Работа жюри

архив сезон 2011-2012

4 марта 2013 года состоялось вручение Призов
Санкт-Петербургского Общества зрителей “Театрал“
следующим лауреатам:

Большой драматический театр им. Г.А.Товстоногова
Спектакль “Метод Гронхольма” (реж. Т. Чхеидзе)

Александринский театр Спектакль «ЛИТУРГИЯ ZERO» (реж. В. Фокин)

Театр-Фестиваль “Балтийский дом Спектакль «Зеленый шатер» (реж. Т. Бубень)

Большой театр кукол Спектакль «Пальвероне» (реж. Я. Тумина)

Театральная компания «Открытое пространство» Спектакль «Любка» (реж. И. Латышев)

Мариинский театр Спектакль “Дон Кихот” (реж. Я. Коккос)

Детский музыкальный театр «Зазеркалье» Спектакль «так Поступают все...» (реж. А. Петров)

Вокальный квинтет «АКВАреЛь» Спектакль-концерт «Любовь, мечты и дюжина романсов»
(реж. С. Копрова)

Театр «За черной речкой» режиссер Иван Стависский за постановку спектакля «Наука любви»

Михайловский театр хореограф Начо Дуато
за постановку балета «Многогранность. Форма тишины и пустоты»

Малый Драматический Театр – Театр европы
Художник Александр Боровский
за сценографию и костюмы к спектаклю «Коварство и любовь»

Детский музыкальный театр «Зазеркалье» Художник-постановщик Елена Орлова

СПГАТИ, учебный театр курс Сергея Бызгу

БДТ им. Г.А. Товстоногова Трио актрис – исполнительниц ролей Ариадны, Евдокии и Гликерии
– Т. А. Бедова, И.Л. Соколова, Е. Д. Толубеева в спектакле «Время женщин»

Мариинский театр Солист оперы Евгений Уланов за исполнение роли Голо в спектакле
«Пеллеас и Мелизанда»

Театр «Мастерская» Актер Николай Куглянт за исполнение роли КОТЭ
и работу балетмейстера-репетитора в спектакле «наш Авлабар»

Театр «Пушкинская школа» Актриса Анна–Магда Обершт
за исполнение роли Простаковой в спектакле «Недоросль»

Драматический театр на Васильевском Актер Арсений Мыцык
за исполнение роли Карандышева в спектакле «Бесприданница»

Молодежный театр на Фонтанке Актер Юрий Сташин
за исполнение главной роли в спектакле «АБАНАМАТ»

Театр Юных Зрителей Актер Илья Дель за роль
Леньки Пантелеева в спектакле «Ленька Пантелеев»

Мои впечатления

   Приход весны знаменует для нашего Общества торжественное вручение Призов общества «Театрал». нынешняя церемония – тринадцатая по счету. Но это мистическое число подарило нам, театралам,
прекрасный вечер, необыкновенно теплый, поэтичный, гармоничный.
   Прологом к нему прозвучала песня Б. Окуджавы: «Давайте говорить друг другу комплименты…» в исполнении студентов курса С. Д. Брызгу. Кстати, спектакль «на любовь свое сердце настрою» получил наш Приз. не все номинанты смогли присутствовать на церемонии, но их выручили коллеги.
   Работа жюри сказалась и в том, насколько правильно и удачно были отобраны актеры, режиссеры и спектакли для получения нашего Приза.
   В этом году заветную статуэтку получил иностранец-хореограф Начо Дуато. Было заметно,
как при этом он был взволнован и польщен. Солист Мариинского театра Е. Уланов сказал, что это его
первая награда. По моим наблюдениям, Приз, полученный от театралов, – это пролог для получения
более высоких наград.
   В ответном слове все награжденные искренне благодарили и дарили нам свои выступления.
   Блистательно исполнили арии из опер солисты Мариинского театра Е. Уланов, Т. Кравцова
и солистка театра «Зазеркалье» Л. Шихова.
   Многие из нас впервые увидели и услышали квинтет «Акварель». Их пение, декламация, движения за-ворожили зрителей. Проникновенное выступление Главного режиссера БДТ имени Г. А. Товстоногова Т. Н. Чхеидзе еще раз напомнило нам всем о роли театра и актера в жизни человека. Номинанты говорили о том, как надо ценить каждый миг жизни. Мы, театралы, это хорошо знаем, когда общаемся с творческими личностями, когда смотрим спектакли, которые будоражат душу, заставляя ее работать. В этот вечер мы слышали много стихов. Режиссер И. Стависский прочитал целую поэму Джона Китса. Всех поразила концертмейстер Мариинского театра Л. Габитова, прочитавшая свои стихи об Океане – стихи философские, экспрессивные, необычные.
   В заключение Л. П. Мозговой прочитал стихотворение Б. Окуджавы, обращенное к Б. Ахмадуллиной,
строки о человеческом достоинстве. Это был великолепный финал. Вечер был пронизан культурой,
достойной нашего города. Он показал, что молодежь следует традициям, которые передают им педагоги и коллеги. Актер Л. П. Мозговой являет собой образец интеллектуала, олицетворяет духовность, которой подчас не хватает в нашей жизни.
   Приглашение и согласие его на роль ведущего – большая удача. Хочется по-благодарить всех участников и организаторов этого вечера. Театралы, с которыми мне удалось обменяться мнениями, были единодушны, что наш вечер удался и надолго запомнится. Это тот случай, когда зрители и творцы в едином порыве во славу театра искренне желали, чтобы создатели спектаклей искали новые пути, но не забывали того, что нам оставили предыдущие поколения.

В. В. Демидова

ОКЕАН

Он пришёл ниоткуда, он ушёл никуда…
Он пришёл отовсюду-- бесконечна вода…
Из блестящей росы, превратившись в туман,
Из солёной слезы, не простившей обман…
Он -- река, что нас учит не спеша наблюдать:
Всё когда-нибудь снова повторится опять…
И немолкнущий рокот молодого ручья,
Заунывная песня проливного дождя..
Он закружится снегом, настилая покров
И покажет долину нескончаемых льдов…
Как же важно понять этот круговорот
И постичь, что таится под покровами вод!
Глубочайших ущелий, высочайших гор
неразрывен большой вековой договор…
Он хранит столкновенья, вод горячих шипенье,
Быстротечность теченья и волны устремленье,
Водопадов томленье и земли сотрясенье,
Всё, что словом одним назовём: Сотворенье.
Он всё видит, всё слышит... Он везде и всегда.
не пришёл ниоткуда. не ушёл никуда…
Он един своим кругом, бесконечностью дан…
Человечество то же, что седой океан.

Л. Габитова

Балет как форма тишины и пустоты

   Хореограф Начо Дуато за многогранность таланта, показавшего чудо создания гениальной музыки И.С. Баха языком пластики (спектакль «Формы тишины и пустоты», Михайловский театр).
Это заглавие вовсе не шутка. Тишина и пустота в области балета, где, как известно, мы должны быть «впереди планеты всей», в прошедшем году не была бы реализована полностью, если бы не подарок – волею судеб прибившегося к нашим берегам «испанского феномена», как его называют балетные критики, и уже за-служившего всяческие «софиты» – Начо Дуато. Его балет в двух частях называется «Многогранность. Формы тишины и пустоты», но пустотой совсем не отличается. Он посвящен Иоганну Себастьяну Баху и был постав-лен в 1999 году на его музыку в театре города Веймара, где Бах жил и работал несколько лет, но шел всегда под запись его музыки. В Михайловском театре впервые в своей истории балет исполняется в сопровождении оркестра. Начинается балет с сольного танца самого Начо Дуато, в котором он просит у композитора разрешения танце-вать его музыку и просит прощения за такую дерзость. Конкретного сюжета у балета нет, но его герои – величие творца, вдохновение, Муза, музыка, одиночество, борьба со злом и смертью. Бах в белом парике на прекрасном инструменте – теле танцующей девушки – исполняет свою виолончельную прелюдию, и эта гибкая, тающая фигура возлюбленной Музы присутствует на сцене в течение всего спектакля. но вот фурией влетает на сцену женщина в маске и черном платье. То она, прикрывшись кринолином и галантными манерами, становится женой Баха, то воплощает всяческое зло вплоть до Смерти, и композитору приходится постоянно защищать от нее свою любимую музыку. В первой части балета Многогранность» звучит светская, часто танцевальная музыка Баха, его концерты и оркестровые сюиты, воплощение светлых радостей детства и чистого наслаждения музыкой и танцем. Во второй части основа музыки – его органные произведения, поднимающие в душе сомнения, горести, страх смерти. Все исполнители выше всяких похвал: Марат Шемиунов – Бах, Сабина Яппарова – скрипка, Муза; Татьяна Мильцева – маска, жена, Смерть. Обидно только, что балет очень редко появляется в афише театра. Заслуживают упоминания и декорации к спектаклю, которые по проекту самого хореографа создал иракский архитектор Чалаби. Это нотный стан во второй части балета, из которого вырастает «лестница в небо» для Баха в конце спектакля. Композитор умер, черная Смерть исчезает со сцены, и на конструкции нотного стана танцовщики – его ноты, его сочинения – продол-жают жить, воплощая гармонию и соразмерность его творчества. Языком пластики в балете показано чудо создания гениальной музыки, за что огромное спасибо и наш Приз таланту хореографа. Балет, как форма истинной гармонии, жив и будет жить.

О.Ф. Киреенко

Опера «дон Кихот»

   Спектакль Мариинского театра «Дон Кихот» (опера Ж. Масснэ, режиссер и художник Я. Коккос, дирижер и музыкальный руководитель В. Гергиев) за зрелищную стильную постановку, роскошное звучание оркестра и точное воплощение образов всем составом певцов. «Дон Кихот» – опера? Так спрашивали все мои знакомые, зная, что я иду в Мариинский театр. Все мы привыкли к великолепному балету Минкуса, искрометному и яркому, с большим количеством массовых сцен и совсем скромному участию самого Дон Кихота. Премьера в Мариинском театре – одноименная опера Массне в постановке Янниса Коккоса, несколько сместившего акценты балета: главный герой – Дон Кихот, а Дульсинея – настоящая красавица. Открывается занавес, и перед нами заполненная праздничной, нарядной и шумной толпой площадь. Прекрасная Дульсинея окружена толпой вздыхателей. Веселая музыка, нарядные одежды создают атмосферу беспечности. И как контрастно появление Дон Кихота со своим оруженосцем Санчо Панса! Чего только стоят россинант и осел на колесиках! насмешками встречает толпа их появление. Дон Кихот в исполнении Аскара Абдразакова внешне очень похож на многочисленные иллюстрации одноименного романа Сервантеса: та же сухощавость, благородное лицо, костюм испанского идальго: металлические панцирь, шлем и огромная шпага. Его походка выдает возраст – несколько замедленная и не совсем твердая. Даже голос, слегка суховатый и лишенный ярких тонов, отлично до-полняет общий облик далеко не молодого рыцаря. Однако, это не мешает ему храбро защищать немощных женщин и сирот во время праздничного веселья, щедро раздавать деньги нищим и кале-кам, воспевать Прекрасную даму. Влюбленный Дон Кихот поет серенаду прекрасной Дульсинее. Одни из ее вздыхателей вызывает рыцаря на дуэль. Взмахом веера Дульсинея останавливает поеди-нок. В исполнении екатерины Сергеевой Дульсинея довольно легкомысленная, но, в общем-то,
добрая красавица, купающаяся во всеобщем обожании, не испытавшая в жизни настоящей любви. Благодаря прекрасным вокальным, актерским и внешним данным Е.Сергеевой, её Дульсинея – обворожительна. Она при-выкла к всеобщему поклонению и избалована роем поклонников, но все они не могут разбудить в ней подлинное чувство. Она надеется, что встреча с настоящим рыцарем наконец-то разбудит её сердце но при встрече с настоя-щим рыцарем – Дон Кихотом – она в насмешку на его уверения о готовности служить ей, ставит условие: вернуть похищенное разбойниками ожерелье. Рыцарь со своим верным ору-женосцем отправляются в путь. В предрассветной дымке виднеются огромные лопасти ветряных мельниц. Великолепен пейзаж поляны и чуть дрожащий воздух предутренней мглы. Кратковременная схватка с неравными про-тивниками – Дон Кихотом и великанами (ветряными мельницами). Санчо Панса с трудом останавливает битву. Дон Кихот и Санчо Панса продолжают путь и останавливаются на привал в небольшом ущелье, где и встречаются с разбойника-ми. Рыцарь бесстрашно вступает с многочисленными разбойниками в схватку, он побежден и связан. Но его бесстрашие, красноречие и «предсмертная» молитва доходят до затвердевших сердец разбойников, они отпускают его на свободу и возвращают ожерелье. И вновь праздник в саду Дульсинеи. Яркие краски и всеобщее веселье. Появившиеся путешественники встречаются насмешливыми возгласами. Дон Кихот возвращает Дульсинее ожерелье и просит стать его женой. но Дульсинея понимает, что и встреча с настоящим рыцарем не трогает её сердце. Видя отчаяние Дон Кихота, она утешает его, говоря, что такую нежную привязанность не испытывала ни к кому, но выйти за него она не имеет права, т.к. не любит. Санчо Панса уводит убитого горем хозяина. И вот заключительная сцена. Мрачное скалистое ущелье. Прислонившись к огромному камню, отдыхает Дон Кихот, чувствуя, что земной путь его завершен. Он прощается со своим слугой, награждая его островом – островом мечты, и с мыслями о Дульсинее умирает. Санчо Пансо безутешен. В роли Санчо Панса Андрей Серов как всегда колоритен и неподражаем. Это полная противоположность Хозяина: он полон сил, энергии, реально воспринимает жизненные перипетии, но искренне предан Дон Кихоту и готов защищать его от всех недоброжелателей. Внешность Андрея Серова, густой красивый бас и отточенное чувство юмора уже давно снискали симпатии зрителей. Дирижер Кристиан Кнапп очень бережно относится к солистам, и тонко оттеняет их вокальные достоинства. Декорации выполнены в классической манере, что очень украшает оперу. Красив ансамбль солистов Академии молодых оперных певцов ариинского театра. Как мне показалось, основная мысль постановки – у человека должна быть мечта, пусть даже и неосуществимая. А благородство и искренность пробуждают добрые чувства даже в самых закоренелых сердцах.

