», невольно вступает в противостояние со своими подданными, не давая им покоя ни днем, ни ночью, нарушая все устои нормального человеческого су­ществования. Идя навстречу мольбам жителей ус­мирить своего неистового правителя, богиня-мать Аруру «отщипнула глины, бросила на землю, слепила Энкиду», соперника Гильгамеша - полузверя, получеловека, обладающего огромной физической силой. Но обстоятельства складываются так, что вместо того, чтобы превратиться в противников, эти двое стали настоящими друзьями и, далее, объединившись, они вознамерились выступить против стража кедровых лесов в горах Ливана, чудовища по имени Хумбаба, освободив, таким образом, мир от всего злого. Хумбаба убит, но в наказание за это, по воле богов, Энкиду заболевает и умирает.
Оплакивая потерю товарища и будучи не в состоянии смириться с мыслью о неотвратимости смерти, Гильгамеш стремится достичь загробного мира, чтобы там узнать, наконец, мучавшую его тайну конечности жизни. «Гильгамеш об Энкиду, своем друге, горько плачет и бежит в пустыню» со словами: «и я не так ли умру, как Энкиду? Тоска в утробу мою проникла. Смерти страшусь». Ему приходится преодолеть трудный путь, полный приключений и преград. Про­бившись через все препятствия, он достигает цели и получает ответ, «что даны ему, смертному, пределы, боги смерть и жизнь ему определили, не поведали смертного часа, а поведали: жить живому!». Гильгамеш осознает тщетность поис­ков бессмертия и возвращается на родину.
Непростая задача сценарного воплощения древнего сказания стала возможной для студентов мастерской Александра Стависского благодаря использованию столь же древних способов сценического выражения как танец, пение, ритм, пластика. И этот художественный арсенал будущие артисты используют мастерски, образно представляя не только внешнюю канву событий в жизни Гильгамеша, но и, одновременно, раскрывая внутреннее состояние героя втрудныемоменты его жизни. Здесь и боль за умершего Энкиду, отчаяние от невозможности что-либо изменить, страх перед неизбежным жизненным финалом.
Оформление спектакля самое простое. Лаконичные мизансцены позволяют перестроить воображе­ние и мысленно представить смену места действия, будь то родной Урук, лес, или загробный мир. В то же время, открытое пространство амфитеатра превращает зрителей непосредственно в свидетелей происходящего, призывая их не оставаться безучастными, что, собственно, и происходит на протяжении всего спектакля. В центре, над сценой - площадка, на которой располагается небольшое звено музыкального сопровождения, являющееся неотъемлемой частью представления и важным связующим элементом между исполнителем и зрителем. На протяжении всего спектакля, по ходу действия сюжета, под аккомпанемент ярких эмоциональных ритмов, звучат вокальные декламируемые строки эпоса. Таким обра­зом, зрителю необходимо не только следить за происходящим, но и внимательно при этом слушать текст.
В обрисовке внешнего облика героев присутствует трогательная наивная непосредственность, которая в контексте всего спектакля, наполненного различными фантастическими образами, воспринимается вполне естественно. Не претендующие на историческую достоверность одежды легко вписываются в общую концепцию постановки, воспринимаясь как характерные и типичные для того условно далекого времени, рисуемого в нашем подсознании.
Спектакль получился цельным, динамичным и увлекательным действом, лишенным штампов и стереотипов. За полтора часа этой феерической фантазии успеваешь полюбить главного героя за его мужество и бесстрашие, за упорство в достижении намеченной цели, за способность понять и принять реальность. Да, жизнь конечна, но сменяются поколения, а память о великом прошлом остается в веках. Так и до нас дошла память о бесстрашном и славном Гильгамеше.

Хайруллина З.

