Отзывы о премьерах
ЗАДАЧА НА ДОКАЗАТЕЛЬСТВО: «МЕСЯЦ В ДЕРЕВНЕ» режиссера Романа Габриа. Театр им. В. Ф. Комиссаржевской
Итак, дано: 1. «Месяц в деревне». Одна из лучших пьес русской драматургии, так и подмывает назвать ее самой чеховской пьесой, созданной не Чеховым и написанной в 1850 году за десять лет до рождения Антона Павловича другим великим русским писателем – Иваном Тургеневым.
2. Роман Габриа – известный режиссер, пару лет проработавший в Европе, поставивший немало спектаклей по России и в Петербурге, а с 2019 года главреж Театра « Мастерская» Григория Козлова. Яркий представитель отечественного постдраматического театра.
3. Театр им. В. Ф. Комиссаржевской. Один из столпов театрального ландшафта Петербурга, носящий звание «академический», с большой труппой, включающей в себя актеров разных поколений и, значит, и разных школ, мировоззрений и мироощущений. Но для режиссёра этот театр знаком, он здесь поставил уже два спектакля: «Моя дорогая Helene» ", "Барон Мюнхгаузен".
Надо доказать: Из интервью с Габриа: 1. «Безделье и скука — это социальные обстоятельства. Данность».
2. «Кризис форм и проявлений любви в семье, приехавшей в отпуск в Подмосковье… Из шкафов валятся скелеты, один за другим».
3. «Человек ведь не всегда понимает и принимает то, что с ним происходит. Недаром это называют «кризисом», и это действительно сложный физиологический процесс».
Рассмотрим решение.
Безделье и скука как данность. Доказательство чего режиссер начинает с аскетизма сценографии: почти пустой планшет сцены с несколькими складными то ли креслами, то ли шезлонгами. А еще выдвигающийся на смену занавеса-задника, перекрывавшего половину глубины сценического пространства, стеклянный павильон: то ли веранда большого загородного дома, то ли обстановка телепрограммы «За стеклом». И в этой скупой декорации маются обитатели усадьбы. Богемствующий друг семьи хозяев дома Ракитин терзает свою виолончель, постоянно напоминая о чеховском звуке лопнувшей струны, предвестнике чего-то горестно неотвратимого. Дамы - свекровь и невестка Ислаевы принимают солнечные ванны и ведут пустые и рутинные беседы. Столь же рутинны и занятия хозяина дома - что на плотину сходить, что новую веялку осмотреть. И в течение двух третей первого действия Габриа создает убедительную атмосферу скуки, которая охватывает не только пространство сцены, но и зрительного зала. После чего, покончив с данностью, вплотную переходит к конфликтам и «скелетам в шкафу», каковых, то бишь скелетов, здесь предостаточно, и которые так и сыплются из старого шкафа тургеневской пьесы. И слова пьесы «все мы прекрасные люди» могут быть произнесены только с циничной иронией.
Итак, начнем с самой невинно - банальной «нелюбви» Анны Семёновны (Ольга Белявская) к жене сына, затем - далекая от тургеневской барышни, раскрепощённая в духе 21 века, Верочка (Екатерина Карманова), способная оценить и кольцо с бриллиантами, и выгоду замужества с престарелым влюбленным богачом. Есть еще семейный доктор Шпигельский (Георгий Корольчук), а по совместительству вымогатель и сводник. Отец семейства Аркадий Ислаев, тургеневский скромный добряк-помещик, здесь этакий современный респектабельный деловой человек (Александр Большаков), который в первом акте, как аргумент в дискуссии с нанятым им учителем, предъявляет физическую силу, а в конце второго акта так и вовсе убивает, ударив стрелой в основание черепа своего бывшего близкого друга Ракитина. (Привет от Антона Павловича Чехова с его ружьем: острие этой стрелы Коли очень заинтересовало в начале первого акта его бабушку и маму). Ну и, конечно, главный скелет - совсем не платоническая любовь Ракитина (Владимир Крылов) и Натальи Петровны (Евгения Игумнова), плодом которой и является Коля Ислаев. Ну просто какое-то английское поместье, полное привидений и шкафов с вываливающимися тайнами. Кстати, за привидение вполне сойдет некий рогатый и полумохнатый то ли Фавн, то ли леший, то ли просто «Зов Природы», с которым водит дружбу младший Ислаев и который является в сновидениях Наталье Петровне.
Но пора перейти к тому, что Габрия назвал «кризисом» и сложным физиологическим процессом». Впервые это проявляется в конце первого акта неожиданным ярким фарсом, умело разыгранным ветеранами Георгием Корольчуком и Анатолием Журавиным. Неожиданным в самом прямом смысле этого слова, поскольку после длинной экспозиции, посвященной скуке и безделью в доме Ислаевых, такой резкий переход к почти клоунаде с появлением нового персонажа- престарелого жениха Большинцова в инвалидной коляске, ошеломляет и радует публику. Но еще неожиданней переход, когда этот буффонный женишок, только что существовавший как марионетка в руках ушлого Шпигельского, вдруг под звуки «Утра туманного» встает с коляски и начинает беззвучно подпевать Козловскому. Сначала это воспринимается как пародия, но незаметно к концу романса кажется, что Большинцов сам поет: «Многое вспомнишь родное далекое», поет искренне и прочувствованно. И невольно становится жаль этого дедулю, которому, похоже, и нечего вспомнить из «далекого». А несбывшееся манит в виде любви к юной девушке . Вот такой кризис пожилого возраста, физиологически проявляющийся по принципу «седина в бороду, бес в ребро». Вот так с периферийного персонажа Габриа движется к центру в решении основной темы своей поставки, по пути пунктирно обозначая кризис среднего возраста и у Ракитина, и у Ислаева. Но, конечно, главным носителем этого кризиса является Наталья Петровна с её разгорающейся страстью к учителю сына Беляеву (Семён Авралёв). Молодой студент явно вносит свежую струю в устоявшуюся жизнь поместья вместе со своей дыхательной практикой и достаточно критическим, чтобы не сказать нигилистическим, взглядом на мироустройство. Хотя это значительно меньше волнует госпожу Ислаеву, чем сверкание юношеского полуобнажённого тела и молодая энергетика, исходящая от него, которой так хочется подзарядиться в отчаянной попытке удержать «уходящую молодость». Попытка, перерастающая в одержимость, для которой нет препятствий: ни муж, ни утомивший любовник, ни сын, есть, правда, помеха - юная Верочка, но легко и бесцеремонно устранимая. Не важно, когда и как: можно ввинтиться между молодыми телами во время их динамичного и страстного танца, демонстрируя предмету своего вожделения собственную страсть и возбуждение, а можно просто выдать 17-летнюю девушку за престарелого соседа, с глаз долой. А затем подальше с глаз можно отправить, после допуска к вожделенному телу, и само тело, поставив точку в этом «сложном физиологическом процессе». И тут, наконец-то, можно и о сыне вспомнить, но вот незадача: он куда-то запропастился, возможно, ушел с рогатым другом подальше от всего этого на природу: в леса и долы. И никто не слышит ее крики: «А где Коля?», ни сам Коля, и никто из домочадцев.
Вот такая задачка на доказательство, где сакраментальное «Что и требовалось доказать» произносит или не произносит зритель после окончания спектакля.
Елена Блох, член жюри общества «Театрал»
МТК (Малый театр кукол). «АНТИГОНА». Миф
В своей театральной жизни я видела немало «Антигон», каждый раз режиссёр привносил в эту трагедию что-то свое, иногда перенося ее в современность, иногда выдерживая в духе Древней Греции, выводя на первый план то любовь, то политику, растягивая сюжет до невозможности, или наоборот комкающий его. Чем же стала для меня особенной эта «маленькая» длиною всего в один час «Антигона» от МТК…
Знакомство с Малым театром кукол я начала совсем недавно, мне до сих пор стыдно за то, что так долго тянула и не посещала спектакли этого театра. «Антигона» стала для меня вторым свиданием с этим чудесным местом. И, как это часто бывает, именно на втором свидании мы понимаем, что это - любовь, надеемся, что взаимная, мне еще многое предстоит узнать об МТК, но я уверена, что наш роман продлится долгие годы!
Режиссер Олег Жюгжда показал мне особенную «Антигону», ничуть не похожую ни на что, виденное мною ранее. Зрителя не готовят к самой трагедии, она уже свершилась, уже начала свой путь, ведь все герои родились на этот свет с одним предназначением - вершить эту роковую историю. Мы сразу попадаем в самый эпицентр: Этеокл и Полиник, сыновья Эдипа, убили друг друга в борьбе за трон, один похоронен с почестями, второй брошен не похороненным как предатель
Спектакль в бежевых тонах – намек на то, что эта трагедия, возможно, уже была ранее, возможно будет в будущем, и то, что сейчас она разворачивается в Древней Греции, совсем ничего не значит. То тут, то там врывается на сцену красный цвет – галстук ведущего, нить в руках Эвредики, плащи охраны, совочек, которым пытается закопать труп брата Антигона, - как предчувствие того, что вот-вот прольется кровь, и это уже неизбежно.
Актеры театра абсолютно едины со своими кукольными героями, сливаются с ними и невозможно уже понять, где граница между человеком и куклой. Зритель начинает сопереживать героям сразу же как только видит их, ведь каждый из них переживет свою личную, огромную трагедию. Олег Жюгжда оставил много пространства для размышлений: Исмена, сестра Антигоны, - действительно пустышка и трусиха, или двуличная хитрая бестия, которая готова променять семейные узы на жизнь? Креонт – хладнокровный правитель или заложник собственного положения и умирает сам с Антигоной еще до известия о гибели сына? Ну и, конечно, сама малышка Антигона – кто она – глупая дурочка, не разделяющая зло и добро, или страдалица, которая видит в этом предназначение судьбы, а, может быть, просто чистая, наивная девушка с огромным сердцем? Ответы на все эти вопросы сможет найти только сам зритель.
«Антигона» МТК нежная и лирическая, хлесткая и жестокая, стильная и безликая, но точно, не оставляющая никого равнодушным!
Наталья Осокина, член жюри общества «Театрал»
"СОБАКА НА СЕНЕ". Лопе де Вега. Театр имени Андрея Миронова. Режиссер В. Милков - Товстоногов.
Да простят меня мои немногочисленные, но любимые читатели: по заведенной мною самим смешной традиции вновь начну свои скромные театральные заметки с автобиографической предпосылки.
Страстью к театру я обязан двум испанцам. И первым их них был Лопе де Вега. Произошло следующее. В возрасте шестиклассника я вместе с семьей вынужден был в первый, но не в последний раз поменять место жительства. С барабинскими степями я распрощался легко, глухой таежный поселок в горах манил новой, яркой жизнью. И здесь-то, в первые месяцы на новом месте, на меня накатила неведомая до тех пор дикая тоска - по оставленной малой родине. Впору помереть. Нужно было как-то спасаться. Спасли меня книги, в которых прежде (о ужас! ) у меня не было надобности. Клубная библиотека поселка была небольшой и скомплектованной вопреки всяким правилам, очень причудливо. Это я сейчас понимаю. Прочитав все написанное для меня (по моему разумению), я скоро добрался до толстенных потрепанных томов разрозненного собрания сочинений автора с причудливым именем. Странно, что меня не остановило то обстоятельство, что передо мной пьесы. Которые нужно смотреть в театре, а не в поселковом клубе, но не читать .Через несколько дней был взят следующий том того же автора. Я был спасен!
Прекрасные далекие времена и нравы, чудесная Испания, сногсшибательные интриги, красавицы - дамы и по-испански темпераментные и галантные кавалеры, всепобеждающая любовь, счастливые финалы, роскошнейший язык. Комедии "плаща и шпаги". Каково?! Вечный, непрекращающийся праздник, который называется Театр! Вероятно, если бы в библиотеке были Дюма или Вальтер Скотт, до Лопе де Веги (а это был он) руки не дошли бы. Страшно подумать! Через несколько лет, уже студентом - первокурсником, я впервые оказался в настоящем театре. Показывали... "Дом Бернарды Альбы" Федерико Гарсия Лорки. Как вы помните, гениального испанца! И начался самый длинный роман в моей жизни - роман с театром.
Чудом природы называли этого писателя современники с легкой руки великого Сервантеса: "Появился - чудо природы - великий Лопе де Вега и стал самодержцем в театральной империи". Лопе де Вега (1562 - 1635 гг) для испанцев, как А. Островский для нас, - создатель национального театра. Легендарный испанец отличался феноменальной плодовитостью. Это тот случай, когда перо не успевало за полетом мысли. Он написал, по его утверждению, полторы тысячи пьес не будучи кабинетным затворником, успевая при этом жить насыщенной, бурной жизнью. Около пятисот дошли до наши дней. Поистине этот испанец - титан, человек эпохи Возрождения, квинтэссенция национального духа, темперамента, таланта и жизнестойкости.
Лопе де Вега работал во многих жанрах, но бессмертие обрел благодаря "низкому", по классицистской классификации, жанру комедии, который перестал у него быть таковым (низким). Он, образно выражаясь, сорвал с комедии маску с застывшей издевательской гримасой, чтобы показать прекрасное лицо человека. Комедии Лопе де Вега изображают смелость и отвагу, пытливость ума и благородство сердца. А эти качества можно было передать не средствами сатирического осмеяния, а средствами возвышенной поэтизации. Один из его главных принципов - доставлять наслаждение публике, попросту говоря, угождать ей. Испанцы, в свою очередь, обожали, боготворили Лопе де Вега.
Меня как одного из многочисленных петербургских театралов не переставало удивлять, что театральнейший из театральных драматург последние годы находится в забвении: в громадном городе нет постановок Лопе де Веги, кроме "Дурочки" в театре Комедианты. И вот наконец на сцене Театра имени Андрея Миронова премьера комедии "Собака на сене" по одной из лучших пьес великого драматурга.
В основе комедии лежит самая распространенная сюжетная схема - воссоединение влюбленных, преодолевающих разные препятствия. В "Собаке на сене" это препятствие - сословные предрассудки, которые делают невозможным брак любящих друг друга графини Дианы и ее секретаря Теодоро. Внешнее препятствие усиливается тем, что любящие сами являются носителями, рабами этого предрассудка, графиня в особенности. Таким образом, им приходится преодолевать и самих себя. Это становится источником комического в развитии сюжета. Комическое и драматическое в пьесе идут рука об руку. Это один из важных эстетических принципов Лопе де Веги. Он художник эпохи Возрождения и не разделяет высокое и низкое, комическое и трагическое.