В.Н. Тамбовцев

Дон Кихот Мариинский

   Когда говорят о театральной постановке «Дон Кихота», то большинство подумает о балете Людвига
Минкуса. И лишь немногие вспомнят об опере Жюля Массне. Во многом благодаря тому, что Федор Шаляпин в ней в последний раз вышел на сцену. Всего же герою из бедной испанской провинции Ламанча посвящено более десяти балетов и несколько опер. Даже рихард Штраус создал свою симфоническую версию. Не каждый оперный театр может похвастаться тем, что в его репертуаре есть произведение Массне, и это не из-за его сложности, а из-за того, что после первого исполнителя главной партии Шаляпина предъявляются повышенные требованию следующим образам Дон Кихота. А ведь имеет значение не только вокал, но и все прочтение образа. Дон Кихот у Коккоса похож на знакомый нам образ с гравюр Г. Доре. Это длинная фигура с узкой бородкой, напоминающая святого в окружающем его грешном мире, ввергнутый в постоянный конфликт. на контрасте приземленный грубоватый Санчо Панса, не забывающий о своих интересах, но также не выглядящий комично. Что запоминается из сценографии: огромный фолиант; неизменные ветряные мельницы; механический, едва-ли не падающий от голода росинант, буквально сошедшие со страниц книг Дон Кихот и Санчо Панса. Повезло тем, кто услышал Ф. Фурланетто в роли Дон Кихота, мне же пришлось довольствоваться другим исполнителем (Аскар Абдразаков). И надо отметить, что он меня не разочаровал. Андрей Серов в роли Санчо Панса стал нисколько не хуже по сравнению с его концертным исполнением этой оперы. Солисты Академии молодых певцов при Мариинском театре держались на сцене уверенно и органично. Странновато выглядела огромная фигура Дульсинеи на ходулях под платьем, и было непонятно, зачем понадобился режиссеру этот «ходульный образ». Вряд ли кто-то проник в тайну режиссерского замысла. если она и была. Образ Прекрасной Дульсинеи (екатерина Сергеева) смотрелся значительно бледнее по сравнению с рыцарем и его оруженосцем. Не ирония, не пародия, а малопонятная загадка. В целом же опера поставлена достаточно просто, без применения спецэффектов и чудес современной техники: механический росинант и ослик не выглядят искусственными, а больше похожи на вовремя появляющиеся персонажи детских мультфильмов. Обаятельный безумец, возвышенный идеалист Дон Кихот, живущий в своем иллюзорном мире, но никогда не бывающий смешным, мы можем только ему сопереживать. Особенно хорош «рыцарь печального образа» в последнем акте, герой весь проникнут трагизмом, нет ни ноты фальши в его страданиях. Несуетливый, полный достоинства рыцарь и его верный хитроватый оруженосец прошли по сцене Мариинского театра, завоевав зрительские сердца и напомнив всем нам о том, что мир нуждается в странных людях, без которых он стал бы блеклым и задавленным прозой повседневности. И только безумцы превращают ее в поэзию возвышенных устремлений, которую иногда способны высоко оценить наблюдающие за ними обитатели городских квартир.

Я. Ширяева

НАСЛАЖДЕНИЕ ДЛЯ МЕЛОМАНОВ

   Пару лет назад в концертном зале Мариинского театра было представлено концертное исполнение оперы Ж.Массне «Дон Кихот» с тем же составом, что и на премьерном спектакле в декабре 2012 года (Дон Кихот – Ф. Фурланетто, Санчо Панса – А. Серов, Дульсинея – А. Кикнадзе). Зачастую концертное исполнение бывает инте-реснее сценической версии, а это было – блестящим и в вокальном, и в актерском отношении. Но вот счастливый случай – режиссер и художник Яннис Коккос поставил интересный, стильный, зрелищный спектакль. Главным героем сценографии стала огромная книга – вечная книга о рыцаре печального образа, которую читали, читают и будут читать всегда. И герои как бы являются из этой книги, но при этом постановка не грешит иллюстративностью, все персонажи психологически достоверны. На занавесе, который разделяет отдельные картины оперы, – горы и облака, вершины и небо, обитель духа. Туда Дон Кихот стремится душой. Для меломанов эта опера – настоящее наслажде-ние: красивейшая музыка, великолепный оркестр, замечательные голоса. Чего ещё можно желать? Пара Дон Кихот – Санчо Панса (Ф.Фурланетто – А.Серов) выше всяких похвал, оба очень точно, разнообразно, глубоко проникли в свои образы. Смотреть на них и слушать их безумно интересно. Отдельная благодарность замечательному итальянскому басу за то, что он балует петербургскую публику своими выступлениями. Хороша и Анна Кикнадзе в роли Дульсинеи: гибкий, подвижный голос и незаурядный темперамент.

Т.С. Платонова

РАЗНОЛИКИЙ ЕВГЕНИЙ УЛАНОВ
олист Мариинского театраЕвгений Уланов за блестящее вокальное и актерское воплощение
противоречивого образа Голо в спектакле «Пеллеас и Мелизанда»
(опера К. Дебюсси, режиссер Д. Креймер)

   Евгения Уланова мы знаем давно, со времен его работы в театре «Санкт-Петербург Опера». За
прошедшие годы его голос окреп, обогатился новыми красками, выросло его актерское мастерство, что позволяет певцу участвовать в самом разном репертуаре. нельзя не отметить такие прекрасно исполненные партии, как веселый бесшабашный Папагено («Волшебная флейта»), обаятельный, остроумный, «легкий» Альмавива ( «Свадьба Фигаро»), грозный Доннер («Золото рейна»), обольстительный красавец Дон-Жуан («Дон-Жуан») и многие другие. Даже в самой маленькой роли, как, например, пан Муссялевич в «Братьях Карамазовых», уланов обращает на себя внимание и запоминается. И вот – роль Голо в одной из последних премьер 2012 года в Мариинском театре (опера К.Дебюсси «Пеллеас и Мелизанда»). Чтобы поговорить об этой роли, мы встретились с Евгением в театре. Сейчас существуют две версии исполнения этой оперы: концертная в концертном зале Мариинского театра и сценическая на его сцене, поставленная режиссером Даниэлом Креймером. Мне, как зрителю, оказался ближе концертный вариант. С вопроса об этом мы и начали наш разговор.
Е.У. Согласен, что концертный зал больше подходит для Дебюсси. В нем легче передавать самые
тонкие нюансы музыки. Слуша-тель может включить свое воображение, а на сцене тебе предлагается версия очень конкретная.
Т.П. Мне показалось, что в сценическом варианте Голо более жесткий, грубый, а в концертном
исполнении – более сомневающийся, страдающий.
Е.У. Пожалуй, это не зависит от того, где я пою. Я на одном спектакле – более жесткий, на другом –
более ранимый. Очень многое зависит от партнеров.
Т.П. А как шла работа над ролью?
Е.У. Когда мне предложили эту работу, я, не зная музыки, взял клавир и прочитал подстрочник. Музыка Дебюсси оказалась очень созвучна психологизму Метерлинка, ни одна нота не вызвала протеста, кажется, что это – «так» и не может быть по-другому. Я сразу согласился еще и потому, что тема оказалась для меня очень созвучной: там ведь все идет от любви. Все друг друга любят, но любовь может созидать, может и разрушать. Подошла мне роль и возрастно (если бы молодость знала, если бы старость могла..) и всеми душевными переживаниями моего героя. Сценическая версия, особенно сценография, не всем нравится. но режиссер – очень интересный, взаимоотношения героев продуманы очень глубоко. Мы работали очень много. Мне нравится, когда в спектакле все глубоко, по-настоящему, честно.
Т.П. А что было самым трудным?
Е.У. Оказалось, очень трудно петь на французском языке, хотя у меня есть некоторый опыт (например, партия Эскамильо), но здесь пришлось потрудиться. Перед каждым спектаклем идет серьезная подготовка. Но теперь уже легче, нет таких трудностей.
Т.П. Какие Ваши любимые партии?
Е.У. Я не берусь за партии, которые мне не нравятся. Получается, что все-любимые. Мы еще немного поговорили о «культурных» ассоциациях, которые вызвал спектакль (например, волосы Мелизанды и Авессалома и пр. ). Все-таки роль Голо – самая неоднозначная, противоречивая и сложная в спектакле. уланов ис-полняет ее по-разному, ищет ответы на свои вопросы, вызывает и у слушателя желание снова и снова возвращаться к этому произведению. А вот что рассказала о певце концертмейстер Мариинского театра Е. К. Матусовская: «Женя Уланов пришел ко мне в театр и поразил красотой голоса, тембра. Мы начали заниматься, а, чтобы ему можно было проникать в театр, устроили в миманс. Потом он поступил к Александрову, где проработал несколько лет,а, когда в Мариинском ставили Дон Жуана, его пригласили на главную роль. С тех пор мы занимаемся с ним и дружим. Он замечательный кулинар и очень домашний человек. В нем сочетается удивительный голос с большим актерским дарованием. Все роли продуманы, отточены и никогда не превращаются в штамп. За последние годы в театре он вырос как вокалист, и роль Голо подтверждает это. Трудное пение, французский язык и огромная драматическая роль. Мне кажется, он добился неплохих результатов». Евгений Уланов – очень востребованный певец. Он живет в бешеном темпе: участвует в разных фестивалях, гастролях, плотно занят в текущем репертуаре, готовит новые роли, перелетает из города в город, из страны в страну. Но ни разу не слышала я певца «не в форме», на него всегда интересно смотреть и всегда получаешь большое удовольствие от его прекрасного голоса.

Т.С. Платонова

CПЕКТАКЛЬ ВОКАЛЬНОГО КВИНТЕТА «АКВАРЕЛЬ»
«ЛЮБОВЬ, МЕЧТЫ И ДЮЖИНА РОМАНСОВ»
Спектакль «Любовь, мечты и дюжина романсов»за гармоничное сочетание
музыки и стихотворного текста и создание чистой поэтической атмосферы
(вокальный квинтет «акварель», режиссер С. Копрова)

   Женский вокальный квинтет «Акварель» существует уже более 5 лет. Многие из театралов его услышали впервые, и сразу попали под обая-ние красивых молодых голосов его участниц. Чувствуется, что девушки имеют хорошую вокальную школу: голоса звучат легко, чисто, сильно. Ансамбль исполняет все произ-ведения «а-capella», аранжировки делают сами. Судя по прессе, по географии поездок и выступлений, по многочисленным наградам, же-лать вроде бы больше нечего, однако, девушки решились на эксперимент: в их репертуаре появился спектакль – концерт «Любовь, мечты и дюжина романсов», поставлен-ный режиссером и актрисой театра «Зазеркалье» Снежиной Копровой. Идея соединить текст поэмы М. Лермонтова «Тамбовская казначейша» с рядом романсов русских композиторов оказалась плодотворной. Гармонично звучат музыка и речь, когда одно вытекает из другого, нет «провисаний» в канве спектакля, он смотрится на одном дыхании. В спектакле исполняется 12 романсов на музыку А. Гурилева, А. Даргомыжского, С. рахманино-ва, А. Петрова, н. Листова и других композиторов на стихи М. Лермонтова, П.Вяземского, Б.Ахмадулиной, Б.Окуджавы, М.Цветаевой... романсы то возникают по ходу сюжета, то оттеняют, дополняют переживания героев, то создают атмосферу про-винциального города и любовных томлений героини. Благодаря музыке и стихам, ми-лый анекдот, рассказанный Лер-монтовым, обрел более широкие пространственные и жанровые рамки. Спектакль не потребовал декораций, но все участницы были одеты в специально сшитые платья (художник Е. Лизогубова), стилизованные под женскую моду конца 19- начала 20 века. Актрисы не играли роли, они рассказывали поэму, становясь то участниками действия, то свидетелями, то комментаторами, а, главное, звучали живая музыка и речь. Совсем недавно Снежина Копрова поставила новую концертную программу с ансамблем «Акварель», посвященную 70-летию полного освобождения Ленинграда от вражеской блокады. Она названа строкой из стихотворения Ольги Берггольц «И помню все, и верю в наше счастье» и построена на сти-хах ленинградской поэтессы и музыке Д. Шостаковича, И. Дунаевского и М. Блантера. Если вы еще не слышали замечательный квинтет, в который входят Н. Морозова, А. Смирнова, А. Якобсон, А. Дарьянова, Ю. Ганьшина,
пожалуйста, обратите на него внимание, стремитесь увидеть и услышать.