Театральные встречи в 2013 году. Российская Национальная Библиотека

   Театральные встречи в этом сезоне как всегда были разнообразны и интересны. Начался наш театральный сезон со встречи с Адольфом Яковлевичем Шапиро (художественным руководителем театральных проектов ТЮЗа им. А. А. Брянцева, лауреатом премии Москвы по литературе и искусству, лауреатом премии им. Станиславского и многих других). Застать его в Петербурге не так просто: он ставит спектакли на разных континентах, в разных странах - от Бразилии до Китая, тем не менее, он нашел время для встречи с питерскими театралами. Разговор с Адольфом Яковлевичем интересен еще и тем, что он может сравнивать театральный процесс и течения театральной жизни в современных традиционных и модернистских театрах, говорить о разных актерских системах, о разных режиссерских позициях и подходах к драматургическому материалу, о разных принципах его выбора.
Работает режиссер в театрах Латвии (Рижский молодежный театр), Эстонии, Москвы, Санкт- Петербурга, его постановки идут в театрах Франции, Польши и др. Это далеко не полное перечисление стран и городов, где работает Адольф Яковлевич, говорит о его невероятной востребованности и феноменальной работоспособности. Литературные пристрастия режиссера - это классика: В.Шекспир, А. П. Чехов. А. Н. Островский, а также современная драматургия - Б.Брехт. И.Бродский, Б.Васильев и др. Последняя постановка в ТЮЗе - «Король Лир» с
С.         Дрейденом в главной роли. Необычный спектакль, необычный король Лир. Мы с нетерпением ждем новых постановок А Я. Шапиро в нашем городе.
Совершенно иной по характеру и жанру была встреча с актрисой театра «Балтийский Дом» Ната­льей Парашкиной. После окончания Театральной Академии (класс профессора Петрова) она работа­ла в разных театрах. Но родным для нее стал «Бал­тийский Дом». В этом театре она сыграла в таких интересных спектаклях как «Женитьба Белугина», «Плоды просвещения», «Москва-Петушки». Актриса молода, полна сил, поэтому мы еще не раз увидим ее нестандартную, запоминающуюся игру в других постановках.
Пожалуй, полное единодушие и приятие высказали театралы о встрече с Сергеем Стадлером. Встреча прошла в форме активного диалога со зрителями, так как Сергей был открыт для беседы, не уходил от острых вопросов. Очень интересно было услышать мнение профессионала о состоянии, уровне и ка­честве дирижерского искусства не только в Петербурге, но и за рубежом. Общей бедой и недостатком, считает он, является то, что сегодня мало молодых дирижеров. Заинтересованно все слушали и рассказ об истории Венского филармонического оркестра, его более чем 150-летней творческой жизни.
С.Стадлер говорил о причинах снижения интереса к классической музыке, проникновении бизнеса и шоу в эту область, что для нее просто противопоказано.
Был еще один гость из музыкального мира - режиссер театра «Зазеркалье» Василий Заржецкий. Встреча была живой, яркой, так как в характере самого Василия чувствуется неуспокоенность, веселость, стремление к нестандартным поворотам в собственной творческой жизни. Всех интересовало, почему режиссер музыкального театра поставил, и с успехом, драматические спектакли «Пьер Ки­риллович», «На-та-ша», «Андрюша» (по роману Л. Н. Толстого «Война и мир»). А все объяснилось тем, что Василий имеет еще и филологическое образование. Это позволило ему обратиться к глубокой, сложной прозе Толстого. «Снегурочка» Римского-Корсакова, поставленная В. Заржецким в родном театре получила в этом году три «Золотых Софита» (О. Васильева за партию Снегурочки, С. Граурогкайте за костюмы и Левданский за сценографию спектакля).
Уже не первый раз гостем нашего клуба был Ген­надий Рафаилович Тростянецкий. Встречи с ним всегда носят активный, живой, я бы даже сказала творческий характер. Он сам воодушевленно гово­рит о своих постановках, планах, замыслах и этим вдохновляет и нас. На этот раз Геннадий Рафаилович подробно рассказал о постановке «Дубровского» в театре «Пушкинская школа».
Геннадий Рафаилович говорил и о современном театре и таком заметном явлении, как поиски новых средств выразительности в театре. Если мы не всегда сразу принимаем и понимаем их, то надо подумать его и увидеть смысл в этих поисках. Эти новые проявления и поиски убеждают нас в том, сказал режиссер, что театр развивается и в этом заключается привлекательность.                                                                                                                        Ушакова Н.