Скажу сразу: спектакль Театра имени Андрея Миронова мне понравился. Идя на него, я боялся того, что поскучать наверняка придется. Как это часто бывало у меня с "костюмными" спектаклями: и занимательная интрига, и крайне симпатичные внешне и внутренне герои, и роскошные наряды, а спектакль скучен. Может, неактуально? Может, потому что длинно: текста много, он замечателен, хочется произнести его весь и внятно? А зритель в середине представления уже нетерпеливо ждет конца. Знаменитый фильм Я. Фрида с М. Тереховой и М. Боярским в свое время совсем не впечатлил меня. Я даже опасался того, что режиссер спектакля В. Милков -Товстоногов пойдет по тому же пути: включит в представление естественные, кажется, в испанской комедии знойные танцы, серенады под гитару, которые замедлят действие. Слава богу, не было. Сюжет развивался стремительно, провисаний почти не случалось, зритель не заскучал.
Еще одна опасность, которая поджидает любого режиссера спектакля по пьесе "плаща и шпаги, " - увлечение придумыванием выигрышных мизансцен, когда сцена каждую минуту представляет красивую открытку. Ах, какие костюмы, какие изысканные позы, великолепные манеры, потоки красноречия. Не хватает изящной рамки! Любуется режиссер, любуемся мы. Время остановилось. Зрителя в результате неизбежно ждут три томительных часа. И этой опасности спектакль Милкова -Товстоногова избежал.
Попутно несколько слов об оформлении спектакля. Театр времен Лопе де Веги был без занавеса, с минимумом декораций, машинных приспособлений. Как и спектакль, оформленный художником Иваном Совлачковым! ( Это комплимент.) Но зато какие костюмы! Позеры-испанцы были щеголями, насколько это было возможно. И уж на сцене совершенно справедливо они хотели отрады глазу: на героях должны были быть надеты камзолы, шитые золотом, героини непременно в шелковых платьях с вставками из парчи, украшенных лентами и драгоценными камнями. Сын ремесленника - золотошвея Лопе де Вега знал в этом толк. В спектакле И. Совлачкова все почти так и есть.
Маленькая в этом театре сцена оказалась просторной, вполне подходящей для бурного, стремительного развития событий, потому что была почти полностью свободной от декораций. Пространство увеличивалось галереей на втором этаже, куда герои взбегали, если этого требовал сюжет, по опускающимся по бокам сцены, когда это требовалось, лестницам. Лаконично и конструктивно.
Испанцы темпераментны, экспансивны, преувеличенно эмоциональны. Страсти в пьесах Лопе де Веги просто кипят. Главные его герои борются за право любить. Второстепенные мешают или помогают им. Как в этой атмосфере существуют актеры, занятые в спектакле? Вполне естественно, комфортно, на мой взгляд. Я открыл для себя заново актера, знакомого по ролям в Молодежном театре, а в этом спектакле играющего роль секретаря Теодоро, в которого влюблена его хозяйка графиня де Бельфлор. Наконец Сергей Барабаш сыграл роль, которая ему в рост. Проявил свой недюжинный темперамент, чувство юмора. Мне казалось, что каждую минуту его герой готов прыснуть от сдерживаемого смеха надо всем на свете, в том числе собственными злоключениями. Он совсем не идеален. Легкомыслен, каким и положено быть молодому, долго не может определиться с тем, кого любит, способен на вероломство в отношении возлюбленной, совсем не бессеребренник. Но решителен, отважен, энергичен, когда это необходимо. Словом, живой человек, полнокровная ренессансная натура, жизнерадостная и оптимистичная.
Роль графини Дианы играла Кристина Кузьмина. Поначалу мне показалось, что градус ее существования на сцене был несколько выше того, что предполагается даже в пьесах испанца. Все-таки аристократка. Она чрезмерна в эмоциях, страшна в гневе. В пьесе она в приступе ревности отвешивает любимому пощечину. В спектакле этот приступ превращается в настоящий припадок, а пощечина - в избиение его до крови. Я даже уточнил по тексту, как это было. Были и не приличествующие графине "мошенник, дрянь", адресованные Теодоро, была и кровь. Очевидно, я попал в плен стереотипного представления о том, как должна вести себя герцогиня. У Лопе де Веги вот так! Все претензии к нему, не к актрисе или режиссеру. Графиня- человек, женщина, кроме того испанка, помимо этого, она еще и влюблена, и этим все сказано. Режиссер и актриса верны автору и пьесе.
За комическое в пьесе отвечает слуга Теодоро Тристан. Его комментарии поведения господина точны, лаконичны и уморительны. Простодушный и недалекий на первый взгляд слуга Теодоро на самом деле является воплощением здравомыслия. Естественно, что именно он решает все проблемы своего господина. (Слуги Мольера - наследники по прямой слуг Лопе де Веги) Роль Тристана в спектакле играет Филипп Чевычелов. Играет замечательно, без лишней суеты и наигрыша. Обаятельнейший плут, да и не столько плут, сколько человек из народа. Слабых актерских работ, на мой взгляд, в спектакле просто нет.
Лопе де Вега - один из самых богатых в лексическом отношении писателей в мире. Он ввел в литературу и театр живую разговорную речь, легкую и непринужденную и в то же время остроумную, изящную. И произносить и слышать ее - высочайшее наслаждение для актера и для зрителя. Я благодарен театру, поставившему "Собаку на сене", может быть, прежде всего, за языковое пиршество, на которое был приглашен
Завершая тему гениального испанца, не могу обойтись без обращения к другому, русскому гению, точнее, к его известному фрагменту из " Моцарта и Сальери" :
Как мысли черные к тебе придут,
Откупори шампанского бутылку
Иль перечти "Женитьбу Фигаро".
Идею шампанского я, пожалуй, оставлю, а вот "Женитьбу Фигаро" Бомарше заменю "Собакой на сене" Лопе де Вега в Театре имени Андрея Миронова. Замечательный способ улучшить настроение, вернуть утраченный вкус к жизни! И Пушкин, и Бомарше на мое своеволье, пожалуй, не обиделись бы. От таких как они не убудет.
Н.Степанов, член жюри общества «Театрал»
БДТ. Спектакль "ХОЛОПЫ". Режиссёр Андрей Могучий.
Спектакль "Холопы" Андрея Могучего поставлен по мотивам одноимённой пьесы Петра Гнедича (1907), известного драматурга конца XIX - начала XX века. Действие спектакля происходит в 1801 году, охватывает несколько дней из жизни дворянской семьи Плавутиных-Плавунцовых, живущей в Петербурге при дворе императора Павла I, и пересекается с нашим временем. В начале спектакля на сцену выходят два гастарбайтера с кувалдами, и тут же появляются солидные китайские инвесторы с экскурсоводом Татьяны Бедовой, которая вдохновенно вещает о сохранении исторического наследия, а те довольны тем, что выгодно покупают особняк для сноса и последующего строительства очередного торгово-развлекательного комплекса.
Затем действие перемещается во времена Павла I и рассказывается уже сама история князей Плавутиных-Плавунцовых. Спектакль сочетает в себе черты исторической хроники, мелодрамы и трагикомедии. В спектакле наравне с реалистичными героями - княжна Екатерина Павловна Плавутина- Плавунцова в исполнении Марины Игнатовой, её брат, князь Александр Павлович - Василия Реутова (ответственный чиновник при дворе), Перейдёнов - Дмитрия Воробьёва (бывший крепостной князей Плавутиных, а нынче свободный человек с чувством собственного достоинства), сенатский чиновник Пётр Мефодьевич Веточкин - Валерия Дегтяря (прохиндей ещё тот), камеристка княжны Мина - Ируте Венгалите (понимающая и не утратившая сочувствия к людям) действуют карикатурные персонажи - сын Александра Павловича, князь Платон в исполнении Виктора Княжева (гарцующий, как будто на лошади, и не пропускающий ни одной женской юбки), воспитанница княжны Агничка - Алёны Кучковой (совершенно нелепый персонаж), мажордом в доме княжны Веденей - Анатолия Петрова (подобострастный слуга с княжной и жестокий со слугами), раздвоившийся сын Веточкина Мироша - Геннадия Блинова и Михаила Самусенко (клоуны- мошенники), мать Василисы Петровны Евсеевна - Александра Рониса (чудаковатый образ из сундука) и т. д. Особняком стоит пронырливый ведущий-контратенор в исполнении Семена Мендельсона, который на протяжении всего спектакля поёт и дурачится! Каждый артист блистательно сыграл своего персонажа.
В спектакле задействована практически вся труппа.
В двух антрактах спектакль не останавливается: если в первом антракте на сцене происходит неразбериха и возня в семействе Веточкина, то во втором - перед сценой в отчаянии стоит экскурсовод в исполнении Татьяны Бедовой с плакатом : "Я против разрушения особняка Плавутиных-Плавунцовых! Боже, храни Петербург!"
Пожалуй, самое сильное впечатление своей игрой произвела Марина Игнатова! При своём первом появлении на сцене в высоком инвалидном кресле-троне она как гротескное существо: скупая пластика, безучастный голос, набелённое неподвижное лицо, рыжий парик, чёрные очки. И тем нагляднее происходит трансформация её героини от почти безучастного человека до живого человека, осознавшего вдруг, что же она натворила в своей жизни!
Спектакль интересный по сюжету, несмотря на то, что идёт больше 4-х часов, смотрится на одном дыхании. Главная мысль режиссёра в спектакле - осознанное холопство, когда человек делает сознательный выбор угождать и прогибаться перед вышестоящими. Спектакль - сильное и смелое высказывание! В спектакле потрясающая и необычная сценография. Спектакль эффектный, зрелищный, неожиданный, насыщенный смыслами!
Г. Никольская, член жюри общества «Театрал»
Арт-лофт "Место под крышей". Спектакль «ЭМИГРАНТЫ»
Каким должен быть современный театр? Каким требованиям и стандартам он должен отвечать? Только ли сами постановки идут в ногу со временем и все больше начинают использовать компьютерные технологии и тенденции двадцать первого века, или же сама по себе величественная и фундаментальная «Мариинка» безнадежно устарела? .
Мне нравится, когда театр вырывается из оков традиций и шаблонов и возносится ввысь. Так, совсем недалеко от Летнего Сада, под крышей одного из домов, родилось чудесное Арт-лофт "Место под крышей". Уже даже одно посещение этой волшебной мансарды само по себе - наслаждение.
Если вы решите побывать на спектакле «Эмигранты», обязательно приходите минут за двадцать до начала действия. Во-первых, вы познакомитесь с актерами, которые при вас будут переодеваться, готовиться к спектаклю и просить всячески помочь им, например, пропылесосить сцену или найти ботинки. Во-вторых, у вас будет время познакомиться с удивительным "Местом под крышей". Вы найдете здесь множество старинных вещичек, удивительных картин, артефактов родом из Ленинграда. А если погода позволит выйти на террасу, обязательно вознаградите себя чудесным видом на пять главных памятников города и просто панорамой прекрасного Санкт-Петербурга. Но не стоит расстраиваться, если вас застанет ветер и снег, для гостей предусмотрены пледы, ведь любой житель города всегда готов к любому проявлению нашей изменчивой погоды, и как гостеприимный хозяин, всегда поможет гостям города не замёрзнуть.
Еще до начала спектакля актеры театра «Мастерская» Сергей Паньков и Антон Горчаков займут гостей шутками, экспромт - номерами – ведь в какое бы время года не проходил спектакль, мы будем праздновать Новый год! Мне, например, удалось вернуться в новогоднее веселье в середине февраля.
Арт-лофт "Место под крышей" без устали угощает гостей вкуснейшими тарталетками с оливье и аппетитными бутербродами со шпротами, шампанским и лимонадом, ну и конечно же на столе мандарины, какой же новый год без этого яркого фрукта!
Даже звонок к началу спектакля в этом волшебном месте дает Полифон 19 века. Зрители могут устроиться в уютных креслах, на венских стульях или современных табуретах, за столиками или в гостиной и насладиться чудесным иммерсивным спектаклем.
Я уже далеко не в первый раз видела игру талантливых актеров «Мастерской», но в очередной раз Сергей Паньков и Антон Горчаков поразили меня в самое сердце. Вот они дурачились и развлекали гостей, исполняли песни под гитару и крутили сальто на спор. И вот через секунду - это уже два героя, несущие каждый в себе огромную трагедию, мечту и бескрайнюю надежду.
Спектакль играют сразу во всех помещениях "Места под крышей", действие все время перемещается, и в один момент ты сидишь рядом с героем, и, кажется, он рассказывает свою историю только тебе; но вот сюжет побежал дальше, и ты можешь только слышать, как играет рояль и в соседней гостиной продолжается развитие сюжета, ты закрываешь глаза и представляешь, как там разворачивается действие.
В афише к этому спектаклю пишут: «Эмигранты» — это история приспособленчества, вынужденного и недосягаемого. Это попытка отыскать причину внутреннего рабства и шагнуть за его предел. Это — мечта о будущем, которое так и не наступает», - лучше и полнее просто нельзя сказать, можно только увидеть, даже пережить этот спектакль.
Не знаю, что меня поразило больше - сам Арт-лофт "Место под крышей" или постановка в исполнении любимых артистов, или их неразделимое творчество, где сама сцена (а точнее ее отсутствие) помогает актерам. Я намеренно не хочу рассказывать подробно о том, что происходит во время спектакля, ведь каждое движение актеров несет в себе глубочайший смысл, каждый предмет вокруг помогает в игре и раскрытии характеров персонажей. Это надо просто увидеть!
Я вышла из театра с твёрдым намереньем продолжить дружбу с Арт-лофт "Место под крышей" – ведь там можно посетить мастер-класс или провести его, посмотреть фильм, просто выпить чашечку кофе на их бесподобной террасе или посмотреть еще другие постановки, для которых интерьеры этого творческого места стали домом.