Т.С. Платонова

ОХ УЖ ЭТИ ЖЕНЩИНЫ…
Спектакль театра «Зазеркалье» «Так поступают все. . .»
(опера В-аМоцарта, музыкальный руководитель и дирижер П. Бубельников, режиссер а. Петров)
за остроумную захватывающую дух постановку и великолепный ансамбль актеров-певцов
Художник Елена Орловаза прекрасное воплощение замысла режиссера
в стилевом и цветовом решении спектакля
(опера Моцарта «Так поступают все. . .» в театре «Зазеркалье», режиссер а. Петров)

   «Так поступают все женщины» – премьерный спектакль в театре «Зазеркалье». Театр детский музыкальный, но ставят в нем наряду с детскими и очень даже взрослые оперы. Моцарт, Моцарт! Яркой кометой пролетел он по музыкальному небосклону. Какое наслаждение получаем мы, слушая его чарующую музыку. Он писал, как дышал – светло и радостно, и ушел из жизни молодым, не познавшим мудрости и разочаро-вания старости. Оперы «Волшебная флейта», «Севильский цирюльник», «Свадьба Фигаро», «Дон Жуан», «Так поступают все» – гимн любви в раз-ном ее проявлении. Все его персонажи любят и страдают, борются за любовь и счастье, понимая, что это – та «синяя птица», которая всегда ускользает. Действие оперы «Так поступают все» из венецианского кафе перенесено в СПА-курорт, что создаёт дополнительную пикантность ситуации. Легкий бриз шевелит кисейные занавески, томно журчит вода в источнике, фривольные костюмы девушек и полуобнаженные кавалеры, расслабляющие процедуры – все это создаёт почву для любовных интриг. Сюжет оперы прост и незамысловат. Молодые люди решили проверить верность своих невест, а девушки так доверчивы и неналюдательны, что не узнали в переодетых пылких албанцах своих женихов и поддались на розыгрыш. Искренние в своем заблуждении сестры полностью отдаются своему новому чувству и забывают о своих женихах. но лучше не пересказывать сюжет; а идти в театр и смотреть, а, главное, слушать эту великолепную оперу. При простоте сюжета музыка сложна и многопланова. Благодаря чарующей музыке, выявляются характеры персонажей, они намного драматичнее и сложнее, чем кажутся на первый взгляд. Великолепные вокальные партии, дуэты, квинтеты, каватины и речитативы требуют от исполнителей не только мастерства, но и психологического проникновения в образ персонажа. Музыкальный руководитель театра – Павел Бубельников – приложил максимум усилий в работе с исполнителями и оркестром для сохранения чистоты музыкального текста. рядом с опытным профессионалом Сергеем романовым (Гульельмо) поют и молодые ученики художественного руководителя театра Александра Петрова: О. Шуршина (Фьерделиджи), Д. росицкая (Дорабелла), А. роварная Коломбина: помогает Дону
Альфонсо (Владимир Огнев) и активно участвует в розыгрыше, а потом, понимая, что девушки ломают
свои судьбы, с презрением бросает ему в лицо деньги. Характеры всех персонажей верны и детально проработаны певцами. Молодость, непосредственность, искренность и задор исполнителей находят отклик и сочувствие в зрительном зале. Кто в жизни не ошибался? Кто здесь в выигрыше? Для создания целостного, гармоничного спектакля огромное значение имеет работа художника и сценографа елены Орловой. Понять идею режиссёра, воплотить ее в зрительные образы; одеть персонажи в костюмы соответствующие эпохи, а главное через костюмы выразить их характер и внутренний мир – вот та сложная задача, которая стоит перед художником. Е. Орлова смогла справиться с этой непростой задачей. Весь колорит постановки выдержан в легких пастельных тонах, что гармонирует с музыкой Моцарта. Александр Петров, обладая прекрасным вкусом и великолепным чувством юмора, дал возможность «порезвиться» художнику. Албанцы оделись в роскошные, золотые маскарадные костюмы; на сцене закружились в менуэте пары в великолепных костюмах галантного века; по воде заскользили гондолы. Элементы буффонады присутствовали как в костюмах персонажей, так и в облике клиентов курорта. В довершение всех перипетий оперы по-валил снег, добавив фантасмагории в действие. Закончился курортный сезон, наступил финал оперы. Бравые моряки со своими невестами
поплыли в роскошной гондоле по бурному морю жизни. Театр «Зазеркалье» пришел к своему двадцатипятилетнему юбилею с прекрасными новыми спектаклями: «Золушка» россини, «Волшебная
флейта» и «Так поступают все» Моцарта, «Прекрасная елена» Оффенбаха. Замечательные спектакли идут на малой сцене. Театр не забывает и самых маленьких – для них поставлены добрые, мудрые спектакли. Трудно перечислить все удивительные работы творческого коллектива театра. Прекрасно работают воспитанники профессора СПГАТИ А. В. Петрова на сцене. Он смог воспитать в них серьезное, вдумчивое отношение к профессии. Выросли и повзрослели зрители и поклонники «Зазеркалья». На их смену пришли новые, юные, пытливые зрители. Театр научил их слушать и понимать музыку. Желаем театру долгих, славных лет, новых постановок и творческих удач! наше музыкальное наследие и фантазия режиссёра неисчерпаемы!

Вайтенс И. Б.

МУЗЫКАЛЬНЫЕ СПЕКТАКЛИ В УЧЕБНОМ ТЕАТРЕ
Курс СПб Театральной академии . Мастер курсаСергей Бызгуза серьезную,
вдумчивую работу педагогов и репетиторов, за постановку разноплановых спектаклей
(«Однажды в Оклахоме», «Панночка», «На любовь свое сердце настрою»)
и с надеждой на на успешное будущее нынешних студентов

   Кафедра эстрады и музыкального театра. Курс заслуженного артиста рФ С.Д. Бызгу. Не надо долго говорить о том, кем был Булат Окуджава для нас, чье детство и юность пришлись на 1960-е – 1970-е годы. Его песни знали и любили очень многие, причем каждому слушателю и читателю казалось, что эти услышанные или прочитанные строки именно про него. Строчки из песни Окуджавы «Возьмемся за руки, друзья, чтоб не пропасть поодиночке…» стали неофициальным гимном нашего поколения. А новые поколения? Говорит ли им имя Окуджавы столько же, сколько говорило нам? уних другие кумиры и другие песни. Именно об этом говорил перед началом спектакля «на любовь свое сердце настрою…» в учебном театре З.А.России С. Д. Бызгу. Задумывая со студентами своего курса спектакль, посвященный Окуджаве, он хотел, чтобы нынешние двадцатилетние нашли в песнях Булата что-то нужное именно им, чтобы эти песни не были чем-то далеким и мало кому интересным, а звучали для них современно. Спектакль состоит из трех десятков песен, которые поют студенты курса. Поют чуть лучше или чуть хуже (в силу своих вокальных данных), но все вкладывают в песни душу, поют очень искренне, прожи-вая каждую песню как драматиче-ский рассказ. Сцена представляет собой срез коммунальной квартиры – коридор, кухня, две комнаты, в которых живут обычные люди. Они ссорятся, мирятся, занимаются домашними делами, отдыхают, мечтают о сча-стье, вспоминают войну, думают о смысле жизни. В спектакле нет сюжета, нет слов – есть только песни. Но в результате возникает целостная картина человеческой жизни. Большая заслуга в удаче спекта-кля принадлежит Е.А. Шабунио и А.А. Пирогу– музыкальным руко-водителям курса. Именно они вкла-дывали свой труд и душу, не жалея времени, сил, нервов, в своих учеников, стремясь к тому, чтобы на сцене они выглядели профессионалами. Студентов– участников спектакля хотелось бы перечислить всех, они все хороши, но для такого перечисления рамки газетной заметки слишком узки. назову лишь Алишера Умарова. Этот парень не только хорошо пел, но еще играл на гитаре и балалайке, аккомпанируя своим товарищам. Я думаю, что ребята курса С. Бызгу наверняка полюбили песни Б. Окуджавы, а мы, зрители, с удовольствием окунулись в атмосферу шестидесятых. Интересны и другие спектакли, которые играют студенты С. Бызгу. Это классический американский мюзикл «Однажды в Оклахоме» Р. Роджерса и музыкальный спектакль «Панночка» по пьесе Н. Садур, которая в свою очередь написана по мотивам гоголевского «Вия». Правда, самого Вия в пьесе-то как раз и нет. Зато есть очень красивая и в меру кокетливая Панночка, которой очень хочется прибрать к своим рукам Хому Брута. «Панночка» в постановке Г.Бызгу и со сценографией Э. Капелюша – очень красивый и зрелищный спектакль. Герои профессионально поют и танцуют украинские танцы. И в этом опять заслуга педагога по вокалу Е.А. Шабунио, а также педагога по танцу Э.А. Одинец и постановщика танцев Р. Гаяновой. А музыкальное оформ-ление спектакля принадлежит тому же А. Уманову. Понравились Т. Беляева и В. Чепрасов в ролях Панночки и Брута, которые одинаково хорошо играют и комические и драматические эпизоды. Порадовала У.Локотко, чей комедийный талант ярко проявился в роли Хвеськи. Забавную нотку вносит в спектакль пес Куш. Д. Кушнарев играет собаку очень правдоподобно, верно передает собачьи повадки – виляет хвостом, ловит блох, валяется на спине, болтая лапами. Спектакль «Однажды в Оклахоме» (режиссеры-постановщики Р.В. Камхен, К.В. Ермихин). Другая страна, другая эпоха, совсем другая жизнь. Конечно, другие песни и танцы. Спектакль из жизни Дикого Запа-да – о любви и верности, коварстве и интригах, которые успешно рас-крываются. Герои спектакля лихо отплясывают ковбойские» танцы, виртуозно бьют «степ», поют арии из настоящего мюзикла, что очень нелегко. (Музыкальный руководитель спектакля А.А. Пирог, хореограф р.Ф. Гаянова). Хорошо играют М. Васильева, В. Чепрасов, А. Рябинина, Е. Голубева, да и все остальные ребята. Пожелаем студентам талантливого Сергея Бызгу, одного из самых любимых наших актеров, научиться у своего мастера так же любить свою профессию, как любит ее он.

М. Смирнова

Илья Дель и его Лёнька Пантелеев

   Недавно мы посмотрели в ТюЗе «Лёньку Пантелеева». Понравилось всё. Это - восхитительный мюзикл! режиссура прекрасная, тема созвучна дню настоящему. Молодые актеры играют с задором. ребята поют, танцуют, играют на музыкальных инструментах вживую. Особенно хочется выделить Илью Деля исполнителя главной роли Лёньки Пантелеева. С первым же появлением Ильи на сцене вспоминается его ромео в современной постановке театра на Литейном «Ромео и Джульетта». Деля нельзя не узнать. Молодой актер на сцене распахнут настежь, своей искрометностью зажигает всё вокруг. Илья очень убедителен в драматических моментах спектакля. его Ленька имеет всё: и деньги (общак), и женщин, и дружков-бандитов, а всё хочет уплыть на пароходе в поисках абсолютной свободы. реализация его мечты о свободе оборачивается трагедией. Вот эту особенность личности молодого героя, неспособной пойти на компромисс, и раскрыл нам Илья Дель. Актёр покоряет зрителей своей естественностью, забываешь, что находишься в театре, а не в реальном мире Леньки Пантелеева. И в музыкальных номерах спектакля Дель поёт и движется очень профессионально. При этом он в команде, в постоянном взаимодействии с партнерами по сцене. Эту роль не забыть. Хочется пожелать Илье Делю и нам, зрителям, чтобы открывались все новые и новые грани его таланта.

Н. И. Короткова

«Романтик с большой дороги»

актер Илья Дельза создание романтичного образа леньки Пантелеева, за музыкальность и виртуозный,
воздушный танец (спектакль ТЮЗа им. Брянцева «ленька Пантелеев», реж. М. Диденко и Н. Дрейден)
Спектакль «Ленька Пантелеев.