ВСТРЕЧА В МУЗЕЕ АХМАТОВОЙ

   Существует (пока) такое понятие: Петербургские интеллигенты. К сегодняш­ним, безусловно, принадлежат актриса Марина Солопченко и театральный художник Эмиль Капелюш. В них сочетаются серьезное отношение к профессии, образованность, ответственность, высокий профессионализм и нравственные человеческие качества. Их работы нельзя пропускать. С ними всегда интересно общаться.
В октябре в музее А.Ахматовой прошла творческая встреча членов общества «Театрал» с М. Солопченко. Актриса прочла отрывки из произведений А.С. Пушкина «Роман в письмах» и «Евгений Онегин», монолог Турандот из спектакля «Pro Турандот» на итальянском и русском языках, несколько эссе-зарисовок Тонино Гуэрры, которые не вошли в спектакль «Пальвероне». Мы погрузились в мир подлинной поэзии, тончайших оттенков чувств: полутона, намеки, минимум жестов..., все будто нарисовано акварелью. Эта встреча гармонично вписалась в маленький зал музея, где даже стены пропитаны поэзией.
М. Солопченко играет в нескольких спектаклях, поставленных замечательным режиссером Яной Туминой. Помню, как актриса Т. Калашникова, игравшая в ее спектакле «Солесомбра», назвала Яну «хрустальным» режиссером. Это очень точно. Кажется, что ее спектакли «звенят», как хрустальные колокольчики, они всегда очень нежные и хрупкие, обращаться с ними надо осторожно, иначе разобьешь. (Так и с человеческими судьбами. Хорошо чтобы это понимали наши чиновники от культуры). Вечер-встреча с М. Солопченко получился очень теплым, душевным, семейным не только потому, что в зале присутствовала почти вся семья Марины и их друзья, но и мы, зрители, чувствовали себя тоже одной семьей. Такие встречи и такие актеры - не столь уж частое явление, поэтому нужно ими особенно дорожить.

Платонова Т.

Творческая встреча в музее Анны Ахматовой с артистом театра комедии им. Н. П. Акимова БОРИСОМ УЛИТИНЫМ

   Борис Александрович Улитин пришел в театр Комедии ещё при Акимове. Это хоть небольшой (по времени), но очень значительный этап в его творческой жизни. Наверное, именно поэтому Борис Александрович так много рассказывал именно об этом периоде, в частности, о спектакле «Дон Жуан», где он играл и Дон Жуана в очередь с Г. Воропаевым и ведущего - с Л. Колесовым.
Я тоже хорошо помню это время и спектакли «Пёстрые рассказы», «Двенадцатая ночь», «Тень», «Звонок в пустую квартиру» т.д., где играли замечательные Акимовские актеры (Е. Юнгер, Е. Уварова, А. Бениаминов, А. Савостьянов, И. Зарубина, В. Усков и др.) и совсем молодой Б. Улитин, который не потерялся среди тогдашних корифеев.
Улитин учился и начал работать в театре в то время, когда очень многие артисты занимались художествен­ным чтением. Еще частыми были вечера поэзии в Малом зале Филармонии, живы были традиции В. Яхонтова, многие молодые актеры осваивали этот жанр и жанр моноспектаклей (В. Рецептер, В. Харитонов и др.), проводились специальные конкурсы.
Борис Улитин тоже замечательно читал стихи. До сих пор помню его вечер в Доме Актера, посвященный А. Блоку. Как оказалось, он это делает прекрасно и сейчас. На нашей встрече он читал своё любимое, то, что легло когда-то на сердце. Читал А. Пушкина, М. Лермонтова, В. Шефнера, Н. Коржавина, Н. Заболоцкого, А. Твардовского и др.
Читал очень хорошо, донесено было каждое слово, каждый смысл; прекрасно поставлен голос (видимо, сказывается старая школа, педагогом его была знаменитая Е. Тимме). Все мы получили подлинное наслаждение от вечера.
И как-то особенно ёмко и точно звучали стихи в зале музея Анны Ахматовой.