Наталья Осокина, член жюри общества «Театрал»
Спектакль "ЛЕГЕНДА О ПИАНИСТЕ" реж.Л.Никитиной. "Место под крышей"
23 февраля 2024 года нам довелось побывать в интересном лофт-пространстве "Место под крышей" на спектакле Людмилы Никитиной "Легенда о пианисте" по произведению Алессандро Барикко "Новеченто (1900-й)". Людмила Никитина известна многими своими постановками; за спектакль "Цветаева" она получила приз зрительских симпатий общества "Театрал". В этот раз она обратилась к необычному сюжету произведения итальянского драматурга. Сам автор написал, что "это произведение - нечто среднее между театральной постановкой и рассказом для чтения вслух". Даже тем, кто не читал этот текст, интересный сюжет "Легенды о пианисте" может быть знаком по многочисленным театральным постановкам и одноименному фильму. Скажем, многие помнят спектакль Олега Меньшикова "1900", с которым он в свое время гастролировал в Санкт-Петербурге. В этот раз историю легендарного пианиста Дэнни Будмана Т.Д.Лемона Новеченто нам поведали артист Кирилл Ульянов и пианист Дмитрий Мячин. Тонкая, проникновенная игра К.Ульянова и виртуозное исполнение Дм.Мячиным музыкальных произведений (композитор - Дмитрий Мячин) перенесли нас на океанский лайнер, где и прошла вся удивительная жизнь пианиста из истории. Жизнь, полная музыки. Жизнь - океан. Мы проживали действие вместе с героями произведения. Алессандро Барикко в предисловии написал, что "это хорошая история, которую стоит рассказать". Начало 20 века. В первый день 1900 года на корабле "Вирджиния" нашли младенца. В коробке из-под лимонов! "Вирджиния" стала домом ребенка. Здесь он взрослел, познавал мир. Стал пианистом. В дальнейшем слава этого самоучки распространилась далеко за пределы лайнера, хотя Дэнни Будман Т.Д.Лемон Новеченто никогда не сходил на берег. А ярким завершающим аккордом стал салют в честь Дня защитника Отечества, который можно было наблюдать с крыши здания. И там нам открылся потрясающе красивый вид нашего прекрасного города.
Ольга Бочкова, член жюри общества «Театрал»
Спектакль «САША, ПРИВЕТ!» Театр «Балтийский дом», 91 комната. Режиссер Анатолий Праудин
Экспериментальная сцена театра «Балтийский дом» представила спектакль «Саша, привет!» по роману Дмитрия Данилова, ставшего лауреатом литературной премии «Ясная Поляна» и попавшего в список финалистов премии «Большая книга». Внимание театрального мира к этому автору привлекали и другие его произведения, например, в Санкт-Петербурге его пьеса «Человек из Подольска» ставилась в разных театрах, по его произведениям игрались спектакли и снимались фильмы. Интерес этот обусловлен тем, что автор исследует мир наших современников, людей, с которыми мы живем рядом, в нашем городе, на нашей улице.
Действие разворачивается в Москве в недалеком будущем - через какие-то четыре года в привычной для нас реальности. Но мы уже перенеслись в эпоху «Всеобщей Гуманизации», где приняты новые законы, где возвращена смертная казнь за экономические преступления и преступления против общественной морали. Так, главный герой – филолог Сергей Фролов (его играет Юрий Елагин) приговорен к смертной казни за связь с девушкой, не достигшей 21 года. За это аморальное поведение ему полагается расстрел.
Причем, общество не очень озабочено вопросом нужно ли искоренить преступность, покончить с убийствами, изнасилованиями и грабежами - ведь люди, совершившие эти преступления, « сами себя морально уничтожили », - по словам одного из представителей закона. Оно, это общество, беспокоится о комфортных условиях для приговоренных и о том, чтобы палачам не пришлось выполнять «унизительную грязную работу». Поэтому не в тюрьме, а в «комбинате» в прекрасных бытовых условиях (по уровню не ниже отеля «три звезды») при полном пансионе, при понимании и сочувствии всех сотрудников комбината, при поддержке многих тысяч интернет-подписчиков (правда, были среди них и те, которые посылали проклятья осужденному), при поддержке представителей религии (они тоже все понимали и проявляли, как могли, заботу о душе приговоренного), жизнь человека превращается в пытку. Каждый день он должен пройти по коридору по красной линии под дулом нацеленного на него пулемета, ласково называемого всеми сотрудниками «Саша». Никому не известно, когда этот пулемет выстрелит, случится это сегодня или через много лет. Человек, как известно, ко всему привыкает, и вот уже через несколько дней, после мучительного страха и истерики, Сергей Фролов может выдавить из себя: «Саша, привет!», проходя по красной линии. Нет, страх никуда не делся, он вымораживает все внутри, лишает воли, разума, опустошает жизнь, но самое главное – это какая-то внутренняя растерянность, непонимание происходящего абсурда.
Но не только жизнь Сергея изменилась. Его мать (актриса Маргарита Лоскутникова), жена Светлана (ее играет Алла Еминцева) - их жизни тоже рухнули. Как можно не сойти с ума, если тебе звонит сын, которого по твоим представлениям уже расстреляли ? Память – спасительная память - удерживает только первую половину жизни, где ее Сережа - еще маленький мальчик, или уже успешный преподаватель, ученый- филолог. И Светлана, вот, получается, – не жена и не вдова. Как прикажете жить ей, молодой женщине, тоже, кстати, успешному филологу? Работать на прежнем месте она уже не может – интерес студентов переключился на события, происходящие в «комбинате», на человека, у которого нет будущего, а не на суть предмета лекции. Ни повлиять на события, ни осознать непредсказуемость этой жизни Светлана не может. И эти две самые близкие Сергею женщины, конечно, винят его в происходящем.
Никто не спорит, что Сергей виноват. Да, он нарушил супружескую верность, совершил прелюбодеяние. Но разве это не личное дело? Люди старшего поколения очень хорошо помнят, как разбирались личные дела на партийных собраниях, как клеймили позором, как «возвращали в семью» заблудших.
Все персонажи этого произведения Д. Данилова, написанного в жанре антиутопии, - далеко не глупые люди. Но среди них нет героев, нет людей, способных взбунтоваться, принять на себя ответственность, они просто пытаются осмыслить происходящее, а это уже не мало - понять зачем и к чему приведут такие законы, такая «Всеобщая Гуманизация». Похоже, что правит этим обществом какая-то машина, какой-то чудовищный разум, живущий по своим законам, в угоду неведомо кому, это еще один шаг к управлению обществом, состоящим из безвольных людей – ведь достаточно включить «Доброе Возвращение»... А на сцене мы видим узнаваемые кадры хроники и символы, слышим голоса и песни, знакомым до боли. Кстати, чудесное исполнение Валерием Соловьевым некоторых из них, добавило ностальгических моментов в спектакль и подтолкнуло зрителей задуматься, а не ближайшее ли будущее мы видим на сцене.
В спектакле, несмотря на всю трагичность действия, были и курьезные сцены, наполненные юмором . Хочется отметить помимо исполнителей главных ролей актерские работы Александра Кабанова, Сергея Андрейчука, Александры Момот и оригинальную сценографию Екатерины Гофман, которые были весьма убедительны. В спектакле, в отличие от романа, прозвучал совсем неожиданный финал. Такова трактовка режиссера, это его попытка исследовать человеческую природу, да и просто разобраться в сегодняшнем дне, понять, что происходит. Спасибо, это повод задуматься и нам, зрителям.
Т.Проскунова, член жюри общества «Театрал»
Новая сцена Александринского театра. Спектакль "ВОСКРЕСЕНИЕ". Режиссёр Никита Кобелев.
Только в декабре в театре имени Ленсовета состоялась премьера спектакля "Воскресение" по одноименному роману Л. Н. Толстого,
как подоспела премьера по этому же произведению на Новой сцене Александринского театра. Спектакль поставлен по мотивам романа Льва Толстого. Сценическая адаптация текста, сделанная драматургом Дмитрием Богославским вместе с режиссёром Никитой Кобелевым, включает отдельные сцены из повестей "Крейцерова соната" и "Отец Сергий" и неоконченного рассказа "Записки сумасшедшего". В последнем романе "Воскресение" Льва Толстого, который он писал на протяжении десяти лет, представлена социальная панорама русской жизни конца XIX века от высших слоёв до низших: в романе фигурируют аристократы, петербургские чиновники, крестьяне, каторжники, революционеры и политические заключенные.
Режиссёр показал частную историю главного героя Дмитрия Нехлюдова. В спектакле режиссёра меньше всего интересовал сам сюжет, он хотел прежде всего выразить мысли и идеи Толстого, волновавшие его. Все события на сцене предстают через восприятие Нехлюдова.
На суде в числе присяжных заседателей присутствует князь Дмитрий Нехлюдов, который узнаёт в подсудимой Екатерине Масловой девушку, которую когда-то в молодости обесчестил и бросил. Чувствуя свою вину перед Масловой, Нехлюдов старается ей помочь. Он приходит к ней в тюрьму и видит совершенно другую жизнь, отличную от своей, сытой и богатой. Как человек с ещё не до конца закостеневшей душой, он начинает постепенно меняться, пытается понять, в чём смысл его жизни и чего он сам хочет от жизни. Тихон Жизневский за три часа на сцене убедительно показал, как его Нехлюдов из светского человека, плывущего по течению жизни, движется навстречу своему обновлению и превращению в думающего, сострадающего и помогающего другим людям человека. Ольга Белинская играет его мать, неистощимую на здравые мысли. Она практически весь спектакль находится на сцене. Анна Блинова сыграла свою героиню Маслову противоречивой, колючей, жесткой, но не лишенной жалости к другим людям.
Во втором акте спектакля два сильных сюжета-притчи из повестей "Отец Сергий" и "Крейцерова соната" разыграли Андрей Матюков с Александрой Большаковой и Иван Трус с Анной Селедец. Иван Трус в роли Позднышева, убийцы своей жены, был неистов со своим бесконечным самоистязанием. Артисты, кроме исполнителей главных ролей, сыграли в спектакле по несколько ролей:мастерски преображались из персонажей светского общества в людей из низшего общества, в том числе и в заключенных.
В спектакле показана история частного человека в жерновах несовершенной, несправедливой, государственной безликой машины!
Интересна сценография спектакля. На сцене находится вагон в разрезе: при повороте на одной стороне проходят светские сцены, на другой - арестантские сцены.
Лев Толстой в своём романе высказывает свои мысли о несовершенстве современной ему жизни, это касается религии, судов, законов и т. д.
Текст Толстого и сегодня звучит крайне актуально.
Спектакль сильный, стильный и впечатляющий!
Г. Никольская, член жюри общества «Театрал»
Театр «Мастерская». Спектакль «Я - ЗОЩЕНКО». Инсценировка - П. Воробьева. Режиссер - М. Студеновский. Художник - Т. Артамонова. Актеры: М. Студеновский, П. Воробьева, Р. Студеновский, М. Гаврилов, А. Дидик, А. Стебнева, С. Паньков, М. Столярова.
Спектакль не просто инсценирует, иллюстрирует рассказы М. Зощенко, но прежде всего рассказывает о том времени, когда жил писатель ( гражданская война, послереволюционные годы, время репрессий и пр. ), а, главное - говорит о самом Зощенко, его мироощущении, попытке найти свое место в сложном, страшном, нелепом, смешном окружающем мире. Смотрится спектакль легко, в нем много юмора, хотя сама жизнь писателя и его героев отнюдь не веселая, просто люди по-разному ее переживают. Самому Зощенко трудно, он меняет места работы, участвует в войне, а спасается — в писательстве, в своих героях, в юморе. По-моему, это «противоречие», эта разница между своей внутренней жизнью и описываемой - трудной, сложной и не простой, но в чем-то смешной, не обремененной сложными вопросами — это и составляет основу спектакля. Герои заняты «мелочами жизни», ссорятся, даже дерутся, но и влюбляются, и ревнуют, и, кажется, не страдают, а автор именно страдает, переживает, может быть, ему хотелось бы писать трагедии, а он описывает простенький быт, и, может, этим и спасается.
Спектакль очень искренний, над героями не смеются, им сочувствуют, обыгрывается и нелепица, и абсурд жизни, и ее трагичность, ее подлинность. Не зря на сцене появляются Есенин и Блок. Они иначе, чем автор, переживали то время, ту жизнь, а мы, благодаря их произведениям, рассказам и стихам, ярче и глубже можем переживать и то, и наше, сегодняшнее, время. Хорошая работа всех создателей спектакля, которые «перелопатили» много материала, ими «прочитаны» не только рассказы Зощенко, но и автобиографическая повесть «Перед заходом солнца». Есть о чем подумать после просмотра.
Татьяна Платонова, член жюри общества «Театрал»
ТЮЗ им. А.А. Брянцева. А.П. Чехов «МЕДВЕДЬ». Чёрно-белый водевиль
Кино или Театр? Что же выбрать? А зачем выбирать? Постановка молодого режиссёра Ильи Архипова вырывается за рамки классического спектакля, за пятьдесят минут вы сможете увидеть драматическую игру, веселый водевиль и немое кино! И поверьте – такой «винегрет» не оставит Вас равнодушным.
Исполнить такой спектакль, на практически пустой сцене, да еще в черно-белом мире – задача не из простых, но актеры блестяще справились с ней. Андрей Алексеев, как композитор, перенес на сцену Чеховский мир музыкальными номерами — куплетами, выполненными в разных жанрах, от романса до танго. А наряды героев, выполненные художником по костюмам Алёной Песковой , добавляют комичности, драматизма и лирики, раскрывая все грани характеров героев.
Пожалуй, самым запоминающимся героем, на котором держится весь сюжет, стал слуга Лука в исполнении Владимира Чернышова. У зрителя остается впечатление, что именно слуга заварил всю кашу, именно он подстегивает героев к безумным поступкам, выходкам на сцене, а в завершение постановки, как купидон – сводит влюбленных вместе!
Когда зазвучали аплодисменты, мне захотелось крикнуть «Еще! Еще!» - так не хотелось расставаться с героями и действием!
Спасибо большое, наш дорогой ТЮЗ им. А.А. Брянцева, что дарите зрителю такие чудесные постановки. Еще! Еще!
Наталья Осокина, член жюри общества «Театрал»
Театр имени Ленсовета. Спектакль "ВОСКРЕСЕНИЕ".Режиссёр Айдар Заббаров.
В декабре 2023 г. в театре Ленсовета состоялась премьера спектакля "Воскресение" в постановке Айдара Заббарова. Спектакль поставлен по одноимённому роману Льва Толстого.