   Мюзикл» Санкт-Петербургского Театра юных зрителей за десять месяцев своей жизни на сцене собрал довольно много престижных наград. За лучший дебют «Золотым Софитом» была награждена исполнительница роли Люськи Смирновой А.Кочеткова. Спектакль – лауреат национальной премии «Музыкаль-ное сердце театра – 2012» в главной номинации: «Лучший спектакль». Лучшим драматургом назван К. Федоров – автор пьесы. «Ленька Пантелеев» был номинирован на Санкт-Петербургскую театральную премию для молодежи «Прорыв» по двум номинациям: «Лучший молодой режиссер» (М. Диденко и н. Дрейден) и «Лучшая молодая актриса (Г. Самойлова). наконец, спектакль номинирован на главную театральную премию страны «Золотую маску» сразу в четырех номинациях! Общество «Театрал» также не могло остаться в стороне. Свои сердца и Приз общества мы отдали исполнителю заглавной роли Илье Делю. Жизнь реального Леонида Пантелеева, главаря банды, наводившей ужас на жителей Петрограда, обросла легендами и мифами: то ли был он чекистом и красногвардейцем до того, как стал бандитом, то ли не был. То ли грабил он всех подряд, то ли был этаким «робином Гудом» и грабил только богатых, а бедным, наоборот, помогал. В любом случае, жизнь Леонида Пантелеева была совсем не такой, как в спектакле. но показ настоящей жизни подлинного Пантелеева не входил в задачу авторов. Спектакль не об этом. Ленька Пантелеев в исполнении И. Деля – личность неординарная. Он смел, иногда до безрассудства, но при этом романтик и мечтатель. Он любит весь мир, хочет сделать счастливыми всех. А счастье для него – это свобода, это возможность плыть на корабле, куда пожелаешь. Мечты кончаются крахом, любовь и дружба предательством, а корабль оборачивается тюремной камерой и гибелью. режиссеры спектакля продекларировали мысль о том, что каждый должен выбирать свой путь: «нет плохого пути и хорошего – есть только твой личный. И идти этим путем и только им – это и есть не идти на компромисс». Главный герой спектакля на компромисс с самим собой не согласен и идет своим путем. Сюжет спектакля заставляет вспомнить «Трехгрошовую оперу» Б.Брехта – почти тот же сюжет, только перенесенный в другое время и другую страну. Так же, как у Мекки-ножа, имеющего друга – полицейского, у Пантелеева есть друг – начальник уголовного розыска, который разрывается между дружбой и долгом. Любимую девушку Леньки зовут Полина Пичугина (почти Полли Пичем). ее отец, как и у Брехта, «Король» профессиональных нищих. Спектакль «Ленька Пантелеев» – то яркое, веселое, динамичное зрелище. Он насыщен музыкой, песнями и танцами. на сцене постоянно находятся музыканты – струнный ансамбль и джазбэнд. Льется живая музыка, все актеры с удовольствием (и довольно неплохо) поют. Звучат, правда, не брехтовские зонги, а популярные песни 20-х годов. И сам Ленька озорно и весело распевает «Крутится, вертится шар голубой...» А о том, как ребята – участники спектакля – танцуют, можно рассказывать очень долго. но лучше, конечно, увидеть это своими глазами. Особенно хорош Илья Дель. Его танец отличается необыкновенной легкостью, он как будто совсем не имеет веса и парит над сценой. Спектакль, на наш взгляд, получился удачным. И мы желаем ему долгой сценической жизни. Всем его создателям и участникам – новых творческих удач. нашему лауреату – И. Делю – больше замечательных ролей как на родной сцене Театра на Литейном, так и на других сценических и киноплощадках.

М.Смирнова.

СТАВКИ СДЕЛАНЫ, ГОСПОДА. СТАВОК БОЛЬШЕ НЕТ
Спектакль александринского театра«Литургия ZERO» (режиссер В. Фокин)
за авангардное воплощение страстей человеческих

   Зрителям Александринского театра крупно повезло. В отличие от персонажей героев Ф.М. Достоевского, « Игрок», мы выиграли все. В ноябре 2012 года Валерий Владимирович Фокин выпустил на свет и суд зрителей новый спектакль на старую тему страстей человеческих. Переложение для сцены сделали А. Завьялов и В. Фокин необыкновенно точно и очень остроумно. Музыка А. Бакши звучит в живом исполне-нии, наполняя спектакль страстью и ритмом. Сюжет известен досконально, но мы с интересом наблюдаем за нюансами: кто и как появляется, что переживают герои, их надежды, их тайные движения души, ее трепетания, волнения, заблуждения и верования. Как будто вскрыта черепная коробка и мы заглядываем внутрь мозга человеческого, в его сознание. И все это сознание представляется нам наглядно, можно сказать во всех слогах и падежах. Время летит незаметно. Зал, как будто, взят в плен страстью и энергетикой персонажей, а значит –режиссерской мыслью и талантами ар-тистов, воплощающих ее. Тысячный зал дышит одним дыханием. Алексей Иванович, бабушка, Полина – внутри артистов есть драматизм, темп, ритм рулетки, страсть и, кажется, нет предела темпераменту. Кажется, что бабушка в исполнении Эры Зиганшиной, дошедшая до высокого градуса азарта в игре, может еще и еще повысить его. Бабушка, умирающая в сознании своих ожидающих наследства родственников, неожиданно приехала на воды подлечиться из целебного источника. Сколько стаканов воды она выпила для здоровья? ни одного!!! Она пила азарт игры, она веровала в zero. Произведение просто сумасшедшее по точности русской психологии и переложено для театра изумительно. Многое в русском характере загадочно, фатально упрямо: все или ничего, выиграть во что бы то ни стало, методичный труд не привлекает талантливую и мятежную душу – хочется много и сразу.. Гордыня человече-ская талантливого, влюбленного, но безденежного, маленького человека, заставляет чувствовать себя униженным... Ох, как мечется Алексей Иванович... А как заплетены сложности женских судеб. И сцена с декорацией, музыкой, светом, с игрой и пластикой артистов передает это. Мы видим сегодняшние проявления: характеры, чувства, атмосферу психоза поиска денег и суеты вокруг них. Все нуждаются в деньгах и изощряются в добычи их. Деньги – как способ желанной жизни, как способ признания в обществе. Все, кроме мистера Астлея, играют в рулетку жизни, принимают одно за другое и ставят на пустоту... на ZERO, на zero... Бегают людимячики, прыгают нервы играющих, высоко поет крупье... Мы видим степень внутренней борьбы. Кто победит то зло, что живет внутри нас. Артисты проживают своих героев на уровне организмов – их бьет дрожь и страсть заканчивается нервным истощением. Они проигрывают свои жизни, не всегда понимая это. Порочный круг издержек ,,гламурной,, жизни. Англичанин подводит итог: все русские таковы и страшно представить, что будет, если так будет продолжаться. Этот спектакль, где все так неожиданно, смело, где полно остроумных
находок у режиссера и артистов, где музыка наполняет тему чувством, где источник вод становится рулеткой, где среди обыденной жизни пациентов санатория кипит вулкан нешуточных страстей – этот спектакль нельзя пропустить. Мои аплодисменты слились с рукоплесканиями всего зала. Спасибо Александринскому театру и его творческому вдохновителю В.В. Фокину.

Е. Сологубова

Трио замечательных актрис
актерский ансамбль спектакля БДТ им. Г.А. Товстоногова «Время женщин» (режиссер Г. Тростянецкий)
И. Соколова, Т. Бедова, Е. Толубеева за подаренную зрителю Веру, Надежду, Любовь!

   В феврале 2012 года в БДТ им. Г.А. Товстоногова состоялась долгожданная премьера спектакля «Время женщин» по одноименному роману Елены Чижовой. Почему долгожданная? Да потому, что еще весной 2011 года на очень интересной встрече с Г.Р. Тростянецким в нашем дискуссионном клубе, он поделился своими планами о том, что готовится ставить этот спектакль. А так как многие читали этот ленинградский роман, действие которого происходит в то время, когда подавляющая часть членов нашего театрального общества были совсем молодыми, и прекрасно его помнят, понятен тот интерес, с которым мы ждали этот спектакль. В нем соединились три основные составляющие качественной постановки, а именно: роман - лауреат премии «русский Буккер», бесспорно талантливый режиссер-постановщик (ученик Г.А. Товстоногова) и замечательный актерский состав. И мы не обманулись в своих ожиданиях. Геннадий Тростянецкий поставил спектакль, достойный прославленной сцены БДТ («Золотой Софит» сезона 2011-2012 г.), хотя и вызвал довольно много противоречивых мнений, в том числе и среди членов нашего жюри. А вот в чем несомненная удача спектакля – так это безошибочный подбор актеров и совершенное воплощение ими режиссерского за-мысла. но особенно потряс всех без исключения блестящий ансамбль актрис, играющих трех немолодых соседок по коммунальной квартире Тони Беспаловой, главной героини. Татьяна Бедова – Ариадна, Екатерина Толубеева – Гликерия, Ирина Соколова – евдокия. Создается полное впечатление того, что они не играют, а живут жизнью своих героинь, пропустив через себя их нелегкую судьбу, боль и горечь утрат. Мужественное противостояние всем невзгодам, выпавшим на их долю, не сломило их, и они остаются душевными, чуткими и милосердными Женщинами. Сколько добра светится в их глазах! Сколько Веры, Любви и надежды несут они в зал своей завораживающей игрой! Сколько силы рождается на наших глазах в этих, казалось бы, слабых женщинах в борьбе за судьбу их названной внучки Сюзанны - Софии, и они выигрывают, не смотря на все преграды, вставшие на их пути. После каждой мизансцены с участием этого ансамбля зал взрывался благодарными аплодисментами. Жюри общества «Театрал» не осталось равнодушным к работе актрис в спектакле «Время женщин» и наградило их Призом общества. Очень хочу пожелать этим удивительным актрисам большого творческого долголетия и ролей, достойных их мастерства. ну а всем театралам, не видевшим спектакль «Время женщин» – обязательно его посмотреть и насладиться игрой этого необыкновенного актерского ансамбля.

А. А. Максенкова

ПРЕОДОЛЕНИЕ НЕМОТЫ

   Режиссер Геннадий Тростянецкий – великий выдумщик: страст-ный, азартный, увлекающийся. Его спектакли всегда интересны, хотя зачастую очень спорны. Одна-ко режиссер умеет убеждать. Так случилось и со спектаклем «Время женщин». Он получился неоднозначным, многослойным, противоречивым. Во время просмотра я находилась в каком-то внутреннем «раздрае», меня многое раздражало (плакатность, сцены на заводе и с Хрущевым), но многое задевало и трогало до слез. «Убедил» меня режиссер прежде всего финальной сценой, когда персонажи, объясняющиеся с помощью азбуки для глухонемых, начинают говорить, обретают свой голос. Очень сильная сцена. И, конечно, убедили актеры и, прежде всего, актрисы. Что совершенно безусловно хорошо в спектакле – так это трио актрис (Т. Бедова, И. Соколова, Е. Толубеева), играющее старух, которые растят немую девочку, преодолевая собственные невзгоды и «реализуя» через нее себя... И все же было много вопросов, желание поговорить с кем-то, кто участвовал в постановке спектакля, прошел путь его становления. Я попросила актрису Екатерину Толубееву встретиться и немного рассказать об этом. Она рассказала, как нелегко складывались отношения с режиссером. Геннадий рафаилович поначалу хотел сделать из трех старух клоунов: белого, черного и рыжего, что вызвало сильное сопротивле-ние актрис. Потом идея клоунады ушла, репетировать стало легче. Постепенно роль выстраивалась. Актрисы раньше никогда не играли вместе, но партнерство родилось сразу. Екатерина Дмитриевна сказала, что, работая над этой ролью, она все время думала о своей маме, которая прожила трудную жизнь, но не сломилась, не озлобилась. Вот и в ее героине главное – жертвенность: не брать, но отдавать (сегодня это качество встречается все реже). Все три героини нашли в немой девочке стержень жизни, нашли цель этой жизни и благодаря этому, сами остались людьми. «Сначала было трудно играть, теперь – интересно. На спектакле очень хорошая атмосфера и зритель его хорошо принимает. Верующие люди тоже ходят на спектакль, так как со сцены идет поток добра, света... И, собственно, не так уж важно точное время, когда все происходило». Эти слова актрисы, ее ощущение спектакля изнутри, во многом сняли мои недовольства, захотелось посмотреть спектакль еще раз. Екатерина Толубеева – хорошая актриса и очень искренний, естественный, думающий человек, поэтому мне захотелось узнать ее впе-чатления о сегодняшнем театре. Вот то, что я успела записать: «Театр нужен всегда. Люблю театр психологический, где можно сопереживать (Фоменко!), ненавижу разгадывать ребусы. Если не можешь поставить, прочесть Чехова, напиши сам пьесу и ставь ее, как хочешь. Вот был театр Товстоногова! Ради такого театра можно умереть. Телевидение и кино очень подпортило нашу культуру. В Петербурге люблю театр Г. Козлова, плакала на спектакле «Идиот». О том, что ожидает БДТ, актриса сказала: «уход Чхеидзе был, пожалуй, неизбежен, Он очень здесь устал, в Тбилиси он – совсем другой человек, счастливый и свободный. Андрей Могучий – интересный режиссер и, кажется, хороший человек, надеемся на него. В труппе много хороших актеров, способных решать практически любые задачи. И мои надежды связаны с театром. Хочу играть. Не обязательно большие роли, но обязательно интересные». Разговаривать с Екатериной Дмитриевной было на удивление легко: вкусы практически полностью совпали, и, если бы она не спешила к своим ученикам в Гуманитарном институте, мы проговорили бы еще долго.