Платонова Т.

У НАС В ГОСТЯХ - СЕРГЕЙ СТАДЛЕР

   В нашем «Клубе творческих встреч» был очень интересный гость - скрипач, дирижер, народный артист России Сергей Валентинович Стадлер.
Из разговора с ним мы узнали, что с пяти лет он начал заниматься на рояле со своей матерью - пианисткой Маргаритой Панковой, а затем на скрипке с отцом - альтистом академического симфонического оркестра Санкт-Петербургской филармонии Валентином Стадлером. С. Стадлер экстерном, за 3,5 года, с формулировкой «в виде исключения» закончил Петербургскую консерваторию, а затем московскую Аспирантуру. Участник 4-х Международных конкурсов. Преподавал в петербургской и московской консерваториях. Играл много концертов и продолжает эту деятельность. Живет (по его выражению) в двух мирах, в двух профессиях: скрипач и дирижер. Слушать Сергея Стадлера было очень интересно. На все наши вопросы он отвечал с глубоким знанием дела, очень подробно и с юмором. Вопрос из зала: «Почему в последнее время многие скрипачи и пианисты становятся дирижерами?» Дирижерская профессия возникла в середине 19 века, когда композиторы, такие как Малер, Брук­нер стали писать музыку, которая не могла быть исполнена самостоятельно, без дирижера. В 19 веке было 3 великих дирижера и композитора одновременно: Малер, Рихард Штраус, Рахманинов. Постепенно композиторское искусство стало уходить на «нет». В 20 веке умерли Шостакович, Стравинский, Мессиан, и сейчас нет ни одного из живущих композиторов, которых можно поставить в их ряд. В 20 веке композиторское искусство стало резко отходить от дирижерского. Блистали Мравинский, Караян, Светланов. Но, т.к. образовавшийся вакуум должен быть заполнен, у дирижерских пультов встали разные исполнители, порой мало что умеющие делать, но это видят только артисты оркестра. Постепенно музыка стала большим бизнесом, оркестровая игра в мире в целом «опускается». Но есть оркестры - «бренды», которые не хотят опускаться: например, оркестр Венской филармонии, Берлинской филармонии, Баварского радио. Там работают настоящие большие дирижеры, но им, к сожалению, всем за 70. Отвечая на вопросы, Сергей Валентинович расска­зал о механизме написания музыки (композиторы не пишут сегодня музыку, а набирают на компьютерах), о своих предпочтениях как дирижера и скрипача. Была названа «золотая восьмерка» любимых композиторов: Паганини, Бетховен, Брамс, Сибелиус, Эдгар, Чайковский, Шостакович, Бах. Из современных: Канчели, Александр Чайковский, Корчмар, Кнайфель, Тищенко, Слонимский, Щедрин.
Речь зашла об аутеничном исполнительстве - максимально точном воссоздании звучания музыки прошлого. Это - сложная для рядового слушателя тема, но Сергею Валентиновичу удалось «разжевать» ее нам, как студентам консерватории. Вопрос театралов о З-х скрипках, на которых играл наш гость в одном из концертов: К 120-летию со дня смерти П. И. Чайковского состоялся концерт, на котором были сыграны все сочинения Чайковского для скрипки с оркестром. Я играл в этот вечер на трех скрипках: Страдивари Винявского, Страдивари Юсупова и на трофейном инструменте №462, привезенном маршалом Жуковым из Берлина в мае 1945 года (на этой скрипке 16 лет играл Ойстрах и 6 лет - Стадлер). На «больной» вопрос о современной режиссуре в опере, С. Стадлер подробно рассказал, как возникают немыслимые, эпатажные постановки: опера - дорогостоящее производство, мало интересующее публику. Этим производством руководят, как правило, малоталантливые режиссеры. Рождаются некрасивые спектакли. Много интересных тем было затронуто: о девальвации конкурсов, об операх в концертном исполнении, даже об устройстве Венского филармонического оркестра. Это была замечательная встреча. Я подумала: «Со Стадлером, наверное, всегда интересно».