Главный герой князь Дмитрий Нехлюдов в юности мечтал сделать всех людей счастливыми. Достигнув совершеннолетия, он, будучи восторженным последователем Герберта Спенсера и считая несправедливым владение землёй, отдаёт землю крестьянам, чем приводит в ужас родных. Спустя несколько лет после военной службы Нехлюдов, будучи присяжным заседателем, узнает в суде в несправедливо осужденной девушке свою давнюю знакомую Катюшу Маслову, которую он когда-то по молодости соблазнил и бросил. Чувствуя свою вину перед Масловой, Нехлюдов решает помочь девушке, которой он сломал жизнь. Попытался обратиться за помощью к знакомым представителям высшего общества, но встретил их равнодушие и осознал, что реальная действительность ужасна - неправедный суд, тюрьмы и каторги, жертвами которой становятся отчаявшиеся люди, до которых никому нет дела.
На протяжении всего спектакля Нехлюдов и Маслова, пройдя весь путь от зала суда до сибирской каторги, мучительно переживают процесс переоценки ценностей. Души главных героев постепенно "воскрешаются". Они нравственно совершенствуются, духовно прозревают. Это "воскресение" превращает их во внимательных и участливых ко всем людям.
Потрясающе играл Илья Дель, его Нехлюдов на наших глазах из романтического юноши превратился в безнравственного кутилу, а потом всё-таки его совесть проснулась, и он стал Человеком. Римма Саркисян в роли Катюши Масловой - стопроцентное попадание. В начале застенчивая, начитанная барышня, знающая французский язык, она волей роковых обстоятельств превратилась в циничную женщину. Очень хорош в роли Масленникова был Виталий Куликов, этакий мерзавец!
Спектакль о нравственном выборе человека в любой жизненной ситуации.
Спектакль многослойный, сложный, сильный, актуальный.
Г. Никольская, член жюри общества «Театрал»
"МАЛЕНЬКИЕ ТРАГЕДИИ", реж.А.Сидельников, театр "Суббота"
В январе 2024 года в театре "Суббота" зрителям был представлен спектакль "Маленькие трагедии" режиссера Андрея Сидельникова.
"Маленькие трагедии" Александра Сергеевича Пушкина, 225 лет со дня рождения которого мы будем отмечать в июне этого года. Цикл драматических пьес.
"Скупой рыцарь"
"Моцарт и Сальери"
"Каменный гость"
"Пир во время чумы"
В разное время можно было увидеть как театральные постановки отдельных произведений данного цикла, так и "Маленькие трагедии" полностью.
В спектакле Андрея Сидельникова произведения переплетены. Временами одно вытекает из другого. Неизменно то, что почти все персонажи один за другим уходят с Черным человеком. Пороки и наказание. Муки совести и все-таки надежда. В спектакле есть отсылки и к более современным произведениям. Звучат реплики и музыка из кинофильма "Профессионал", песни Виктора Цоя, Евы Польны, гр."Чиж и Со", мелодия из популярного сейчас сериала "Слово пацана. Кровь на асфальте". Все это, кажется, еще более привлекает к "Маленьким трагедиям" молодых зрителей, которые с восторгом аплодировали подобным заигрываниям с публикой. Не остался без внимания и выход Пушкина с "Пушкинской карты" с горящими глазами в виде статуи Командора. После спектакля поклоны режиссера и артистов сопровождались продолжительными аплодисментами. Слышались возгласы: "Браво, Иван Байкалов!" Хочется заметить, что подобных слов заслуживают все артисты спектакля. Лично мне хотелось бы видеть в спектакле и артиста Владислава Демьяненко, который был встречен нами в зрительном зале. Хочется поблагодарить Андрея Сидельникова и замечательных артистов театра "Суббота" за новый спектакль и поздравить всех с премьерой. Если после спектакля кто-то возьмет в руки томик Пушкина и захочет перечитать "Маленькие трагедии", то это можно отнести в еще один ряд достоинств нового спектакля.
До новых встреч в гостеприимной "Субботе"!
Ольга Бочкова, член жюри общества «Театрал»
Молодежный театр на Фонтанке. Спектакль «ГЛУБОКОЕ СИНЕЕ МОРЕ». Режиссер С. Спивак
В Молодежном театре на Фонтанке прошла премьера спектакля «Глубокое синее море» в постановке Семена Спивака. Спектакль поставлен по пьесе английского драматурга Теренса Рэттигана (1911-1977), написанной в 1952 году. Сюжет пьесы незамысловат. Замужняя женщина Хестер Коллер влюбляется в бывшего военного летчика Фредди Пейдж. Хестер – дочь священника, жена Уильяма Коллера, высокопоставленного судьи, принадлежит к светскому обществу Британии. Влюбленная в Фредди Хестер бросается в эту любовь, как в омут с головой. Любовь Фредди оказывается мимолетной, и он решает расстаться с той, которую уже разлюбил. А что же остается делать этой женщине? Вернуться к любящему мужу? Закончить жизнь самоубийством (что является
преступлением)? Чем вам не «Анна Каренина» Льва Толстого в очень кратком пересказе? И драматург очень подробно раскрывает чувства и состояние своей
героини перед принятием важнейшего решения. Вместе с героями пьесы зрители проживают решающий день ее жизни .
Коллер в исполнении Эмилии Спивак - женщина умная, утонченная, возвышенная, как и положено быть леди. Она понимает, что ее разлюбили, но продолжает любить Фредди. Она чистит ему ботинки, нежно помогает надеть пиджак, как делала бы это всякая любящая женщина. Вся ее жизнь подчинена этой любви. Хотелось бы , чтобы актриса добавила больше силы характера в образ своей героини, ведь не каждая женщина способна так резко поменять свою жизнь.
Александр Тихановский показывает нам Фредди как человека довольно пустого, не способного на что-то из ряда вон выходящего. Он хочет тусоваться в пабах, выпивать, сидеть в кабинете тихо и не летать. Несмотря на то, что Фредди принимает предложение о возвращении в небо, уверенности в том, что он будет летать, нет.
Совсем другим человеком, уверенным в себе, любящим Хестер, готовым простить ей все ошибки и помочь в любой ситуации, показан Уильям Коллер в исполнении Андрея Кузнецова. Он - истинный джентльмен, умеющий скрывать свои эмоции, и в то же время человек достаточно чопорный.
Несмотря на то что миссис Элтон (заслуженная артистка России Алла Одинг) и мистер Миллер (заслуженный артист России Петр Журавлев) не являются главными героями пьесы, они – люди, повлиявшие на решение Хестер, очень своевременно появляются на сцене. Даже их простой проход по сцене привлекает внимание зрителей, что делает спектакль более динамичным.
Действие спектакля происходит в квартире, но ощущения замкнутого пространства нет. Художник-постановщик Николай Слободяник представляет квартиру в виде нескольких площадок-подиумов, выполненных из прозрачного материала и подсвеченных снизу. На этих площадках и разворачиваются события. Дополняют картину предметы быта 50-60-х годов: газовая плита, радиола, этажерка. Особое место в центре сцены занимает огромное окно. Именно это окно широко распахнет Хестер, готовая начать новую жизнь. И как бы в знак солидарности и поддержки около нее соберутся все персонажи спектакля, кроме Фредди.
На протяжении всего действия звучит песня Cheap Smell нидерландской певицы Шарон Ковач. Не остаются без внимания зрителей и гудки в телефонной трубке с мелодией «Happy Birthday to You».
Нельзя не отметить работу режиссера по пластике Игоря Качаева, благодаря которой все движения и танцы исполнены органично.
В спектакле нашлось место и грусти, и юмору. Зритель не может остаться равнодушным.
Н. Веженкова, член жюри общества «Театрал»
Театр имени Андрея Миронова. Спектакль "ДОН КИХОТ". Режиссёр Влад Фурман.
В ноябре 2023 г. в театре имени Андрея Миронова состоялась премьера спектакля "Дон Кихот" в постановке Влада Фурмана. Для этого спектакля драматург Олег Богаев сочинил уникальную пьесу, основанную на хрестоматийном сюжете одноимённого романа Мигеля де Сервантеса. Все знают, что наивный и великодушный Дон Кихот пребывает в убеждении, что рыцари жили исключительно для помощи слабым и обездоленным, и мечтает совершать подвиги, но попадает в нелепые ситуации и совершает несуразные поступки. У него есть оруженосец, крестьянин Санчо Панса, которого он соблазнил обещанием сделать его губернатором острова. Все свои совершённые в будущем подвиги Дон Кихот намеревается посвятить своей даме сердца - крестьянке Дульсинее Тобосской.
Спектакль состоит из рассказов очевидцев, повстречавших Дон Кихота и рождавшихся в его воображении. Актёр Александр Васильев как конферансье представляет эти истории, каждая из которых обыгрывается в разной форме: то посвящение в рыцари обычных крестьян в таверне, то кабаре средневековых дам в платьях с рискованными разрезами, то освобождение преступников из тюрьмы как благородных рыцарей, то появление Дульсинеи Тобосской на пуантах, в облегающем трико, золотом кокошнике и с саксофоном в руках и т. д. А сам идальго (Сергей Курышев) вместе с верным оруженосцем Санчо (Анвар Либабов) в большинстве сцен находятся в стороне от происходящего. В правом углу сцены находится вешалка с костюмами и гримировальный столик. В этом закутке они гримируются, облачаются в одежды или доспехи, тут же обсуждают друг с другом разные темы, вроде бы и не относящиеся к происходящему на сцене. Они существуют параллельно на фоне стремительно сменяющих друг друга людей и событий, а в их образах в этих событиях принимают участие другие артисты.
В спектакле применены пластические импровизации, кукольный театр, клоунада, эквилибристика. Всё как в жизни - пёстрая мозаика лиц и событий. Спектакль поставлен в жанре ироничной трагикомедии, в нём есть место сатире, юмору и философским размышлениям. Сервантес задумал "Дон Кихота" как сатиру на рыцарские романы, а написал произведение, наполненное глубоким анализом человеческой природы, мыслями о противостоянии идеализма и реализма.
Драматический актёр Сергей Курышев и легендарный мим Анвар Либабов - представители разных видов театра, стопроцентно попали в своих персонажей - наивный и оторванный от реальной жизни Дон Кихот и твёрдо стоящий на земле реалист Санчо Панса сыграли потрясающе! Все артисты играли замечательно, особенно были бесподобны Александр Васильев, Павел Филиппов, Вадим Франчук, Дмитрий Кушнерёв, Анастасия Квитко, Елизавета Кафиева.
Спектакль увлекательный, интересный, смешной, смелый и глубокий!
Спектакль замечательный! Сколько иронии, сколько глубинных смыслов!
Г. Никольская, член жюри общества «Театрал»
"БЕСПРИДАННИЦА". Режиссер А. Баргман, театр "Приют комедианта"
Стыдно признаться, но лет до тридцати пяти я относился к А. Н. Островскому как к писателю, представляющему разве лишь этнографический или музейный интерес. Преподавая между тем литературу в школе! Индифферентность свою к отцу русского театра я не декларировал. Но девятиклассники и так все понимали: обычное мое воодушевление при препарировании бедных классиков напрочь улетучивалось при углублении в смысловые бездны "Грозы" . Они наблюдали и делали выводы не в пользу классика. Наивные, мне они верили больше. Именно поэтому юные нигилисты бурно аплодировали, когда заключительный фрагмент спектакля Малого театра, показанный на уроке, закончился, и причиной этого восторга было, увы, не совершенство спектакля, а тот факт, что наконец-то пытка прекратилась - героиня утопилась. И это были не сегодняшние недоросли, отроду книгу в руках не державшие! Эти-то, может, и досмотрели бы видео, чтобы узнать, чем все закончилось! (Мои девятиклассники текст знали - попробовали бы только не прочесть! В гневе я страшен.)
Но любовь к основателю русского театра, слава богу, меня все-таки настигла! Сейчас я хожу на все петербургские премьеры по Островскому, посещаю фестивальные спектакли, и совершенно неважно, что иногда это несколько вариантов " Леса" или "Бешеных денег" друг за другом. "Исковерканные слова" и "уродливые мысли" (по выражению Ю. Айхенвальда) героев Островского - бальзам для моих нынешних слуха и души. Я люблю пьесы Островского. И все-таки драмы меньше, чем комедии. Совсем не потому, что уж такой я жизнерадостный человек. " Гроза" и "Бесприданница" с их героинями, претендующими на сложность, противоречивость, пробуждают во мне писаревский скепсис. В поступках Катерины я, вслед за критиком Писаревым, вижу " резкую несоразмерность между причинами и следствиями" . "Грянул гром - Катерина потеряла последний остаток своего ума". Если бы Писарев успел написать о "Бесприданнице" , то выглядело бы это примерно так: "Неужели стоило г. Островскому тратить свои силы и время на драматическое воспроизведение банальной истории о глупенькой обольщенной девице?! "Это из рецензии одного из современников Островского.
Хотя хорошие спектакли по этим пьесам видел: например, "Грозу" Андрея Могучего в БДТ смотрел дважды. Сильное впечатление произвела недавняя" Гроза" А. Созонова с хорами Ивана Кушнира (Южно-Сахалинск). (Спасибо фестивалю Балтийского дома "Вперед к Островскому"! Мне кажется, он не исчерпал всех своих возможностей, три года - совсем ничего. А привозимые спектакли все интереснее). Виденных "Бесприданниц" - еще больше, с десяток. С интересом смотрел вариант Балтийского дома - "Жестокий роман" Сусанны Цирюк. Не оставила равнодушным "Бесприданница" А. Баргмана в "Приюте комедианта". Оба спектакля входили в программу фестиваля "Балтийского дома". И оба они (прибегну к избитому выражению) звучат удивительно современно, не архаично.
Но пора остановиться на том, что сподвигло меня на эти размышления.Итак, "Бесприданница" режиссера А. Баргмана в театре "Приют комедианта".
Первое явление пьесы экспозиционное, оно предшествует выходу на сцену главных героев. Диалог буфетчика и слуги - то самое чудесное словесное кружево, которое автор не устает плести: здесь и перлы типа "попьют чайку до третьей тоски", уморительно глубокомысленные рассуждения о моционе, который для аппетиту, который в свою очередь для обеду, или же умозаключения о Кнурове, который молчит, " оттого что у него миллионы: зачем и с кем ему разговаривать". Ну просто убийственная логика! Так вот это явление отсутствует в спектакле А. Баргмана. Он начинается с конца, словами, которыми мог бы закончиться, да и закончился. ( К этому я еще вернусь). А потом без экспозиции - завязка: борьба за Ларису начинается до возвращения Паратова.