Т.С. Платонова

«МЕТОД ГРОНХОЛЬМА» В КАМЕННООСТРОВСКОМ ТЕАТРЕ
Спектакль БДТ им. Г.А. Товстоногова «Метод Гронхольма»(режиссер Т. Чхеидзе)
за тонкий психологический анализ состояния души человека в критический момент жизни

   Прежде всего – незнакомая, неожиданная пьеса и уже поэтому следишь за действием с неослабевающим интересом. режиссер Темур Чхеидзе – мастер тонкого психологического театра. И его актеры будто вышивают или вывязывают ткань спектакля. Суть этой пьесы – рассказ о проведении отбора квалифицированных сотрудников в фирму на вакантное место с помощью психологов. Герой пьесы Фернандо (М. Морозов) молодой, самоуверенный, циничный, жизнерадостный человек, имеет все шансы, как он считает, для занятия хорошо оплачиваемого места в фирме. Он пришёл устроиться на работу и не намерен сдаваться. Выяснив, что он не один претендент на вакантную должность, начинает па-никовать. Героям пьесы Энрике, Карлосу, Мерседес (А. Шарков, Е. Славский и А. Куликова) – психологам, которые здесь работают, приходится придумывать различные ситуации, чтобы убедить всех, что они тоже претенденты на вакантное место. События разворачиваются стремительно. Не зная, кто есть кто (кто претендент, а кто психолог), сопереживаешь то одному, то другому. Героя спектакля психологи, что называется, стёрли с лица земли, с него слез весь лоск, вся напыщенность, он стал задумываться о смысле своей жизни, и кажется, что он станет добрее, отзывчивее, в нём будут проявляться человеческие качества, где будут и сострадание, и любовь к ближнему. М. Морозов сыграл своего героя ярко, правдоподобно. Мастерство всего актерского ансамбля привело спектакль к успеху. Хочется отметить отличную работу художника Г.В. Алекси-Месхишвили. Спектакль заставляет задуматься о том, действительно ли «для достижения цели все средства хороши». Режиссер дает возможность всем нам и своему герою подумать об этом.

Т.П. Кучерова

«ВЕК СКОРО КОНЧИТСЯ, НО РАНЬШЕ КОНЧУСЬ Я…»
(Иосиф Бродский)
Спектакль театра – фестиваля «Балтийский дом» «Зеленый шатер» (режиссер А. Бубень)
за память о сильных духом людях, противостоявших тоталитарной системе,
и глубокое воплощение этой темы на сцене

   Вот и еще одно обращение Анджея Бубеня к романам Людмилы Улицкой – на этот раз «Зеленый шатер» в театре-фестивале «Балтийский дом» (в театре на Васильевском успешно идут «Даниэль Штайн, переводчик» и «русское варенье»). Еще одно размышление об истории нашей страны в период от смерти Сталина до смерти поэта Бродского, судьбах «поколения оттепели», самых лучших ее представителей: неравнодушных, смелых, борющихся за страну и за отдельного человека. Как сказал в начале спектакля Арий Львович (он же – Харон, переправляющий на своей утлой лодке души умерших в лучший из миров, мастерски сыгранный Сергеем Бызгу): «не все могут из кокона с треском прорваться в мир и стать красивой бабочкой, многие так и остаются личинкой». Трое друзей в пьесе - из числа «прорвавших свой кокон», несмотря ни на что: - Миха (Дмитрий Гирев), поэт, лишенный любимой работы, отсидевший в лагере, потерявший семью, борющийся за призрачные идеалы и погибающий за них; - Илья (Валерий Степанов), фотограф, распространитель самиздата, вынужденный предать друзей, оказавшийся лишним на родине и умерший на Западе; - Саня (Юрий Елагин), музыкант, слышащий музыку в каждом шорохе жизни и не способный обрести ее в собственном существовании – не случайно именно он объявляет о смерти Поэта. Проникновенны и трогательны женские образы: - Алена, жена Михи (Алла Еминцева), так и не создавшая свой дом, к которому она так стремилась, через страдания близких перешагнувшая, через мещанские идеалы больших квартир и работы ближе к центру; - Ольга, жена Ильи (Ольга Белинская), из образцово-показательной маминой дочки и отличницы-комсомолки на глазах
перерождающаяся в диссидентку, отчисленную из престижного университета, оставившую благополучную семью, победившая страшную болезнь и погибшая от разлуки с любимым человеком; - Тамара (Наталья Парашкина и Мария рубина), посвятившая себя науке, пожертвовавшая для благополучия любимого человека и собой, и семейными реликвиями; - Антонина Наумовна (Регина Лялейките), в противопоставление всем, преданный идее партийный писатель, всегда умеющая отличить белое от черного, в чьей жизни высокие цели так разительно отличаются от прагматичных средств. Как всегда убедителен актер Леонид Алимов в подленькой личине КГБиста Чибикова, историка», собирающего на всех компромат, следящего за всем и вся. Удивительно, как за три часа создатели спектакля сумели передать атмосферу полувековой истории страны, вместившей и великие дела (освоение космоса и атома) и позорные судебные процессы против писателей, и унижение человека, чтобы мы могли помнить о тех немногих, кто в одиночку противостоял всепоглощающей тоталитарной машине, кто за пустыми лозунгами увидел суть событий. А прощальное кружение героев
в своих коконах-каретах напоминает нам о том, что всё унесёт река времени, вовлекающая в свой водоворот и правых и виноватых, и всем им по замыслу режиссера нужно прощение.

С.Б. Гулева

ВРЕМЯ СОХРАНИТ СПЕКТАКЛЬ «ПАЛЬВЕРОНЕ»
Спектакль Большого театра кукол «Пальвероне»
(реж. Я. Тумина) за предоставленную зрителям возможность пройти
удивительный путь сквозь драматургию к поэзии Тонино Гуэрры

   Итальянский поэт (а также художник, скульптор, писатель, сценарист) Тонино Гуэрра, мудрый, спокойный, обаятельный, воспринимавший мир как удивительную гармонию, создал серию новелл под названием «Семь тетрадей жизни», а театральная актриса, преподаватель в СПГАТИ и режиссер Яна Тумина, выбрав из семи тетрадей одну – «Пальвероне» или в переводе с итальянского «Солнечная пыль», поставила на сцене Большого Театра Кукол одноименный спектакль. Спектакль – поэму, спектакль – мелодию, спектакль – притчу, спектакль – вздох. Все шестнадцать поэтических новелл в прозе, скрупулезно сохраненные авторами спектакля, представлены нам театральными средствами. Притчи «без узелков» перетекают одна в другую, игра актеров легко переходит в работу с куклой, видеоарт сменяет анимацию. Из отдельных «пазлов» рождается общая картина загадочного, волшебного спектакля, общая тема которого – любовь. Все герои связаны невидимыми нитями, единым ритмом спектакля, умной режиссурой. работа актеров – легка, воздушна, грациозна, поэтична. Очень интересна сценография художника Эмиля Капелюша (кстати, именно по его совету, Яна Тумина решилась на работу с материалом Тонино Гуэрры). В спектакле заняты драматические актеры Марина Солопченко, Андрей Шимко и молодые артисты БТК (мастерская р. Кудашова). «Время сохранит то, что было достойным, а плохое сотрет в порошок». Это цитата из Тонино Гуэрры. Спектакль «Пальвероне» время со хранит.

Т.Б. Ильина

Спектакль «Любка»
Спектакль Театральной компании «Открытое пространство» «Любка»
за искренний правдивый рассказ о женских судьбах в 50-ые годы

   Театральная компания «Открытое Пространство» в 2012 г. порадовала нас премьерой спектакля «Любка» по одноименному рассказу Д. Рубиной. Я считаю большой удачей театра, что такой молодой актерский коллектив во главе с режиссером И. Латышевым сумел очень простыми средствами точно передать дух времени начала 50-х годов прошлого века, о котором так много уже написано и снято. А мне, как зрителю, хочется сказать: «Тому, что я вижу на сцене «верю». Верю, что люди с такими разными, несовместимыми характерами жили и поступали именно так. Несколько слов о сюжете. Начало 50-х годов. Только в это страшное и странное время судьба могла свести в одной квартире людей настолько разных социальных слоев: молодого врача Ирину Михайловну (актриса алла Данишевская), дочь врага народа, москвичку с восьмимесячной дочкой; отсидевшую за грабежи Любку (актриса Яна Бушина), которую Ирина Михайловна берет нянькой к своей дочке Сонечке и их соседку Кондакову (актриса Ксения Морозова) – одинокую, несчастную женщину, ярую сталинистку. Этим трем женщинам предстоит прожить несколько месяцев под одной крышей, а потом навсегда расстаться. Но именно эти месяцы стали для каждой из них определенным важ ным этапом в жизни. Спектакль хорош тем, что пробуждает самые лучшие человеческие чувства. С одной стороны, спектакль об очень тяжелом и страшном времени, а, с другой стороны, после просмотра - на душе светло потому, что спектакль о людях, которые в этих нечеловеческих условиях, несмотря ни на что, остаются людьми. Я ходила под впечатлением от спектакля несколько дней, думая : «За счет чего удалось достучаться до нас, зрителей?». Внешне спектакль решен очень просто, минимальными средствами. Три чемодана, в которых заключена вся жизнь героинь : здесь и кастрюли, и продукты, и одежда. Но каждый доставаемый из чемодана предмет – это не просто предмет, это внешний атрибут той или иной жизненной ситуации. При этом на первый план выходят характеры. Все три женщины – это три противопо ложных друг другу характера, но такими их сделала сама жизнь. Именно благодаря удачному попаданию актрис в их образы, им удается расшевелить наши души, заставить вспомнить нас о таких душевных качествах, как доброта, сострадание, взаимовыручка, понимание. Еще раз спасибо за светлый, чистый, такой нужный сегодня спектакль.

С.В. Фадеева

ЛЮБКА. СПЕКТАКЛЬ-РАССКАЗ.

   Среди малоинтересных и даже не очень профессиональных премьер спектакль театральной компании «Открытое Пространство» «Любка» ( по одноименной повести Дины Рубиной) – настоящая удача.
Режиссер Иван Латышев ставит спектакли редко и существует в театральном пространстве очень не
суетливо и вдумчиво, что вызывает глубокое уважение. Это трудно в наше довольно фальшивое и по-
казушное время. Актрисы, участвующие в спектакле (Алла Данишевская, Яна Бушина, Ксения Морозова), – ученицы Григория Михайловича Козлова, и этим многое сказано. Они очень хорошо владеют профессией, и им можно доверять материал, требующий серьезного нравственного отношения к жизни. Получился, как и было заявлено, спектакль – рассказ. Рассказ неторопливый, честный, с юмором, с необходимым минимумом внешних деталей и реквизита, с глубоким вниманием к судьбе каждой героини. Судьбы разные, но личностные, общечеловеческие качества, которые проявляют героини, живущие
в страшные годы при Сталине, объединяют их, как объединяют они и актрис, наших современниц. Конец спектакля светлый, язык – хороший, что – огромная редкость на современной сцене.

Т.С. Платонова

О театре, его проблемах, его развитии

режиссер театра «За Черной речкой» Иван Стависский
за возрождение и воплощение античной классики в спектакле «Наука любви»

   И.Я. Стависский стал художественным руководителем театра «За Черной речкой», и это не случайно. Творческая дружба с О.Ю. Мендельсоном, создателем этого театра, связывала их и раньше, при жизни Олега Юрьевича. А ещё, как говорит Иван Стависский, он давний приверженец камерного театра. В камерном театре меньше «инструментария», техники, технитизации творческого процесса, а больше самого автора и артиста. Камерный театр «роднит» артиста с автором и зрителем. Именно в таком театре возможен «интеллектуальный эксперимент», не пафосный, а сердечный разговор о близких и родных, о маме, о родине. И камерный театр просто «обречен» говорить об этом понятными и глубокими, нерасхожими словами. И режиссера радует, что сегодня камерный театр прочно и неотступно завоевывает свое особенное пространство в театральном мире. Если назвать такие работы И.Стависского как «Мрамор», «Балбесы», «Овидий», «Аrt», то становится очевидным, что его очень интересуют проблемы искусства, его роли в жизни человека. Искусство обращено к личности человека, формирует его, развивает его стремление к гармонии и красоте. Неоценимую роль в этом процессе играет поэзия. Иван Янович сам пишет стихи, кроме этого, он знает мировую поэзию и умеет ее читать; поэтому в его репертуаре так много спектаклей, в основе которых лежит поэтическое слово. Но здесь есть тонкость, о которой говорит Стависский. на сцене должна быть поэзия, а не поэтический театр, который сегодня часто подменяет слово театральным языком. От этого утрачивается красота, глубина, самоценность слова. Ещё режиссер говорит о своей любви к уличным, площадным артистам. Они, как никто другой, умеют общаться со зрителем, слушателем, наладить диалог с ними, и всегда «возьмут зал». Уличный актер может взять «запретные темы», поднять больные вопросы. Так как зритель и актер – едины, родственны, они говорят на понятном друг другу языке. В камерном театре актер почти так же близок к зрителю, как на площади, поэтому и можно надеяться, что возникнет между ними контакт, обоюдный интерес. О планах театра Иван Стависский говорит осторожно, есть желание «примериться» к Пушкину, Шекспиру, Зощенко. Эти имена уже вдохновляют зрителя на ожидание встреч с интересной драматургией и литературой. В планах театра и его руководителя есть намерение поставить спектакль о войне – большой, неиссякаемой и всегда недосказанной теме, где обнаружились высоты человеческого духа, так как иначе мы просто не смогли бы победить. В планах, конечно, есть два-три спектакля для малышей и старших школьников. Пожелаем успехов в осуществлении всех планов театру «За Черной речкой» и его художественному руководителю Ивану Яновичу Стависскому.

Записала Н.И. Ушакова

Овидий на современной сцене

   Иван Стависский поставил совершенно необычный, удивительно красивый спектакль по поэме Овидия «наука любви». Он выступает режиссером, сценографом и создателем музыкального оформления (в соавторстве с Семеном Мендельсоном). Почему древнеримский поэт, живший две тысячи лет назад, почему Овидий, почему такая тема? На эти вопросы, конечно, лучше всего ответит сам автор спектакля. Иван Стависский говорит, что сегодня для нашей жизни характерны такие черты, как универсализация, унификация всех её сторон, и, как следствие этого, упрощение, снижение смыслов. Искусство не исследует глубину, сложность и противоречивость жизни, а дает её внешний, визуальный ряд, отличаясь всеядностью, узнаваемостью. А это, в конечном счете, ведет к беспамятству, к потере представлений о своем историческом месте. Овидий даёт нам конкретное, чувственное ощущение жизни, её сложных хитросплетений, наполненности, бесконечности неожиданных поворотов, которые близи и интересны человеку всегда. Во все времена. Тексты Овидия отличаются парадоксальностью, поэтому они не предназначены для кулуарного чтения, а требуют публичного языка, произнесения их вслух. И ещё один вопрос, который интересует всех. Повествование идет от мужского лица, разыгрывают же его – три актрисы: Александра Байраковская, Юлия Каим и Ирина Клюева. Почему? у режиссера и здесь есть убедительный ответ: для женщин характерна большая мягкость, углубленность в поиски смысла отношений. Это позволяет избежать пошлости, когда текст воспринимался бы как набор правил
поведения мужчин в любовных отношениях. Актрисы ведут своеобразный диалог, поворачивая и показывая тему «разными боками», разными сторонами, от этого всё действо приобретает убедительность, глубину и ощущение сиюминутности происходящего. Выбор трех актрис был беспроигрышным. Они азартно, с увлечением, эмоционально вовлекают нас в непростой поэтический текст Овидия, но звучит он современно и своевременно. О любви писали многие поэты той поры. Но слава Овидия гремела в веках. его «Метаморфозы», «науку любви» знали, переводили, подражали им ещё и в средние века, а поэтические сюжеты о Нарциссе, Пигмалионе, Пенелопе и др. привлекали внимание и Шекспира, и Гёте, и Пушкина. Он хотел своей «наукой любви» ввести больше изящества и достоинства в нравы довольно свободного римского общества, показать красоту, глубину и светлую радость жизни. И это знание или искусство любви так же важно, как искусство управлять парусом или вёслами. В наше жесткое и довольно жестокое время, когда часто утрачивается тонкость, деликатность отношений между людьми, когда просто забывают о бескорыстии, милосердии, внимании друг к другу, Овидий звучит современно и своевременно! В целом любовная лирика поэта гораздо шире данного произведения, она ярко, живо описывает нравы, стиль жизни, устремления римского общества двухтысячелетней давности. И тем более ценно, что всё это описывает очевидец и участник событий, описывает деликатно, с любовью. Судьба Овидия не проста. Последние десять лет он провел в ссылке на берегах Черного моря, вдали от любимого рима. Поэтому безоговорочно верится его словам: «Чем так привязывает к себе родная земля, что никто не в силах её забыть?». Иван Стависский сумел представить большое поэтическое произведение так, что в течение полутора часов мы не отвлеклись, не заскучали, а с интересом и вниманием следили, вслушивались в этот яркий, тонкий, изящный текст. Зрительское впечатление от спектакля самое благоприятное, он просто красив и изящен. Актрисы в черных костюмах и белоснежных рубашках, белые цветы, устилающие сцену и музыка – всё это создаёт ощущение светлое, радостное, праздничное. Хотелось бы, чтобы такие тонкие, гармоничные спектакли появлялись чаще в нашей пестрой театральной жизни.

Н.И. Ушакова

Театральная традиция

Художник Малого Драматического Театра Александр Боровский за ясность, красоту
и изящество художественного оформления спектакля «Коварство и любовь» (режиссер Л. Додин)

   Художник-постановщик – это полноправный участник создания спектакля, он представляет целостный, зримый образ будущего действия. Художник спектакля сразу вводит тебя в очень конкретную обстановку, представленную на сцене и дает возможность подумать, пофантазировать о будущих страстях, столкновениях, противоречиях, которые развернутся в этих интерьерах. Образ сцены в спектакле «Коварство и любовь» не отличается многоцветием, он сдержан, я бы сказала даже – аскетичен. Художник, скорее всего, сознательно уступает место слову, которое и раскрывает движение души, возникновение любви и её трагический конец. Сценография первого действия более сдержанна, нейтральна. Образ второго действия (особенно конец) просто завораживает своей красотой и изяществом: столы под белыми скатертями, многочисленные подсвечники с мерцающими свечами и белые цветы в прозрачных вазах. Как говорит Александр Боровский, это праздник любви и поминки по её уходу, трагической гибели. Лев Додин всегда много и успешно работал с Давидом Боровским, а Александр продолжает традицию, начатую его отцом. Сегодня Александр Боровский является художником многих спектаклей Малого Драматического театра : «Долгое путешествие в ночь». «Бесплодные усилия любви», «Три сестры», «Портрет с дождем» и др. И всегда это – совершенно новая, не повторяющаяся сценография, даже отдаленно не напоминающая предыдущую.Интересно понимание художником сути и роли сценографии в спектакле, он считает, что она близка к архитектуре, которая отражает образ, стиль жизни культуру народа в данное время. «Сценографию сближает с архитектурой, – говорит он, – такие её качества, как цвет, ритм, композиция». И, действительно, художник спектакля в прямом смысле слова строит место будущего действия, во многом определяет траекторию движения героев (конечно, совместно с режиссером), их взаимное расположение, близость и удаленность друг от друга. А взаимосвязь и взаимное влияние разных видов искусства друг на друга – закон развития искусства. Не один год Александр Боровский работает с Львом Додиным, придумывает, разрабатывает и создает интересное, нестандартное оформление спектаклей и добивается успехов. Художник теперь работает в Москве, но снова и снова возвращается в Петербург оформлять новые постановки.

Н.И. Ушакова

НЕОЖИДАННЫЙ КАРАНДЫШЕВ

Артист театра «На Васильевском» Арсений Мыцык за актерское бесстрашие,
за создание неожиданного образа Карандышева, который удивил и заставил переосмыслить
хрестоматийный персонаж (спектакль «Бесприданница», режиссер Д. Хуснияров)

   Есть рубрика в газете «Комсомольская правда»: «Люди, которые нас удивили», так вот имя Арсений Мыцык – прекрасно в нее вписывается. Нас, искушенных театралов, Арсений удивил, когда мы увидели его на сцене театра «На Васильевском» в роли Карандышева (спектакль «Бесприданница», режиссер Д. Хуснияров). Удивил и порадовал. Во время спектакля ловишь себя на мысли: «Ну, надо же!». Спектакль не похож ни на одну из виданных ранее в театре и кино «Бесприданниц». Поражает свежесть взгляда режиссера на хрестоматийную пьесу и смелость актеров, с которой они окунулись в новое и неизведанное. Здесь есть и пересказ событий, и подмостки, где герои играют сцены перед актерами – персонажами, и психологические переживания, и открытые монологи… Высокой оценки заслуживают все занятые в спектакле актеры, особенно Д.Воробьев и Н.Лыжина, но по-настоящему порадовал именно А.Мыцык. Может быть, отчасти потому, что от его Карандышева ничего особенного не ждали. Казалось, что это будет такой «зануда» в очках, которого и рядом-то с Паратовым не поставишь. Но... получилось иначе. Педантичность, ограниченность в нем, конечно, есть, но одновременно есть и какая-то необыкновенная открытость, которая даже пугает. Кажется, что это – беззащитность, но оборачивается она непонятной силой, неожиданной силой ребенка, и нечего ей противопоставить. В Карандышеве Мыцыка присутствует безоглядная отвага, которую он, кажется, сам не осознает, но перед которой пасует даже красавец Паратов (И. Носков). Чем ближе спектакль движется к концу, тем больше думаешь о том, как же такой Карандышев будет убивать Ларису? А он и не убивает. Финал решен очень интересно. Лариса и Карандышев оказываются наверху, над сценой, над всеми остальными персонажами, то ли на качелях, то ли на Волжском обрыве. Это – не просто физическая высота, это, можно сказать, высота нравственная. Внизу – люди, которые не умеют любить, страдать, мечтать, а могут только лгать, бесконечно считать деньги, кутить… Лариса и Карандышев не вписываются в эту жизнь, но и своей дороги еще не нашли. Им холодно и страшно, поэтому они в финале сидят, прижавшись друг к другу, как дети, как котята. Думаю, Мыцыку было очень нелегко найти единственно верную интонацию для последней фразы «А не доставайся ты никому…». Ведь у Островского Карандышев говорит эти слова и стреляет в Ларису. И чувства в нем в этот момент живут совсем другие. В спектакле Д. Хусниярова Карандышев, кажется, рад, что Лариса одна, что ей плохо, как и ему, и он с какой-то полублаженной улыбкой произносит известную фразу, кладет Ларисе голову на колени, сворачивается «калачиком». И это трогает до слез. Хотя режиссер вывел финал за пределы истории, за пределы пьесы, поставил многоточие, кажется, что это верный финал для рассказа об очень молодых и неопытных людях, для которых важна надежда. Роль Карандышева играет еще один хороший артист А.Феськов, но, мне представляется, что для Арсения Мыцыка это – не просто удача, а некий «прорыв», который позволит ему играть новые роли еще более смело, ярко, профессионально.

Т.С. Платонова

НЕГРОМКАЯ МУЗЫКА ЗДРАВОГО СМЫСЛА

Актер Молодежного театра на Фонтанке Юрий Сташин за создание сложного образа героя–рассказчика
в спектакле «Абанамат» (режиссер Л. Шехтман)

   Если кто-то все еще ностальгирует по «совку», советую сходить в молодежку и посмотреть спектакль «Абанамат». Пьесу по двенадцати рассказам Сергея Довлатова, объединенными под общим названием
«Наши», написал и поставил Лев Шехтман. У Довлатова один из вари антов названия был «Семейный альбом», поскольку все герои – реаль ные люди, да и спектакль получился почти документальным. Могу это лично засвидетельствовать, поскольку сам родился в бараке на Кольском полуострове среди ссыльных и до тридцати одного года жил в коммунальной квартире. Все эти персонажи мне известны доподлинно. «Кастрюля, полная взаимного раздражения, стояла на медленном огне и тихо булькала.....». Да! Это сейчас я возвращаюсь после театра пусть не в элитную, но, все-таки отдельную квартиру и рад тому, что не встречу соседку в выцветшем фланелевом халате. Но это так, вместо вступления. В целом, спектакль мне понравился опять же своей документальностью, да и текст довлатовский почти слово в слово передан. Молодой актёр Юрий Сташин (29 лет, в труппе театра с 2010 года) практически ведет весь спектакль. Его внешность, фактура позволяют исполнять несколько ролей: это и дед, и сам С. Довлатов, и огромный авторский текст. Я нарочно посмотрел, у меня в книжке 150 страниц. Даже если половина его звучит в спектакле, это много! А именно авторский текст звучит как «негромкая музыка здравого смысла» (И. Бродский). И это – главный персонаж. Удивительно то, что Юрию Сташину, просто по факту своего рождения не заставшему это время, удалось передать нерв, пульс и запахи целой эпохи под названием «развитой социализм» от истоков его зарождения и до полного распада.

С. Круглов

Д.И. ФОНВИЗИН «НЕДОРОСЛЬ»

   Театр В. Рецептера в очередной раз порадовал зрителей новым спектаклем по классическому тексту. Вспоминаются давние постановки этой пьесы (в ТЮЗе на Моховой, в театре драмы им. Пушкина), которые высмеивали и обличали невежество и жестокость Простаковой, Скотинина, Митрофанушки, а Правдина и Стародуба предъявляли героями – просветителями. Данный спектакль (режиссер В. Портнов) расставляет совсем другие акценты. Его главными героями становятся как раз Митрофанушка и его маменька. Они – в противоположность «правильным» Правдину и другим очень живые, естественные. «Оголтелость» маменьки оправдывается её безумной слепой любовью к своему дитяти (отличная работа А.-М. Обершт). Митрофанушка (Д. Волков. Актеру есть куда расти в этой роли) не столько неуч, сколько мечтатель, вроде Бальзаминова: все – то он в небо смотрит, на птичек любуется. В финале эту пару оставляют запертой то ли в хлеве, то ли в загоне. Они смотрят оттуда с тоской, не понимая, за что с ними так поступили, почему им нельзя жить так, как они привыкли. В спектакле немало хороших актерских работ. Яркими получились образы учителей у И. Мозжевилова, М. Хоменко и, особенно, у П. Сергиенко. Играть «правильных» героев довольно трудно. Здесь помогает актерское обаяние Н. Кирьянова и Г. Печкысева. Я видела самый первый спектакль. Наверное, где-
нибудь через полгода его надо пересмотреть, и он заиграет новыми красками.