"Бесприданница" Баргмана - спектакль динамичный, длинноты пьесы ликвидированы, и современному зрителю это нравится. Но как же все-таки быть с узорчатым языком пьесы, который составляет всю ее ткань?! Всего не купируешь! Традиционно в русском театре в спектаклях по Островскому слово преподносилось как на тарелочке, само по себе производило невероятный эффект. С такими диалогами, кажется, и интриги не нужно. Но и произносить их нужно соответственно, с особой мелодикой, паузами, ведь перед нами роскошная живая разговорная речь. Темпы диалогов, интонация в "Бесприданнице" "Приюта комедианта" (как и в" Балтийском доме") самые что ни на есть современные. Герои сошли с котурнов: говорят как мы сейчас, забыли о декламации. И исчезает историческая дистанция между персонажами и залом. Зрителям понятно и близко происходящее на сцене. Оно перестает представлять собой исключительно музейный интерес.
Пьесы А. Островского, без преувеличения - подарок актерам. Роли как будто написаны каллиграфическим почерком: никто из списка действующих лиц не забыт автором на протяжении пьесы, роли типа "кушать подано», которые можно сократить в спектакле при необходимости, отсутствуют, всем есть что играть.
Писатель Боборыкин как-то, беседуя с Островским, назвал превосходной одну из ролей какой-то его пьесы, на что тот немедленно ответил: "У меня всегда все роли превосходные". В "Бесприданнице" действительно все роли превосходные. В спектакле Баргмана тоже! У этого режиссера есть любимые актеры, с которыми он предпочитает работать. Даже целая команда, переходящая из спектакля в спектакль. Большая часть занятых в" Бесприданнице" - именно из этой команды.
Заглавную роль пьесы играли самые знаменитые актрисы - современницы Островского: Г. Федотова, М. Ермолова, М. Савина, В. Комиссаржевская - что ни имя, то легенда. Кажется, каждой новой Ларисе должно быть безумно страшно, что придется конкурировать с ними. Но чем-чем, а дерзостью и самоуверенностью звезды 20 и 21 века в особенности отличаются! Всегда ждешь очередной бесприданницы с большим скепсисом. Так было у меня в случае и с баргмановским спектаклем.
Актриса, заявленная режиссером - Олеся Казанцева, - мне, как и подавляющему большинству театралов, была неизвестна. Я, безусловно, ожидал очередной встречи с привычным образом восторженно-экзальтированной идеалистки. "... ее портрет. Он очень мил, я прежде сам его любил, но надоел он мне безмерно". Ничего подобного. Актриса сразу же меня обезоружила: никакой лихорадочной взвинченности и, самое главное, никакой высокопарной банальности. Обаяние Ларисы Олеси Казанцевой в ее милой простоте, бесхитростности и человечности. Да и влюбленность в Паратова ее не компрометирует: она - чайка (Лариса - чайка в переводе с греческого), отсюда ее романтическая устремленность, тяга к выдающемуся, необыкновенному, героическому. А Паратов на фоне заурядного окружения именно таков в ее восприятии. Ее любовь к Паратову пылка, безоглядна, самоотверженна, вот уж действительно героиня с горячим сердцем. Чего стоят эти бряхимовские воротилы кнуровы, вожеватовы и упорный Карандышев в сравнении с бесприданницей Ларисой?!
Буржуазный Бряхимов в спектакле пострашнее заповедного купеческого Калинова. На смену самодурам пришли новейшие хищники - дельцы, для которых все продается и покупается. Никакого гротеска в их изображении не надобно. . Дальновидный Кнуров в исполнении Павла Юлку - это не Дикой. Он вполне цивилизован. Если и страшен, то как раз своим спокойствием и умением ждать, когда можно будет наконец вцепиться в загривок жертвы, словом, волчьей хваткой. Вожеватов в исполнении С. Горелова - еще молодой, но уже вполне усвоивший правила игры делец. Энергичный, темпераментный в противоположность Кнурову и готовый отступиться от задуманного, если есть риск проиграть. Роль сыграна актером отменно.
Паратов - еще один тип хозяина жизни, человека новой формации. Это красавец, нарцисс, холодный эгоцентрик. В исполнении А. Баргмана ни угрызений совести, ни жалости испытывать он просто не может. Тем более любить. Желание обладать - да! Чтобы доказать окружению, что он может все, чего бы это ему ни стоило. Кстати, мне показалось, что Баргман еще не обжил, не присвоил себе эту роль, пусть уничтожат меня его горячие почитательницы-театралки, чье имя - легион. Платон мне друг, но истина дороже.
Самой сильной актерской работой в спектакле "Приюта комедианта" , на мой взгляд, является роль Карандышева, которую сыграл О. Рязанцев. Что такое Карандышев? Маленький человек, но скорее из Достоевского, чем из Гоголя. С раздраженным самолюбием и большими амбициями. Карандышев уязвлен пренебрежительным отношением к нему хозяев жизни и в то же время мечтает войти в их круг. Атмосфера расчета несовместима с живым чувством. Фигура это противоречивая, трагикомическая - есть где разгуляться такому актеру, как Рязанцев. Интересно, как бы это сыграл В. Бугаков? Ведь явно иначе! Как?!
Как-то так сложилось, что образ Хариты Игнатьевны Огудаловой мне казался однозначным: деловая, проворная, энергичная, бойкая женщина, не менее циничная, чем дельцы, претендующие на товар, которым она торгует - ее дочерей. Огудалова в трактовке Анны Вартаньян вызвала у меня не столь категоричные чувства. Она моложе и привлекательней, чем та, какой ее обычно играют. И - сложнее. Я воспринял ее как героиню, в большей степени чеховскую и в слабостях своих привлекательную, душевно более тонкую и даже изящную. Она в спектакле Баргмана - более мать, пытающаяся после смерти мужа пристроить своих дочерей - бесприданниц, чем базарная торговка. Ей можно посочувствовать. Это Огудалова, сыгранная в стиле Марины Нееловой. Не знаю, как бы восприняла такую оценку А. Вартаньян, но для меня это безусловный комплимент ей.
Я очень жалею о том, что не увидел в роли Робинзона Геннадия Алимпиева. (К Пламену Пееву, второму исполнителю этой роли, очевидно, надо привыкнуть) Робинзон - персонаж, важный для режиссера этого спектакля. Это не просто комическая его составляющая. Именно ему доверено начать и завершить представление. Фраза "О, варвары, о, разбойники! Ну, попал я в компанию!" в пьесе звучит комически. (Я вообще воспринимаю этого героя как Кота Бегемота, но не Булгакова, а Островского: хулиганистого, смешного и обаятельного. Фраза Робинзона "Как, сразу на ты? Мы с вами брудершафта не пили" сразу вызывает в памяти аналогичную из уст булгаковского героя). В спектакле эти слова превратились в : "О люди, порожденье крокодилов... "(которые произносит актер Несчастливцев в "Лесе", цитируя, в свою очередь," Разбойников" Шиллера) и воспринимаются как комментарий к происходящему античного Хора. Именно они начинают и завершают спектакль. Драматург любил и ценил актеров. Режиссер доверяет в своем спектакле провинциальному актеру Аркадию Счастливцеву выполнение сверхответственной функции античного хора, не особенно противореча драматургу. Робинзон, как и главная героиня, становится жертвой жестоких игр паратовых и вожеватовых, пообещавших ему Париж, но жертвой комической, в отличие от Ларисы.
Собираясь писать о Бесприданнице, я был уверен, что обязательно использую фрагмент песни Нателлы Болтянской (многие знают ее как журналистку, ведущую "Эха Москвы", но она еще и бард, это совсем не очередная профанация: кто только не именует себя бардом сегодня!), которая так и называется - "Посвящено героиням Островского". Но вот уже пора кончать, а я так и не процитировал то, что намеревался. Использую фрагмент песни в качестве завершения. Ведь спектакль А. Баргмана, как и песня Н. Болтянской, посвящен прежде всего героине Островского, какие бы там талантливые актеры в остальных ролях ее ни окружали.На упреки актера Александринки К. Варламова Островскому в том, что тот идеализирует женщину, драматург ответил: "Как же не любить женщину! Она нашего бога родила." Не знаю, попадалось ли А. Баргману это признание драматурга. Наверняка, готовясь к постановке "Бесприданницы", он много читал. Дух, основной пафос его спектакля, на мой взгляд, этому убеждению Островского не противоречит. А теперь вышеупомянутые стихотворные строки:
Признанием обманным улестят без венца,
И - за реку с цыганами да с черного крыльца.
Все лучше ведь, чем дома-то скучать, судьбу кляня.
А после - мало ль омутов на Волге для меня?
Скажете: но здесь, скорее, "Гроза", чем "Бесприданница"! Отвечу: здесь Русский мир, который страдает и радуется, смеется и плачет. А это территория драматурга Александра Николаевича Островского!
Николай Степанов, член жюри «Театрала»
"БЕШЕНЫЕ ДЕНЬГИ", реж. Ю. Цуркану, театр им. ЛЕНСОВЕТА
В 2023 году мы отмечаем 200-летие со дня рождения замечательного драматурга Александра Николаевича Островского. Справедливо считают, что с Островского начался русский драматический театр. Конечно же, театры страны подготовили к юбилейному году постановки по произведениям выдающегося автора. Не стал исключением и Санкт-Петербургский Театр им. Ленсовета, который в этом году отмечает свое 90-летие. В конце ноября 2023 года режиссер Юрий Цуркану представил спектакль "Бешеные деньги". Примечательно, что 19 ноября 1933 года именно с постановки этой пьесы Островского начал свой путь Новый Театр (Театр им.Ленсовета). В новом спектакле задействованы как артисты старой школы, так и молодые исполнители. Яркие выходы Олега Андреева (Иван Петрович Телятев), н.а.России Анны Алексахиной (Надежда Антоновна Чебоксарова), н.а.России Сергея Мигицко (Григорий Борисович Кучумов), Антона Багрова (Савва Геннадич Васильков), Максима Ханжова (Егор Дмитрич Глумов), Дианы Милютиной (Лидия Юрьевна Чебоксарова), Всеволода Цурило (Василий) сопровождались аплодисментами. Думается, Олег Андреев и Антон Багров определенно претендуют на получение высших театральных премий страны за создание выпуклых и запоминающихся образов. Студенты СПбГИКиТ, исполняющие роли гуляющих, отточенными движениями (режиссер по пластике Калерия Алексеева) оттеняли музыку з.а.России композитора Евгения Стецюка. Особо хочется отметить художников спектакля Николая Слободяника (художник-постановщик), Нику Велегжанинову (художник по костюмам), Дениса Солнцева (художник по свету). Публика тепло приняла новую работу Юрия Цуркану. Это еще один подарок нашего города к юбилею великого драматурга, члена-корреспондента Петербургской академии наук Александра Николаевича Островского, произведения которого актуальны во все времена.
Ольга Бочкова, член жюри общества «Театрал»
БЕРГМАН ПРОТИВ БЕРГМАНА?..
Спектакль «ЧАС ВОЛКА» в Санкт-Петербургском драматическом театре «Круг». Режиссёр — Сергей Егоров
Когда Сергей Егоров, художественный руководитель театра «Круг», поставил спектакль «Персона» по сценарию одноимённого фильма Ингмара Бергмана, это была, понятно, не попытка посоревноваться в выразительности методами театра с кинематографом (причём ярко выраженным «театральным» кинематографом великого шведа), а прежде всего дань уважения Мастеру и проявление интереса к его творческой лаборатории.
Но вряд ли Сергей Алексеевич представлял себе, что вскоре ему случится войти в образ самого корифея авторского кино — да-да, именно сыграть Бергмана, причём не на съёмочной площадке, а в приватной обстановке, не полного творческих сил и замыслов, а доживающего последние свои дни.
Тем не менее есть такая пьеса — о том, как престарелого режиссёра посещает давно взрослая дочь.
Пьесу написала для постановки в «Круге» дочь Сергея Егорова.
Незачем говорить, что режиссёр и исполнитель главной роли имеет право транслировать зрителям через этот спектакль и собственный отцовский опыт. Но то, как он играет своего героя, во-первых, доказывает, что ему поднятая тема близка, а во-вторых, отзывается в зале переживанием глубоко личных для каждого, но во многом схожих историй о трудности выстраивания отношений между выросшими, занятыми собственной жизнью детьми и нуждающимися во внимании, а при этом зачастую утомительными в общении родителями.
Что ж, надо отдать должное драматургической компетентности Маргариты Егоровой: «чистота жанра» соблюдена. Двое близких родственников находятся в замкнутом пространстве в течение короткого промежутка времени. За это время они продемонстрируют зрителю непременный набор детских переживаний, запомненных впечатлительной натурой, и проявления своеобразно понимаемой родителями заботливости; пробуждаемые почём зря обиды младшего поколения на невнимание и непонимание, и те же претензии со стороны поколения старшего. Старикам, дескать, уже пора сходить со сцены, а они упрямо цепляются за жизнь, не отдавая себе отчёта в том, что выглядят карикатурой на себя прежних, и способны вызвать у детей, когда терпение последних на пределе, ощущение чрезмерно затянувшегося прощания…
Не стоит только анализировать, насколько сюжет пьесы совпадает с реальной хроникой жизни её героев: для создания, скажем, конфликтной ситуации, удерживающей своим развитием внимание публики, автор имеет право и на художественный вымысел. И вообще имя художника, при жизни окружённого легендами, неизбежно будет порождать новые и новые легенды — чем дальше от даты его кончины, тем больше.
Итак, в кои-то веки руководитель «Круга» отметил день своего рождения, 12 декабря, не уникальной сольной программой, не предполагающей повторения, а премьерой спектакля, обещающего пополнить репертуар театра. Или, вернее сказать, украсить его — как несомненная удача постановщика и обоих исполнителей его замысла.