Т.С. Платонова

Семейная история стародавних времен

Актриса театра «Пушкинская школа» Анна – Магда Обершт за колоритность и самозабвенность
исполнения роли Простаковой в спектакле «Недоросль» (режиссер В. Портнов)

   Анна-Магда Обершт родилась в Ленинграде. Летом 2001 года в Санкт-Петербургской государственной академии театрального искусства появился актерский курс с углубленным изучением творчества Пушкина, куда Анна и поступила. Выпускники этого курса и составили костяк театра «Пушкинская школа», образованного в 2002 году при Государственном Пушкинском театральном центре. В «Пушкинской школе» Обершт сыграла много интересных, характерных ролей. Это и Гертруда в «Гамлете», Берта в «Сценах из рыцарских времен. (Perpetuum mobile)», Фекла Ивановна в «Женитьбе», княгиня Тугоуховская в «Горе от ума», но в полной мере сила ее таланта раскрылась в роли г-жи Простаковой в спектакле «Недоросль» (постановка Владимира Портного). Любящая мать, желающая для своего ненаглядного сыночка всего самого лучшего, того, чего не было у нее. Сын Митрофанушка – ее страсть, ее жизнь. И нет других душевных порывов, кроме блага для сына. Неколебимая в своем желании дать сыну все самое лучшее, полная жизни и уверенности в своей правоте, предстает она перед зрителем в первом акте. Жизнь течет в деревеньке неспешно, живут, как жили там испокон веков, как заведено и как должно. Когда-то став во главе семьи (при живом, но инертном муже), Простакова успешно справляется с ведением большого хозяйства. Но даже такая сильная личность оказалась не в силах сберечь свой мир (остального мира для нее не существует) от полного краха. Вкладывая и вкладывая в Кутейкиных и Цыфиркиных в надежде, что образование изменит ее отпрыска, она не видит, что все попусту, что не способен ее сыночек измениться. А излишняя опека Митрофанушки, которому и так хорошо живется, только усугубляет положение, и меняться-то ему незачем. Женитьба на богатой наследнице позволила бы их семье прожить в достатке всю жизнь. Будущее Митрофана было бы решено в лучшем свете. Становится искренне жаль эту женщину, которая хоть и является олицетворением косной и грубой помещичьей силы, но по-своему обаятельна и искренна. И насколько душа сочувствует милой Софьюшке, настолько щемит сердце, сопереживая почти трагической судьбе госпожи Простаковой в блестящем исполнении Анны-Магды Обершт. Перед зрителем разыгрывается не осуждение диких нравов, осмеяние старого уклада жизни, а история семьи с печальным для Простаковых концом. Действие происходит в парадном зале особняка Кочневой, где «прописана» «Пушкинская школа». Внутреннее убранство особняка всегда невольно участвует в спектаклях. Сильный контраст между расписным потолком, изразцовой печью, камином, люстрой, зеркалами и «коробом» из необструганных, не до конца закрепленных досок, такой же, как между просвещенным обществом Правдиных и Стародубов и дремучим невежеством Простаковых. Персонажи то сталкиваются друг с другом в узких проходах, мешая, и чуть ли не перепрыгивая друг через друга, то перелезают через доски, то перекладывают их с места на место, перебегают из комнаты в комнату, шумно хлопая дверьми. Пространство сцены решено интересно и весьма нестандартно... Желаем Анне-Магде Обершт творческих успехов и дальнейшего плодотворного развития.

Е. И. Громова

Опять «ХАНУМА»
Актер театра «Мастерская» Николай Куглянт за создание обаятельного образа Котэ и прекрасную
работу хореографа-репетитора, в результате которой энергия танца захватывает
весь зрительный зал (спектакль «Наш Авлабар», режиссер А. Кладько)

   Кто из театралов не помнит знаменитого спектакля БДТ «Ханума» с великолепными артистами в постановке Г.А. Товстоногова? И чтобы в Санкт-Петербурге взяться за постановку пьесы А. Цагарели, надо обладать определенной смелостью. Такой смелости и своего видения материала не занимать молодым ученикам Г.М. Козлова. Спектакль «Наш Авлабар» был поставлен еще на сцене Учебного театра со студентами выпускником предыдущего курса Козлова Александром Кладько. Спектакль получился свой, особенный: молодой, озорной, задорный и в тоже время романтический и лиричный, по-настоящему «наш». И Авлабар «наш». Удивительно переданы атмосфера и дух старинного Тифлиса с его нравами, восточным многоголосым базаром, с его темпераментными обитателями. Их образы и характеры описаны и сыграны красочно и убедительно: конкурирующие и вечно интригующие свахи Ханума (Яна Бушина ) и Кабато (Алла Данишевская), промотавший свое состояние князь (Радик Галиулин), приказчик Акоп (Валентин Кузнецов) и многие другие. Некоторые артисты играют не одну, а несколько ролей. Спектакль интересен сплоченным актерским составом. Но особенно беззащитна и трогательна своей юной влюбленностью пара Котэ и Соне в исполнении Алёны Артёмовой и Николая Куглянта. Наше общество «Театрал» награждает Николая Куглянта Призом зрительских симпатий. Его прекрасная игра на грани тонкого юмора и нежной романтичности создаёт образ Котэ убедительным и ярким .А зажигательная музыка и искромётные танцы делают этот образ ещё многограннее. В этом спектакле Николай является еще и хореографом репетитором, он профессионально занимается танцами, играет на контрабасе. Танцы и музыка – неотъемлемая часть этого спектакля – игры, энергетика которого заряжает весь зал своей искренностью. Николай Куглянт учился в Иркутском театральном училище, играл в Омском драматическом театре «Галерка», в 2010 году окончил СПб ГАТИ (курс профессора Г.М. Козлова). Занят во многих спектаклях «Мастерской»: это Ганя и Лебедев в спектакле «Идиот. Возвращение», Чебаков в «Грезах любви…», Пингвин в «У ковчега в восемь» и другие. Пожелаем нашему призеру творческих успехов и новых признаний, призов.

О. Бушинова

Смерть коммивояжера на сцене театра им. Ленсовета

   Пожалуй, это – одна из самых ярких и запоминающихся пьес Артура Миллера. Хотя пьеса написана в 1948 году, образы героев актуальны в наше время. После снятия «железного занавеса» многие наши сограждане приобщились к культу «западного образа жизни». Данная пьеса показывает истинную ценность американской мечты. Главный герой живет самообманом всю жизнь, стремится верить в этот самообман, а истинная жизнь проходит мимо него. Пьеса трудна для восприятия, зритель постоянно находится в напряжении. Один из основных вопросов, которым задаются герои – продолжать помогать коммивояжеру верить в его неадекватное восприятие окружающего мира или раскрыть ему глаза на действительность? В целом считаю, что роль коммивояжера Артуру Вахе удалась. Роль очень сложная, действие происходит в разных временах, на протяжении пьесы мы следим за судьбой главного героя, который всю жизнь надеется на то, что наконец-то, вот сейчас, вытянет счастливый билет, но… Слаженная игра актеров, четкие краски характеров, хитросплетения событий, созданных гениальным автором – все это заставляет задуматься над своим местом в жизни, над достоверностью и объективностью оценок наших поступков, над тонкой границей между правдой, ложью и обманом, проходящей в сознании каждого человека. Пьеса учит состраданию, принятию чужого мнения, честности.

Е. Богатов

Клуб творческих встреч в 2012 году

   Клуб творческих встреч существует уже более 15 лет, а в конференц-зале Российской Национальной библиотеки на улице Садовой мы встречаем наших гостей уже десять лет. Этот театральный сезон (2012-2013) как всегда, был насыщенным. В гостях у нас побывали н.а. России Николай Иванов, режиссер Театра на Васильевском Денис Хуснияров, музыкальный режиссер Мариинского театра Василий Бархатов, н.а. России Ефим Каменецкий. Каждая встреча особенная, непохожая одна на другую. В этом году у нас была «выездная» встреча с Сергеем Григорьевичем Шубом, генеральным директором театра-фестиваля «Балтийский Дом», которая проходила в малом зале «Балтийского Дома». Сергей Григорьевич подробно рассказал о жизни, проблемах и планах и фестивалей и театра. Международный фестиваль «Балтийский Дом» осенью 2012 года проходил уже в двадцать второй раз. География его широка: тут представлены все страны Балтии, Москва, Санкт-Петербург, Германия, Финляндия. Имена режиссеров тоже впечатляют – от признанных мастеров, таких как Э.Някрошюс, О. Коршуновас, Л. Персеваль, Э. Нюганен, А. Жолдак, Г. Козлов, до молодых (П. Неведомская, Д. Волкострелов, С. Александровский и др.) В рамках фестиваля проходят мультимедийные презентации театров, театрализованные читки пьес. Всегда интересен бывает и международный театральный фестиваль «Встречи в России», который проходил уже четырнадцать раз. Состоялся также «Девятый международный фестиваль «Монокль». С.Г. Шуб рассказал о большой премьере театра – спектакле «Зеленый шатер» по роману Л. У лицкой. (Реж. А. Бубень). Роман сложный и спектакль непростой, в нем много героев, судьбы которых идут параллельно и пересекаются. Спектакль честно и откровенно рассказывает о нашей стране эпохи сталинизма, той атмосфере страха и лжи, в которой жили люди, противостояли ей и выживали. На малой сцене тоже были интересные, очень разные спектакли: «Бог резни» (реж. А. Бубень). «Убийца» (реж. К. Шахмардан), «Деревья умирают стоя» (реж. А. Белинский). Очень живой, насыщенной была встреча с молодым режиссером Денисом Хуснияровым. Он ставит спектакли во многих театрах города: Молодежном театре на Фонтанке, Лаборатории ON–теат р и др. Интересы Дениса широки: от традиционно русской классики до современности. Одна из его последних премьер – «Бесприданница» А. Островского в драматическом театре на Васильевском. Спектакль поставлен в содружестве с художником Н. Слободяником и художницей по костюмам М. Головиной. Режиссер собрал хорошую актерскую команду: в нее вошли давно известные и любимые актеры – Артем Цыпин, Дмитрий Воробьев, Евгений Леонов-Гладышев, Светлана Щедрина, Илья Носков. Одну из главных ролей – Карандышева – играл Арсений Мыцык. Его игра стала для нас открытием, так ярко и безоглядно он рассказал о безответной любви своего героя, его падении и преступлении. Лариса Павловна в исполнении С. Щедриной очень убедительна, трепетна, это несомненная удача в ее творческой биографии. Сам Денис говорит, что Островский «безумно интересен, глубок». Тема свободы и несвободы личности, тема выбора и компромисса, зависимости от законов жизни, растаптывающих человека» – это современно, это про сегодняшний день. На встречу с Василием Бархатовым, режиссером Мариинского театра, пришло столько театралов, что не все поместились в зале, многие сидели прямо на сцене, стояли в коридоре. Действительно, интерес к нему велик. Василий невероятно работоспособен. В свои тридцать лет он успел поработать в разных музыкальных театрах страны (Ростов-на-Дону, Иркутск), а в Мариинском театре он поставил уже семь спектаклей, среди них «Енуфа» Л. Яначека, «Отелло» Д Верди, «Мертвые души» Р. Щедрина, «Сказки Гофмана» Ж. Оффенбаха и др. Даже неполное перечисление постановок говорит о том, что Василия интересует и классическая музыка и современность, и европейские композиторы, и русские. А начинал он работу в Мариинском театре, когда В.Гергиев пригласил его поставить оперетту Д.Шостаковича «Москва-Черемушки». С тех пор это содружество дирижера с мировым именем и молодого режиссера дало много интересных постановок, украсивших афишу Мариинского театра. Встреч будет еще много, так как они вызывают большой интерес и у работников театра и у нас, театралов.

Н .И. Ушакова.

ВСТРЕЧИ В МУЗЕЕ АХМАТОВОЙ

   Уже стали замечательной традицией наши вечера в муузее Ахматовой. Мы подружились с коллективом сотрудников музея, посещаем выставки, встречи, спектакли Маленького театра Фонтанного дома и сами
сделали ряд творческих вечеров. Атмосфера музея, где витает дух поэзии серебряного века, располагает к поэтическим встречам и душевным разговорам. В гостях Общества побывали: н.а. России Е.А. Каменецкий, з.а.С.С. Сытник, з.а. Т. Кузнецова, з.а. М. Морозов. Вот некоторые впечатления от этих встреч: Ефим Александрович Каменецкий не нуждается в особом представлении. Хочу просто напомнить, что пик его популярности пришелся на период работы в театре им. Ленсовета, под руководством Игоря Владимирова. На нашей же встрече были подняты вопросы о настоящем положении в театральной среде, о перспективах современного театра. Нас также интересовала работа актера в настоящий момент, мы рады тому, что он занят в репертуаре и с удовольствием послушали стихи любимых авторов в его исполнении.. Ефим Александрович полон творческих планов и скоро мы его увидим в спектакле «Женитьба Фигаро» в постановке Игоря Коняева в театре им. Комиссаржевской.

С. Круглов

   Актер БДТ Михаил Морозов представил цикл стихов Вадима Шефнера, составленный артистом; в нем отразилась почти вся жизнь поэта. Было прочитано много стихов о нашем городе: остроумных, ироничных, философских. Для меня этот вечер стал открытием поэта В. Шефнера, хочестся его
стихи читать и читать.

Т.С. Платонова

   Е.А. Каменецкого мы знаем и любим давно, еще с тех прекрасных времен, когда театром им. Ленсовета руководил И.П. Владимиров. Ефим Александрович – человек естественный и искренний, и разговор с ним получился доверительный и интересный. Нас объединила общая тревога о теперешнем состоянии петербургского театра и надежда на его возрождение. Говорили о поэзии, о том, как она помогает в трудные минуты жизни. Каменецкий прочел несколько стихотворений И. Бродского и А. Пушкина.

Т.С. Платонова

   Такие встречи, как встреча с С.С. Сытником, хороши тем, что они раскрывают зрителям артистов, режиссеров, художников порой часто с неожиданной стороны. Мы знали Сытника как большого артиста, а теперь узнали как замечательного, доброго человека и педагога. Последнее особенно важно для нашей сегодняшней, прямо скажем, не очень-то благополучной ситуации в театральной педагогике и вообще в воспитании. На нашем вечере у актера получился великолепный моноспектакль о своей жизни, учебе, учителях, партнерах с вкраплением двух игровых сцен (отрывок из спектакля «Изотов» и рассказ В. Шукшина). Отдельное спасибо артистам В. Коваленко и В. Лисецкому за участие в вечере. В рассказах Сытника живо предстали Б. Фрейндлих, Ю. Толубеев, И Горбачев, В. Меркурьев, Ирина Мейерхольд. Было бы здорово, если бы Семен Семенович написал книгу о своей увлекательной жизни и о тех людях, с кем свела его судьба.

Т.С. Платонова

   Театралы хорошо знают Татьяну Кузнецову по по работе в теат ре им. В.Ф. Комиссаржевской, где она сыграла памятные всем спектакли «Дама с камелиями», «Безымянная Звезда», «Прощай, клоун» и многие другие. Затем актриса десять лет работала в Александринском театре. Там она сыграла Раневскую в «Вишневом саде» и в спектаклях малой сцены Александринского театра «Орнитология» и «Цветы для Чарли». Актриса любит, знает и прекрасно читает стихи поэтов Серебряного века. Прозвучали стихи Ахматовой, Цветаевой, Гумилева. Для многих оказалось неожиданностью то, что Татьяна еще и очень хорошо поет, у нее сильный, красивого тембра голос. Она пела песни своих друзей – серьезные, веселые, шуточные. Аккомпанировал Т. Кузнецовой гитарист Армен Чикунов (музыкальный коллектив «Два самолета»). Он очень тактично и, я бы сказала, виртуозно аккомпанировал пению Татьяны. Два часа стихов и песен пролетели как одна минута. И все мы получили огромное наслаждение.

Н.И. Ушакова

   Яркие, незабываемые впечатления подарила нам встреча с заслуженным артистом России Сытником Семеном Семеновичем, актером Александринского театра. Гость рассказал нам о некоторых моментах своей биографии и творческой жизни. С трогательной нежностью говорил он о родной Полтаве и Полтавщине, где так много связано с Н. В. Гоголем. Напевная украинская речь прозвучала в прочитанном им стихотворении. Семен Семенович поделился воспоминаниями о своем учителе В. В. Меркурьеве. Эти воспоминания были проникнуты огромной любовью и уважением к этому великому человеку и актеру. С. С. Сытник сыграл в Александринском театре более 100 ролей, его партнерами были великие артисты этой знаменитой сцены. Вспоминая корифеев того времени, Семен Семенович сопровождал свой рассказ мгновенным перевоплощением, тонким юмором, блестящим остроумием. Как живые они представали перед нашими глазами. Деятельность С. С. Сытника многогранна. Как педагог он воспитал таких артистов как С. Бызгу, А. Баргман, Д. Воробьев, и др., которые являются украшением театральных подмостков нашего города.

В.В. Демидова

«С чувством гордости и душевной страсти…»

   Накануне Дня памяти Ф.М.Достоевского нам, членам Санкт-Петербургского общества «Театрал», посчастливилось посетить творческую встречу с артистами балета – первыми исполнителями балета
Бориса Эйфмана «Карамазовы» по мотивам романа Ф.М. Достоевского. Ведущей встречи, балетоведу
Ольге Розановой, даже не пришлось их представлять: народного артиста России Альберта Галичанина, заслуженных артистов Елену Кузьмину, Веру Арбузову и Юрия Ананяна. Мы ведь любим и помним эту прославленную когорту звезд не только петербургского, но и мирового балета, которая в свое время была ярчайшим выразителем идей хореографа Бориса Эйфмана. Им удавалось в танце грациозно и темпераментно передать не только суть произведения Достоевского, но и его чувства, чаяния, мечты, при этом проявляя свою индивидуальность и открывая нам, зрителям, свой внутренний мир. И это вызывало сильное потрясение. Встреча с любимыми актерами также произвела сильное эмоциональное впечатление. Мы собрались в месте, святом для петербуржцев – в музее-квартире Ф. Достоевского. Открывшаяся в стенах музея выставка, посвященная людям, сотворившим чудо – балет «Карамазовы» – не могла не взволновать сердца театралов, любящих и ценящих творчество Академического театра балета Бориса Эйфмана. Фотографии, афиши, программки, рабочие наброски, эскизы художника В. Окунева и сценические костюмы всколыхнули воспоминания о неоднократно виденном, балете. Запечатленные на фотографиях моменты танца, проявившие всю любовь, трагизм и страсть, заворожили и увели в воспоминания о приоткрывшемся тайном мире героев романа в одном из самых сильных балетов Б. Эйфмана, надолго покорившего театралов. Радует то, что разговор с первыми исполнителями любимого балета получился доверительным и откровенным, как это всегда бывает в компании людей, близких по духу. Драматизм самой ситуации рождения нового произведения возникал, например, в воспоминаниях А. Галичанина, которому трудно давался образ Ивана, несмотря на афористичную подсказку-характеристику от режиссера Льва Додина. Утонченная, изысканная Вера Арбузова призналась, что ей в работе над первой большой ролью Грушеньки нелегко дались поиски красок страстной героини-вамп. Исполнитель роли Дмитрия артист Юрий Ананян, напротив, именно в собственном жизненном опыте искал вдохновения: «Я знал, что такое драться, что такое любить…». Словом, артисты не только сумели проникнуть в образ и суть своих ролей и выразить это в танце, но и с чувством гордости и душевной страсти смогли донести свою любовь к этому балету до нас, участников встречи. Конечно, разговор шел и о жизни спектакля вообще, о восприятии его у зарубежного зрителя, о том, почему возникла необходимость поставить его новую версию с участием молодого поколения балета Б. Эйфмана. Отрадно было видеть среди гостей одного из ведущих ныне танцоров театра Олега Габышева (он репетирует роль Дмитрия) . увлеченно слушающего рассказы коллег. Олег – студент балетмейстерского отделения – задал вопрос старшим коллегам об опыте работы с другими хореографами и поиске собственного языка. Альберт Галичанин, приехавший на встречу сразу после отборочного тура для желающих обучаться в Академии танца Бориса Эйфмана, с радостью отметил, что талантливые дети по-прежнему тянутся к искусству. В разговоре прозвучали размышления о сегодняшнем и будущем балета в России. Явно прослеживалась мысль Ф.Достоевского о том, по какому пути должно идти человечество, чтобы достичь гармонии. Балет «Карамазовы», потрясший в 1995году всю театральную общественность, жив и поныне. С нетерпением ждем премьеру новой версии балета уже с новыми молодыми исполнителями и надеемся на долгую его жизнь. Может быть, нам посчастливится увидеть этот балет в исполнении учеников первых его исполнителей. Хочется верить в то, что талант, огромный опыт и богатейший потенциал любимых балерин и танцоров будет востребован в Академии танца Б. Эйфмана и в других театрах балета России, и мы с чувством гордости за русский балет сможем еще не раз увидеть не одну плеяду замечательных актеров на прославленных сценах Санкт-Петербурга. Желаем любимому театру балета Б. Эйфмана новых творческих побед и свершений.

А. Юдина

Великая опера на большом экране

   В последние годы у широкого зрителя появилась реальная возможность познакомиться с выдающимися постановками оперных спектаклей на сценах самых известных музыкальных театров, на экранах кинотеатров, а также в оперных кинолекториях. Члены общества «Театрал», а также музыкальное жюри бывают частыми гостями на этих просмотрах. В оперном лектории (Московский пр., 165) мне посчастливилось прослушать лекцию о творчестве великого Ференца Легара, после чего был показан фильм «Джудитта» по знаменитой оперетте с неподражаемой Терезой Стратос в главной партии. В начале 80-х гг. эта великая певица снялась в самой роскошной экранизации оперы Д. Верди «Травиата», поставленной моим любимым режиссером Ф. Дзефирелли. И в партии Джудитты и, особенно, в образе Виолетты эта неистовая гречанка поражала почти шекспировским размахом трагической и обреченной любви. А недавно телевидение (канал «Культура») транслировало из Метрополитен опера «Плащ» Д. Пуччини и «Паяцы» Р. Леонкавалло, где Тереза блистала в дуэте с величайшими тенорами П. Доминго и Л. Паваротти. Этот спектакль был приурочен к 35-летию творческой деятельности Т.Стратос на сцене Метрополитен опера. И было удивительно видеть, как эта уже немолодая женщина динамична, легка, пластична и выразительна. В том же оперном лектории мне удалось познакомиться с оригинальной постановкой «Пиковой дамы» П.И. Чайковского на сцене Венской оперы (постановка 1992 г). Я была счастлива увидеть и услышать в главных мужских партиях наших, российских, исполнителей. Обожаемый мною великий Владимир Атлантов (Герман) снова по разил выдающимся мастерством драматического и даже трагедийного актера, например, в оригинальной сцене с овальным медальоном, на котором изображена графиня, когда Герман произносит знаменитые слова: «Смотрю я на тебя и ненавижу! А насмотреться вдоволь не могу!» В партии Елецкого блеснул обладатель красивого баритона Владимир Чернов, тогда еще очень молодой, а непревзойденный Сергей Лейферкус излучал лукавую насмешку над «роковыми страстями». Не могу забыть потрясающий спектакль «Сила судьбы» с очень известным сопрано из Литвы Виолеттой Урмана в партии Леоноры. Особенно драматично и отчаянно прозвучала предсмертная ария героини из последнего действия оперы. Эту вокалистку я также видела в трансляции «Аиды» (театр Ла Скала) в партии Аиды. Здесь Виолетта выступила в дуэте с выдающимся современным тенором Роберто Аланья (Радамес). Многие члены общества «Театрал» посещают также оперный лекторий Театрального музея. Очень содержательные, насыщенные лекции-комментарии можно услышать перед просмотрами шедевров. Я никогда не забуду великую постановку оперы «Аттила» Д. Верди в театре Ла Скала (1991 г.). В роли Аттилы блистал могучий американский бас Сэмюель Деми. Вот уж настоящий вождь гуннов! Незабываемо была исполнена знаменитая ария (сон Аттилы). Декорации, изображающие мощные развалины великого Рима, поражали воображение зрителей. Два вечера были посвящены постановкам оперы «Кармен» Ж.Бизе в разных вариантах. Были показаны фрагменты с совершенно разными Хозе: неистовый Марио дель Монако (Большой театр,1959 г.), Владимир Атлантов (фильм «Моя Кармен», 1975 г.), страстный Хосе Каррерас. Мария Калласс в неизвестной записи, в концертном исполнении, спела «хабанеру» и сумела передать всю гамму чувств своей героини только мимикой и выражением глаз. Мы увидели Ирину Архипову, Елену Образцову и еще несколько разных Кармен. В последнее время на экране большого зала кинотеатра «Аврора» в рамках проекта «Великая опера на большом экране» восхищенные зрители каждую среду имеют возможность увидеть шедевры оперного искусства на сценах самых известных театров мира. Я хочу выразить свое восхищение постановкой малоизвестной и редко ставящейся оперы П.И. Чайковского «Черевички» (Ковент Гарден, 2009 г., режиссер Фр. Замбелло). В партии Солохи блеснула хорошо нам знакомая по спектаклям Мариинского театра Лариса Дядькова. В дуэте с неподражаемым и лукавым бесом (Максим Михайлов) эта известная своими «серьезными» партиями певица проявила себя как настоящая комедийная актриса. Сильный тенор Всеволод Гривнов (Вакула) поражал предельной искренностью, детской непосредственностью и простодушием. Потрясает своей жизнерадостной мощью бас Владимир Маторин в партии Чуба. А балетные вставки завораживают неописуемой красотой пластики. Франческа Замбелло нашла много оригинальных и забавных ходов, мелких деталей и неожиданных решений. В общем, получился настоящий Рождественский праздник! В постановке «Анны Болейн» (Венская опера, 2011 г.) с нашей звездой Анной Нетребко, я неожиданно открыла для себя потрясающего исполнителя партии Генриха VIII – баса Иль Дебрандо Д' Арканжело! В его короле была какая то неумолимая, «инфернальная» властная сила, которой вынуждена подчиняться и страстная своевольная героиня А. Н етребко. Он был просто великолепен и в партии Тореадора (Ковент-Гарден, 2009 г.). В «Кармен» меня удивил также молодой тенор Йонас Кауфман, исполнитель партии Хосе. Он так отчаянно и искренне рыдал в финале арии с цветком, что не оставил никого равнодушным. Напоследок не могу не сказать о потрясающем исполнении партии принца очень высоким лирическим тенором из Перу Хуаном Диего Флоресом («Золушка» Д. Р оссини, театр Лисеу, Барселона). Это настоящее совпадение внешних данных и грандиозной красоты голоса!

В. Грацианова