Как верно передаёт актёр и «сам себе режиссёр» Егоров интонации обескураженного старика, когда тому кажется, что близкие люди его воспринимают как уже мало что помнящего в точности и туго соображающего! Как его герой всё время пытается оставаться ласковым и заботливым папой, каким он был (или, может, кажется себе нынешнему) раньше! Как ему хочется верить, что жизнь неостановима, пока ты пытаешься заполнить время любимым делом…
Маргарита Вафина, сыгравшая с Егоровым так много запоминающихся сценических дуэтов, и в этой семейной истории оказалась на высоте. Тем более что ей уже довелось стать бергмановской героиней в «Персоне» от театра «Круг». Внешняя отрешённость, досадливое нетерпение, саркастическое недоумение, глубоко запрятанное, но неизбежно вырывающееся наружу сочувствие — все коронные выражения подвижного, истинно актёрского лица можно наблюдать у неё в этом недолгом, но ощутимо «тягучем» (поскольку оно передаёт попеременно тягостные для обоих участников эмоции) действе.
И конечно, такой спектакль — для всех возрастов «от шестнадцати и старше». Пусть «Час волка» не только подарит поклонникам творчества Ингмара Бергмана как бы встречу с их кумиром в его частной жизни, а тем, для кого это имя мало что значит, даст повод поинтересоваться подробнее биографией одного из культовых кинодеятелей XX века и, может, посмотреть хоть один его фильм. Пусть новая работа театра «Круг» примирит представителей самого давнего из ныне живущих поколений с находящимися на пороге собственной старости потомками и удержит их от упрёков в эгоизме и чёрствости; пусть те, у кого есть родители преклонного возраста, постараются не раздражаться на них, а ценить даже недолгие минуты общения с ними как единственную реальную, но, увы, не вечную возможность прикоснуться к своему детству; пусть те, у кого ещё есть время что-то поправить в разлаживающихся отношениях с «предками», проникнутся и позаботятся об этом сейчас.
Театр не обязан никого ничему учить впрямую, но он способен напомнить человеку о его нерешённых (иной раз упрямо не решаемых) проблемах и позволить ему взглянуть на себя со стороны. Об этом никогда не забывает прошедший в юности хорошую школу становления в театральном деле и тщательно, вдумчиво доработавший сам себя до профессионала, дорастивший себя до наставника, которому есть что передать молодым, Сергей Егоров. И хорошо, что можно его поздравить не только с 60-летним юбилеем, но и с очередной — и, даст бог, далеко не последней — удачей на избранном пути.
Александр Моносов,член общества «Театрал»
Нам не дано предугадать, как наше слово отзовется…
Ф. И. Тютчев
Спектакль «БЕЗ ВИНЫ ВИНОВАТЫЕ». «Пушкинская школа». Режиссер Владимир Рецептер, сценография и костюмы Дениса Самойлова
«Без вины виноватые» —одна из последних пьес Александра Николаевича Островского. Несложный мелодраматический сюжет, который наверняка всем известен. Мать — знаменитая актриса — чудесным образом находит своего казалось бы потерянного сына. Одна из самых репертуарных пьес драматурга — ее ставили на сцене множество раз, снимали и фильмы. Почему? Вариант беспроигрышный. Ни актерам, ни режиссеру особо стараться не нужно. Вышибить «дежурную слезу» проще простого, надо лишь рассказать обо всем внятным языком.
Новая постановка «Пушкинской школы» лежит в русле традиций нашего классического театра. Система Станиславского в чистом виде, хотя сам этот термин употребляют сейчас не часто, словно стесняются. Психологический театр. Уважение к тексту. Минимум внешних эффектов, которые только мешают восприятию. И получилось — очень хорошо.
Почти все главные роли исполняют молодые артисты. Любовь Ивановна Отрадина (Елена Ивановна Кручинина) — Екатерина Вишневская. Муров — Денис Волков. Григорий Незнамов — Денис Третьяков. Нина Павловна Коринкина — Анна Миронова. Петя Миловзоров — Семен Вашулевский. Шмага — Владислав Пулин. Им под стать и другие актеры. Только Нил Стратоныч Дудукин чуть (совсем чуть) старше — Павел Сергиенко.
Кого-то хвалить, выделять, тем более критиковать было бы бестактно и даже кощунственно. Полная самоотдача, талант, уже накопленный опыт, точность каждого слова, жеста и движения. Примерно с 10-й минуты забываешь обо всем — о не самых удобных стульях, например. Небольшой зал как нельзя лучше подходит для такой постановки — каждая интонация, мимическое движение, даже взгляд — все как на ладони. Конечно, такая близость к зрителю таит свои опасности. Малейшая фальшивая нота, недоработка будет сразу замечена и снизит впечатления от ансамблевого действа. Но ничего этого не было и в помине. Все — по высшему разряду, отлично по самому что ни на есть гамбургскому счету. Особо следует отметить костюмы, словно чудесной машиной времени перенесенные из второй половины XIX века. Наверное, можно было немного добавить «черт эпохи» в декорациях, но это не ложка дегтя в бочке меда, а лишь субъективное замечание. Опять же потому, что великолепная игра актеров заставляет забывать обо всем на свете, кроме происходящего на сцене.
Итого — все чудесно, даже на пять с плюсом. И есть еще кое-какие нюансы, которые не сразу бросаются в глаза. Чтобы их увидеть и оценить, сравним постановку «Пушкинской школы» с двумя фильмами.
Сначала киноверсия 1945 года. Режиссер Владимир Петров, в ролях Алла Тарасова, Борис Ливанов, Алексей Грибов и юный Владимир Дружников. Фильм, конечно, яркий, с выразительной актерской игрой. Блистает А. Тарасова, покорил зрителя молодой В. Дружников. И на фильме лежит печать эпохи — то есть 1940-х годов XX века. В некоторых сценах российская жизнь века XIX почти окарикатурена. «Театральный пережим» ясно виден, хотя это кино и можно было бы обойтись более мягкими интонациями. Особенно это замечаешь, сравнивая фильм 1945 года с, например, спектаклем «Пушкинской школы».
Киноверсия 2008 года. Режиссер Глеб Панфилов. В ролях Инна Чурикова, Олег Янковский (лебединая песня актера), Альберт Филозов, Дмитрий Певцов, Иван Панфилов (сын И. Чуриковой и Г. Панфилова) в роли Незнамова. «Театрального пережима» меньше, но совсем без него не обошлось. Этому фильме досталось больше всех. Особенно критика гнобила — другого слова не подобрать — Ивана Панфилова. Дескать, сынка пристроили в актеры, и ничего у него не получилось. Ну и на возраст исполнителей главных ролей не постеснялись попенять. По-моему же, И. Панфилов справился со своей ролью вполне достойно, на твердую «четверку» как минимум. А в заключительной «ударной» сцене он просто хорош. Заметим, что сам А. Н. Островский считал роль Незнамова самой сложной. И, конечно, театральная жизнь второй половины XIX века, да и всей тогдашней России, показана без предвзятости и нарочитого негатива. Только губернатора с женой слегка окарикатурили — но как же без этого?
Спектакль «Пушкинской школы» словно взял лучшее из этих двух фильмов, особенно из второго. Никакого «театрального пережима» нет и в помине. Портрет эпохи А. Н. Островского написан точным сценическим языком. Образ времени иррационален как сама жизнь и абсолютно достоверен. Эта художественная правдивость достигается всеми средствами — они перечислены выше. Талант, хороший вкус, самоотдача, работа костюмера и прочее. Плюс молодость актеров, которая, увы, преходяща.
У спектакля «Пушкинской школы» есть только один, но очень большой недостаток. Он недолговечен. Как прекрасный срезанный цветок, время которого трагически коротко. Если вам удастся увидеть «Без вины виноватые» в Доме Кочневой — считайте, что вам необыкновенно повезло.
Дмитрий Благов, Общество «Театрал»
Театр «Балтийский Дом». Малая сцена. А. Арбузов «ТАНЯ». Режиссер - В. Дембовский. Сценография - А. Разенкова. Композитор - Г.Колядин. Актеры: А. Щетинина, А. Воробьев, В. Зайцева, М. Лысюк, С. Ионкин, Н. Парашкина, Д. Мукоян, В. Передков.
Когда-то давно, году в 1963, видела спектакль по этой пьесе Арбузова в театре им. Ленсовета с Алисой Фрейндлих в главной роли. Почему-то ничего не записала по своей привычке. Пьесу тогда не читала, все в ней было открытием. Смутно помню первый акт, сцену с Дьячковым. Я тогда не приняла уход Тани от мужа, не поняла. Потом был х/ф, где играли О. Яковлева, В. Гафт, Н. Волков. Мне кажется, что Ольга Яковлева приносит в роль (по-моему, и в другие тоже) слишком много себя, я не всегда ей верю. Хотя фильм интересный. И вот новое прочтение. Честно говоря, побаивалась идти. Страшновато было, что режиссер перенесет куда-нибудь действие пьесы, хотя там точно обозначены годы (но кого это сейчас останавливает?), снабдит героев мобильными телефонами, повесит на заднике экраны и пр. Слава Богу!, этого не произошло. Режиссер сумел «умереть» в актерах, а актеры сумели сыграть свои роли естественно, органично, серьезно. За что им отдельное «спасибо». Режиссер лишь «добавил» несколько стихов из сна Татьяны из «Онегина», очень к месту, ничего не нарушив, немного увеличив тем самым объем роли. Таня тут (отличная работы Анны Щетининой), действительно, любит, не потому что в начале «растворяется» в своем Германе, а потому что отпускает его, она знает о нем больше, чем он сам.
Спектакли о любви в последнее время не очень-то удаются, потому что и пьесы почти не пишутся (все о бизнесе, поисках денег, самоутверждении за счет других), а, может, и любить разучились, привыкнув все покупать. Я заметила, что зрители очень внимательно, с интересом смотрели и следили за действием, даже телефоны никто не доставал, а когда выходили, одна девушка сказала: «Так хорошо со мной поговорили». И, действительно, спектакль этот - непростой, трудный, откровенный разговор о жизни, о любви, о работе, о дружбе (даже слова некоторые исчезли из нашего лексикона).
Татьяна Платонова, член жюри общества «Театрал»
Театр «Монплезир». «ПИКОВАЯ ДАМА».
К моему огромному сожалению, в Петербурге еще мало известен театр «Монплезир». Недалеко от станции метро « Садовая» на тихой улочке в глубине двора скрывается самая обычная дверь, а за ней такой уютный и уже ставший родным театр!
Театр «Монплезир» - не младенец, ему уже более 35 лет, за эти годы театр успел доказать всем, что он заслуживает внимания к себе. В декабре 2021 года театр прочно обосновался в Санкт-Петербурге, по адресу Большая Подьяческая, д.14. Основу репертуара театра составляют легендарные моноспектакли, созданные за эти годы петербургским актером и режиссёром Игорем Лариным. Мне посчастливилось побывать и на открытии новой сцены, и на многих премьерах театра – часть моего сердца навсегда похитил «Монплезир».
В конце ноября 2023 года театр представил премьеру «Пиковая Дама» , и я, не раздумывая, отправилась на свидание с «Монплезиром». Театральная сцена совсем невелика, обычно в постановке задействовано не более 3-4 актеров, так как же можно воплотить такое произведение в этом театре? Отвечу: « ГЕНИАЛЬНО» и не хочу категорически добавить « просто»!!!
В постановке задействовано всего три актера, конечно же, воплощены герои Герман и Лиза, ну и, разумеется, сам создатель театра Игорь Ларин предстал в нескольких ролях второстепенных героев драмы, неизменно именно его герои создают настроение всей постановки . Вы спросите: « А как же Старуха Графиня?» Ее будут играть все актеры по очереди, на мой взгляд, это и есть главная изюминка постановки. Графиня в одной сцене станет очень похожей по своему характеру и поведению на Германа: расчетливой и жесткой, в другой - на свою воспитанницу Лизу, став чуть нежнее и женственнее, то вдруг огромной и властной – вобрав в себя всю мощь пьесы.
Полтора часа спектакля пролетели как один миг, после того, как вспыхнул свет в зале, театр просто взорвался криками «Браво!» - для создания запоминающихся постановок не нужны ни огромные сцены, ни богатые костюмы или компьютерные декорации , нужно одно : ТАЛАНТ – а он в этом маленьком театре огромный!
Наталья Осокина, член жюри общества «Театрал»
Театр «На Литейном». Спектакль «С НОВЫМ СЧАСТЬЕМ!» по пьесе «Дуры мы, дуры…»
В нашем мире не хватает добра и теплоты, и, увы, суровые будни с каждым годом все больше и больше заставляют нас натянуть броню на наши сердца. Премьера театра заставляет нас вспомнить, что самым главным в этом мире, несмотря ни на что, остаются доброта, любовь и вера в чудеса!
Если у вас предновогодняя хандра, вы устали от бешеной гонки современной жизни, просто купите билет в театр и отправляйтесь на встречу «С новым счастьем!» - блестящей работой режиссера и художественного руководителя Театра «На Литейном» Сергея Морозова.
Я специально не отделяю название постановки «С новым счастьем!» от названия пьесы «Дуры мы, дуры…» - это не «Гамлет», не « Вишневый сад»- это постановка о современных женщинах, для современных женщин – смотреть всем мужчинам обязательно!
Три подруги Татьяна (Татьяна Тузова), Лариса (Полина Воронова) и Наиля (Ася Ширшина) спонтанно решают встретить новый год вместе, смеются, плачут, делятся своими горестями и радостями. Они притаскивают из парадной к себе под елочку пьяного Деда Мороза, поют караоке, выпивают и закусывают под бой курантов и обращение к россиянам главного «Мачо страны» , как с любовью называют они Президента. Вообще весь спектакль хочется разобрать на цитаты, настолько он получился близким и радостным!
Все действие сопровождают три ангела, смешные, несуразные, но они каждый раз спасают героинь и помогают им, а самое главное - помочь спектаклю могут и зрители, ведь именно зрители решают, куда повернется сюжет. Несколько раз действие останавливалось, и зрители голосовали за то, как стоит поступить героиням и что будет дальше.
Отдельно хочу отметить необычные 2Д декорации спектакля, для меня это было напоминанием, что все вокруг нас - просто мишура и декор, просто белые, нарисованные черным фломастером предметы – а настоящие только мы сами и наши поступки!
Я обязательно еще побываю на этой постановке, думаю что даже и не раз, ведь это лучшее лекарство от любых невзгод.
Наталья Осокина, член жюри общества «Театрал»
Детский музыкальный театр «Зазеркалье». «СИНЯЯ ПТИЦА». Сергей Плешак. Мюзикл в 2 действиях. Либретто Николая Голя по мотивам пьесы Мориса Метерлинка.Режиссёр-постановщик Александр Петров.
Итак, в «Зазеркалье» теперь есть «Синяя птица». Даже странно, что это произошло только сейчас, ведь в театре, названном как некое вымышленное пространство в сказке об Алисе Льюиса Кэррола, ожидаемо поставить сказку Метерлинка, где основное действие происходит в подобном же месте. Да и вообще обе философские сказки имеют столько общего, гармонично сочетая дидактику и лирику, философские размышления и необыкновенные приключения.
Но вот, наконец, свершилось. И что же получилось? А получилось симпатичное, умное и зрелищное действо. Наверное, по-другому, в данном случае, и не могло произойти.
Сначала легендарный Орфей первой советской рок-оперы Альберт Асадуллин и продюсер Сергей Скоморохов сделали руководству театра в лице режиссера Александра Петрова и дирижера Павла Бубельникова предложение, от которого они не смогли отказаться: музыкальной спектакль по «Синей птице» Метерлинка, где сам певец исполнит одну из ролей. Затем театр сделал аналогичное предложение композитору Сергею Плешаку, который в проверенном тандеме с поэтом Николаем Голем в рекордные сроки выдал «на-гора» мюзикл в двух действиях, проявляя высший пилотаж лаконичности, утрамбовывая до таких размеров «феерию в шести действиях, двенадцати картинах». В результате получился внятный, крепкий по драматургии и точный по созданию эмоционально насыщенной атмосферы музыкальный опус.
И гендерная замена феи Берилюны на волшебника по имени Свет, дающая возможность Асадуллину выступить в достойной партии, ничуть не напрягает, и кажется резонной. А в музыке Плешака радует яркая театральность, живость, разнообразие тем ,и к тому же, она легко «ложится на ухо». Итак, Тильтиль и Митиль, отправляются на поиски птицы Счастья более прямой и укороченной дорогой по просьбе не феи, а волшебника, и в хорошем музыкальном сопровождении. И тут в дело вступает театр
Постановкой спектакля занялся сам Александр Петров, а музыкальной частью представления - Артур Ерансов. И поскольку путешествуют брат с сестрой по некоему сказочному измерению, то в театре позаботились, чтобы оно было и магическим, и волшебным, и колдовским, и завораживающим. Причем здесь в ход идет все: и известные с незапамятных времен ростовые куклы, и ставший уже привычным «спецэффектный» дым, и традиционные театральные люки-провалы, и современные мультимедийные технологии. Бригада магов - волшебников в составе художника - постановщика Наталии Клеминой, художника по свету Константина Бинкина и создателя видеоконтента Игоря Домашкевича удивительно гармонично и стильно создает исполненный чудес и окутанный тайной феерический мир сказки. Даже в какой-то момент начинает казаться странным, как можно было ставить эту пьесу Метерлинка без современных технологий. Но только на мгновение, ведь как бы ни было зрелищно организовано сценическое пространство, в театре главное не это. И минуя, как всегда в «Зазеркалье», хорошо звучащий оркестр, перейдем тому, что происходило на сцене. А там мальчик и девочка ищут Синюю птицу Счастья в каком-то неведомом и мистическом измерении вместе с совершено невероятными спутниками: Молоком, Сахаром и Хлебом, а еще, с вдруг разговорившимися не в меру, кошкой и собакой. И, конечно же, с инициатором всей этой экспедиции, то ли стариком соседом Светеборгом, дедушкой тяжелобольной девочки, то ли с волшебником Светом. И с кем только они не встретятся на этом пути: с умершими дедушкой и бабушкой, с Ночью и ее кошмарами, со странным Вороном, с обитателями враждебного леса, с манящими Наслаждением и Сладостью и с большим скопищем еще неродившихся детей под неусыпным контролем Старца Времени. Как видно из этого, спектакль густонаселен персонажами, для которых в репертуарном музыкальном театре необходимо иметь два, а лучше три состава.
Для этого Александр Петров задействовал не только артистов своего театра, но и студентов своего курса РГИСИ, также привлек детскую студию музыкально-драматического театра «Синяя птица». Не стоит забывать и о двух приглашенных солистах Альберте Асадуллине и Антоне Авдееве. Они оба - звезды мюзиклов и рок-опер, только разных поколений. Со столь разномастным составом трудно создать гармоничный ансамблевый спектакль, но Петрову это удалось. Никто не тянет одеяло на себя, никто не играет вполсилы – все стройно и согласованно, что является необходимым условием для постановки мюзикла. И вот тут есть одно «но». Назвать этот спектакль мюзиклом, в полном смысле этого слова, нельзя, хотя в нем есть много музыки, хороший вокал, внятные диалоги, зрелищные сценические и визуальные эффекты, но совершенно отсутствует хореография, есть лишь какие-то намеки на пластические решения, поэтому лучше бы на афише обозначить «Синюю птицу» в старых добрых традициях отечественного театра - «музыкальный спектакль».
Но как бы не классифицировал театр свой спектакль, юные (и не только) зрители после его окончания уходят, твердо зная, что близкие не умирают пока о них помнят, что ночные кошмары исчезают, как только перестаешь их боятся, что чтобы осилить «лесное» дикое зверство, с ним надо бороться, что постоянное наслаждение - это мнимое счастье и что смысл рождения человека - в принесении чего-то миру. Ну и, конечно, понимание того, что за Синей птицей не обязательно идти далеко, даже если там видятся целые стаи лазоревых пернатых. Ведь только вернувшись в согретый Материнской Любовью дом, Тильтиль и Митиль находят настоящую Синюю птицу.
«Так найди, примани, не спугни ее.
Пусть творит для людей чудеса
Птица Синяя, синяя-синяя,
Ярко-синяя, как небеса!»
Вот такой детский и не только спектакль появился в театре «Зазеркалье», и он настолько новогодне-рождественский, что даже странно, что его поставили в январе в репертуар всего два раза. Но когда бы его не ставили на афишу, он, несомненно, будет аншлаговым. И «Птица Синяя, синяя-синяя» надолго поселится в детском музыкальном театре.
Елена Блох, член жюри общества «Театрал»
"БИЛОКСИ БЛЮЗ". Театр "Легенда", режиссер Саша Сергеев.
Блюз (англ blues devils "уныние, хандра") - вид афроамериканской традиционной музыки.
Зародился в конце 19 века в афроамериканском сообществе юго-востока США.
(Из Википедии)
Художественный руководитель театра "Легенда" режиссер Саша Сергеев поставил спектакль по пьесе Нила Саймона "Билокси блюз". Саймон - один из самых успешных американских драматургов второй половины 20 века, известный российскому зрителю комедиями " Босиком по парку" (экранизация 1967 года с великолепными Джейн Фондой и Робертом Редфордом в главных ролях), "Последний пылкий влюбленный" ( с Владиславом Стржельчиком и Алисой Фрейндлих) , "Калифорнийская сюита" и другими. Конечно же, он несопоставим по значению с О'Нилом, Тенесси Уильямсом или же Артуром Миллером. Это "первоклассный второсортный" писатель, хоть и отмеченный Пулитцеровской премией и тремя премиями Тони- одной из них - именно за пьесу "Билокси блюз" . Но при всем при том - любимый театралами всех возрастов и национальностей, заставлявший их смеяться почти 70 лет. И плакать, хотя чаще всего от смеха. Это не было самоцелью писателя. Вот его совет начинающим драматургам:"Не пытаться сделать это смешным, а постараться сделать это реальным. И тогда получится комедия." И еще одно признание: "Когда я писал пьесы, всегда писал смешные драмы." (Жанр спектакля С. Сергеева обозначен как комедийная драма). Смех сквозь слезы. Как близко это зрителю, воспитанному на произведениях Гоголя и Чехова!
Итак, " Билокси блюз". Действие пьесы происходит в Билокси - небольшом американском городке, куда направлены молодые герои, призванные в армию, для подготовки к отправке на фронт в разгар Второй мировой войны. В спектакле " Легенды" время действия изменено - героям предстоит воевать во Вьетнаме. Опыт службы автора в резерве ВВС США лег в основу его пьесы, она полуавтобиографична. Один из героев, рядовой Юджин, к тому же, мечтает о писательстве, готовится к этому, ведя дневник.
Материал сам по себе - не для типичной бродвейской комедии. 4,8 человека из 6, по прогнозам журнала "Тайм", на который ссылается один из героев, погибнут на войне. У пьесы есть послесловие. Устами Юджина, ставшего в результате военным корреспондентом, сообщается о том, что только один из пяти отправленных на фронт героев пропал без вести, остальным, можно сказать, повезло: кто-то отделался ампутированной ногой, кто-то ранением в позвоночник и комиссованием, а кто-то всего-навсего... перестал петь. Вообще, это редкая для Саймона пьеса, в которой есть исторический контекст - Вторая мировая война. Но и эта пьеса сделана по классическому для Бродвея рецепту: с неожиданными, эффектными сюжетными поворотами, с чередованием комического и драматического, медленного и быстрого, с хорошо выстроенными диалогами, непременными репризами. Да, суровые армейские будни, муштра, наказания. Да, полусумасшедший сержант, который пытается садистскими способами воспитать в молодых героях идеальных солдат. Но параллельно с этим - трогательные и невероятно смешные сцены: вот будущие бойцы, а по возрасту, жизненному опыту и идеалам - мальчишки, фантазируют о том, как бы они провели последнюю неделю в их жизни. Вот они во время увольнения отправляются в публичный дом - некоторые для того, чтобы лишиться невинности. Перефразируя Л. Толстого: "Милая, невозвратимая пора... юности! Как не любить, не лелеять воспоминаний о ней?!" Именно этим пафосом, на мой взгляд, пронизана пьеса Саймона. Пафосом, кажется, невозможным тогда, когда речь идет о казарме, дедовщине...Когда нелепые, смешные парни, разные, уникальные по существу - есть среди них и интеллектуал, и вечно сексуально озабоченный, и меломан - все должны стать жертвами страшной военной статистики : примерно четверо из шести должны погибнуть. Именно этим пафосом, я думаю, пьеса Саймона привлекла режиссера Сашу Сергеева.
Спектакль "Билокси блюз" совершенно органично вошел в репертуар театра "Легенда", в котором любят, умеют ставить комедию и играть в ней. . И не устают от этого! Что я имею в виду? Прежде всего, существование актеров на сцене. Достаточно театров, в которых исполнение даже комической роли для актера - рутина, давно приевшаяся обязанность. Для артистов "Легенды" хорошая комедия (а Саймон других не писал) - вечный праздник, сколько бы они в ней ни играли! Замечательны Максим Фадеев в роли сверхсексуального Виковского, Виталий Григорьев в роли Роя Селдриджа и Антон Емельянов-Молчанов в роли Дона Карни. Кажется, что может противопоставить"звероящеру" сержанту Туми отнюдь не воинственный по фактуре Арнольд Эпштейн, которого сыграл Алексей Седов?! Чувство собственного достоинства и способность к состраданию. Причем он совсем не идеален: слишком рационален, совсем не образец мужества и самоотверженности. Но в поединке с сержантом он побеждает. И эта неоднозначность персонажа вполне убедительно сыграна актером. В программке к спектаклю не указан второй исполнитель роли рассказчика Юджина. Только Василий Башмаков. И, может, это неслучайно. Актер настолько соответствует своей роли, что о втором составе у режиссера и мысли не возникало. Так или иначе спектакль Саши Сергеева, посвящен поколению, которое страна потеряет
Очень важную для пьесы роль сержанта Туми сыграл Виталий Татаринович. Достаточно темпераментно, мощно. Но образ, созданный актером, мне показался слишком демонизированным. По сути, Туми как раз идеальный военный, как он сам себе это представляет. И намерения у него самые благие - подготовить идеальных солдат. И мучает он их для их же блага - шансов остаться в живых у подготовленного человека гораздо больше. Оказаться в госпитале ветеранов для Туми - катастрофа, армия была для него смыслом жизни. И попытка убийства Эпштейна - это, скорее, представление, цель которого - избежать этого госпиталя. В спектакле же эта сцена сыграна в духе триллера. Так мне показалось.
Музыка группы Queen настолько самодостаточна и известна, что мысль использовать ее в спектакле не казалась мне удачной. Уж лучше какие-нибудь блюзы. В смешных сценах они были бы в самый раз! По контрасту. В несмешных - тем более. И напрасно сомневался : ритм, настроение спектакля задавались и музыкой в том числе. Тем более, что среди героев был меломан, и Queen вполне мотивированы.
"Билокси блюз" Саймона - больше, чем просто хорошая комедия. И, по-моему, режиссер Саша Сергеев прекрасно это понимал. Финал спектакля немедленно вызывает в памяти финал другого, более известного произведения - романа Ремарка "На Западном фронте без перемен". Главный герой его, участник Первой мировой войны, немец по национальности, также рассказчик, от лица которого ведется повествование, погибает, как и многие его друзья. Финал мощный: гибнет главный герой, чей голос сопровождал весь фильм, а в газетах все так же буднично пишут о том, что" на Западном фронте без перемен" . В спектакле Саши Сергеева письма Дэзи, девушки, которую все-таки успел встретить Юджин, находясь на военных сборах, и которая, выйдя замуж за доктора, отправляет Юджину открытку каждый раз, когда у нее рождается ребенок, он никогда не прочитает. Потому что он попал в те 60%, которые по статистике погибают в войнах. Три задачи ставил перед собой Юджин: остаться в этой войне в живых, стать писателем и утратить невинность. Справился только с последней. Такая вот не-Бродвейская история. Не совсем по Саймону. Но жанру блюза спектакль Саши Сергеева соответствует более, чем сама пьеса Саймона. Блюз действительно - музыка печальная.
Николай Степанов, член жюри «Театрала»
Театр-фестиваль « Балтийский дом». Спектакль "ПИКОВАЯ ДАМА". Режиссёр Наталья Индейкина.
В сентябре в « Балтийском доме» состоялась премьера спектакля "Пиковая дама"в постановке Натальи Индейкиной. Спектакль поставлен по мотивам одноимённой повести Александра Пушкина, в спектакле также используются письма и дневники поэта.Главное в повести Пушкина - тема предсказуемой судьбы, фортуны, рока.
В спектакле показана история главного героя Германна, в которой все подчинено страсти и соблазну получить лёгким путём огромные деньги. Лёгкие деньги - это счастье, удача или происки дьявола? Молодой военный инженер немец Германн ведёт скромную жизнь и копит состояние, он даже не берёт в руки карт и только наблюдает за игрой. Однажды, услышав от приятеля, графа Томского, что его бабушка-графиня владеет тайной, которая всегда обеспечивает выигрыш в игре в карты, рассудительный, рациональный, дисциплинированный немец поддается соблазну. Он решает выведать тайну трёх карт старой графини, дающих несомненный выигрыш, что приводит к неожиданным трагическим последствиям.
В спектакле сам Пушкин вместе с Германном становится одним из игроков, поэтому наравне с сюжетной линией Германна и Пиковой Дамы проходит линия Пушкина и царя Николая I,которые ведут спор о разуме и страсти.
Зрители располагаются на сцене лицом к зрительному залу, который скрыт полупрозрачным занавесом. В финале, когда к Германну является призрак графини, внезапно занавес перед зрителями разъезжается, и открывается перспектива зрительного зала, а там - длинный помост с подъёмом, на вершине которого появляется ярко освещенный силуэт графини, как будто реальный призрак или нечто инфернальное. И Германн медленно идёт к ней.Очень эффектная неожиданная сцена.
В спектакле придумана интересная сценография: никаких перемен декораций, всё уже стоит на сцене. С одной стороны - игорный стол, рядом ждёт своего часа карета, с другой стороны - огромный стол, который используется и по прямому назначению, и может трансформироваться в гроб. По всей сцене несколько дверей, через которые появляются или исчезают герои этой истории.
Спектакль - микс из нескольких жанров: драмы, чёрного юмора и трагифарса. Несмотря на фантасмагорию с элементами мистики и гротеска, спектакль серьёзный и вдумчивый, раскрывает тему человеческой слабости, страстей и их разрушительной силы.
Артисты играют в непосредственной близости от зрителей, что позволяет замирать от ужаса, смеяться над происходящим на сцене хулиганством и восхищаться блестящей актёрской игрой! Особенно понравились искромётной игрой , стильным изображением поэта Александра Сергеевича П. Иван Капорин, точным попаданием в образ нервного и одержимого выигрышем Германна Дехиар Гусев, потрясающей органикой в исполнении роли Лизаветы Ивановны Виктория Зайцева и созданием великолепного эксцентричного образа графини Валентина Виноградова.
Спектакль необычный, динамичный и интересный!
Спектакль понравился театральностью, необыкновенной фантазией и музыкальным оформлением!
Г. Никольская, член жюри общества«Театрал»
Театр Балтийский Дом. Спектакль «ПИКОВАЯ ДАМА» (по повести Пушкина). Режиссер Н.Индейкина. Художник Е.Вершинина. Исп: В. Виноградова, Д. Гусев, В. Зайцева, Д. Ладыгин, И. Капорин, А. Тенетко и др.
«Пускай погибну я….» Действие этого странного, во многом неожиданного спектакля разворачивается то ли в мистическом Петербурге, то ли в загробном мире. Все герои уже погибли, но, по воле режиссера, возвращаются, чтобы рассказать о своей губительной страсти. Спектакль наполнен эксцентрикой, черным юмором, хоррором, трагифарсом — все существует вместе и разные времена. История Германна переплетается с историей Пушкина, с рассказом о его взаимоотношениях с Николаем 1, а история Лизы - с историей Татьяны (Лиза читает строки ее письма к Онегину). Но главной темой как главной страсти жизни всех героев является игра. Я бы поставила эпиграфом к спектаклю строку из мюзикла «Свадьба Кречинского» (слова К. Рыжова, музыка А. Колкера ): «Игра, идет игра, идет игра не на живот, а на смерть...» Да, здесь идет игра, игра губительная и разрушительная. И в то же время это гимн игре, когда человек знает, что проиграет и погибнет, но не играть не может. Играют не только в карты, играют жизнями, своими и чужими. Главной героиней спектакля является старая графиня. Я видела в этой роли В.Виноградову. Парашкиной, думаю, ближе эта тема по ее актерской природе. А для Виноградовой - роль « на сопротивление», но она получилась. Но, в целом, в спектакле главенствуют режиссер и оформитель. Все окружающие предметы затянуты паутиной и пылью времен, герои - не люди, а фантомы, и они то ли есть, то ли их нет (ощущение могильного ужаса и холода ). По-моему, в спектакле есть некоторый перебор в приемах, когда они перестают «работать», слишком большая концентрация их, но, в целом, это сильное высказывание о природе человека: « все, что гибелью грозит, для сердца смертного таит неизъяснимы наслажденья..» и в наше непростое время звучит весьма своевременно.
Татьяна Платонова, член жюри общества «Театрал»
«Театральная долина». Спектакль «ЦВЕТАЕВА»
В глубине Васильевского острова затерялся Музей современного искусства АРТМУЗА, который стал домом для «Театральной долины». Много ярких и запоминающихся спектаклей подарил уже нам этот театр, и, пожалуй, одним из самых впечатляющих для меня стала постановка «Цветаева», премьера, мимо которой не стоит проходить.
Спектакль "Цветаева" - это мощь, экспрессия, невероятная энергия и всепоглощающая любовь! Спектакль посвящен периоду отношений Марины Цветаевой и Константина Родзевича, которые продлились всего три месяца. В основу постановки легли две поэмы, написанные Мариной Цветаевой в этот период – «Поэма Горы» и «Поэма Конца». Я очень люблю творчество Цветаевой, и, конечно, не могла удержаться, чтобы перед походом в театр не освежить свои воспоминания и не перечитать эти поэмы. По окончании спектакля, через полтора часа, выйдя из зала, я поняла, что не знала, не понимала до конца Марину, строки вышедшие из-под ее пера. Эта постановка захватила меня целиком, ворвалась в мое сердце, перевернула мой мир.
Сценическое убранство отличается минимализмом – небольшой кофейный столик, пара табуретов и дорожка красной ткани, которая пересекает сцену как река. Стены задрапированы черной тканью, черное озеро сцены, черные проемы окон. На сцене только Марина, Константин и история их любви.
Гениальная актриса Мария Семушина смогла погрузить зрителей в яркую и трагичную любовь поэтессы: от широко распахнутых глаз до кончиков напряженно вытянутых стоп - все излучало любовь, боль, смятение героини. Даже необычное красно-черное платье актрисы стало действующим лицом, полотном, на котором запечатлевалась страсть героини.
Когда погас свет прожекторов и смолкла музыка, долгую минуту в зале стояла тишина, а после раздался гром аплодисментов, который не смолкал и не отпускал актеров со сцены! Большое спасибо «Театральной долине» за такой щедрый подарок зрителю!
Наталья Осокина, член жюри общества «Театрал»
Спектакль «КРУМ» в Камерном театре Малыщицкого по одноименной пьесе Ханоха Левина. Режиссер Петр Шерешевский. Сценограф Надежда Лопардина.
Пьесы Ханоха Левина стали привлекать внимание режиссеров, поскольку этого автора довольно часто сравнивают с Чеховым, ведь показывает он так называемых «маленьких людей», обычных, ничем особенным не отличающихся от нас с вами. Не важно, что пьеса написана в семидесятые годы прошлого столетья, не важно где происходит действие – оно происходит здесь и сейчас, прямо в нашем городе на наших глазах, герои живут среди нас. Не случайно в титрах мы видим «Аэропорт Пулково, 2023».
Зрители, которым пришлось разместиться на длинных рядах, протянувшихся из одного конца зала в другой, откуда практически можно было дотянуться рукой до актеров, сначала недоумевали, почему все пространство зала поделено на две части, как можно будет увидеть, что происходит за перегородкой с двумя проемами? На помощь пришла видеокамера - излюбленный прием Петра Шерешевского – онлайн-трансляция. На задниках сцены в обеих ее частях, поделенных на несколько экранов, можно было видеть все происходящее в любой ее точке, и даже то, что не предназначено для посторонних глаз: интимные сцены. Зритель находится в непосредственной близости от происходящего, может даже видеть себя на экране, когда актеры рассаживаются в ряд, изображая посещение кинотеатра. Мало того, мы, зрители, узнаем себя в героях, видим свои страхи и слабости, свои пороки и чаяния. Это, с одной стороны, очень безжалостный взгляд на себя, с другой – взгляд очень нежный, теплый, понимающий.
Актерский ансамбль, как всегда у Шерешевского, потрясающий. Одно слово – единомышленники. Александр Худяков, по-моему, один из самых любимых актеров Петра Юрьевича, исполнил главную роль Крума. Кстати, имена всех героев пьесы даны не просто так, они несут определенный смысл. Так, Крум на иврите означает «корка», «пенка». Теруда – «благодарная».
Итак, Крум - человек, который в 38 лет после поисков смысла жизни заграницей вернулся домой так и не найдя себя, полностью опустошенным, отчаявшимся, разочарованным, совершенно не способным любить, но который вдруг оказывается способен на чуткость и заботу об умирающем друге Тугати. Также, понимая, что разочаровал свою мать (ее играет очень точно Светлана Балыхина), не обретя успеха как писатель, не создав семью, Крум готов подушкой задушить мать - только бы не слышать упреки и не видеть укор в ее глазах. Но как он растерян, удручен, когда узнает, что мамы больше нет...
Женщину, что любит его, Теруду (яркая, но тоже неоднозначная трактовка роли Надежды Черных), Крум бессовестно использует, а затем безжалостно бросает в объятия ничтожного и на все согласного Тахтиха (актер Даниил Иванов). Теруда вызывает симпатию и жалость, но только вначале. Как меняется она, как превращается в неприглядное существо с прилипшей к губам сушкой, равнодушное и глухое к чужим чувствам и боли!
Еще один яркий образ – трогательная Дупа, подруга Теруды (успех чудесной Татьяны Ишматовой). Маленькая отчаявшаяся женщина, готовая от безысходности выйти замуж за любого, даже очень неприглядного мужчину - только бы не оставаться одной. Она готова уехать на край земли в надежде найти там свое призрачное счастье. Рельефный образ, вызывающий щемящее чувство сострадания и досады.
Отдельных слов заслуживают оба друга Крума – Тугати (блистательное исполнение Виктора Гахова) и Шкита (прекрасный Геннадий Алимпиев). И если Тугати, который вначале совсем не вызывает сочувствия, это скорее комичный образ человека, так и не начавшего жить (внушившего себе, что он очень болен, что когда-нибудь он получит точный ответ, когда же нужно делать зарядку: утром или вечером, начнет делать эту зарядку и обретет здоровье), то Шкита совершенно незаметно, практически ничего не произнося, неожиданно воплощает образ умного, наблюдательного и довольно решительного человека, который намерен в конце концов поменять эту серую безрадостную жизнь. Только удастся ли ему?
Вот уж кто никак не изменится, так это соседи Крума – Дольче (его играет Андрей Зарубин) и Фелиция (как будто и не играет на сцене, а просто живет Ольга Богданова). Их имена тоже говорят сами за себя. Эта удивительная парочка, одинаково настроенная на дармовую кормежку и выпивку на свадьбах и похоронах, явно не так проста. Оказывается, что и у них внутри «бушуют страсти» - нет там никакого согласия, а есть лишь презрение друг к другу и затаенная обида.
Все персонажи на сцене так или иначе вращаются вокруг Крума, все они довольно обычные, простые с виду люди. Вся основная цветовая гамма спектакля решена в серых, темных тонах. Но вдруг яркая вспышка – еще пара персонажей в розовом цвете. Это молодая женщина, подруга Дупы – Цвици со своим похотливым приятелем итальянцем. Актриса Светлана Грунина великолепно сыграла роль этакой эффектной пустышки, бессмысленной влюбленности Крума и тут же перевоплотилась в совершенно бездушную докторшу, констатирующую «механическим» голосом что-то о конце, который близок.
Спектакль закончен. Остались образы, яркие сцены, детали, наблюдения, догадки, которые не будут давать покоя, будут возникать совершенно неожиданно, возвращая нас мыслями в театр Малыщицкого.
Т. Проскунова, член жюри «Театрала»
Театр «Мастерская». Спектакль «ПЛАТОНОВ». Антон Чехов. Сцены из дачной жизни.
Спектакль проходит в пространстве парка и Музея-усадьбы Г.Р. Державина (наб. реки Фонтанки, 118).
Все чаще и чаще мое внимание не просто привлекают спектакли театра «Мастерская», а по-настоящему цепляют и поражают своей свежестью и яркостью. Бабье лето в этом году для меня завершилось спектаклем «Платонов», который выпорхнул со сцены и прочно поселился в пространстве парка и Музея-усадьбы Г.Р. Державина. Это непередаваемые ощущения, когда действие спектакля просто растворяется в природных и исторических декорациях. А ведь у каждого зрителя есть шанс стать частью этого нет, не спектакля, а истории, которая происходит перед вами. Если вы, как и я, любите прийти в театр пораньше, то вы можете на аллеях парка встретить героев сегодняшнего вечера, поиграть с ними в карты, выпить на брудершафт, просто поговорить о погоде или любви.
Хоть этот спектакль и первый «иммерсивный» опыт театра – он оказался очень удачным. Режиссёр – Сергей Паньков грамотно и на все 100% использовал антураж парка, зритель не успевал заскучать или, наоборот, устать, да и актеры действительно смогли погрузиться в судьбу героев, пережить ее.
Ну и как же без неожиданностей? В действие вмешался самый главный актер на этой сцене – непредсказуемая Питерская погода - в этот вечер зрителей и актеров щедро поливало дождиком. Приходилось прямо по ходу пьесы импровизировать, менять локации, подстраиваться под такой поворот сюжета. А вы бегали по парку под руку с главным героем, в попытке укрыться от непогоды? Я могу похвастаться теперь таким опытом! Не спасали от ненастья ни зонты, ни дождевики. Промокшие, но счастливые мы переместились в бальный зал усадьбы, где учились танцевать полонез, играли в ручеек, слушали романсы
Второе действие спектакля уже более традиционно, но заслуживает внимания не меньше. Я не люблю Чехова, особенно пьесу «Безотцовщина» (она же «Пьеса без названия»), но я влюбилась в постановку « Мастерской» «Платонов». Еще не выпал первый снег, а я уже жду, когда он растает, чтобы еще раз провести вечер с Анной Петровной Войницевой, Глагольевым Порфирием Семеновичем и, конечно, с Платоновым Михаилом Васильевичем на аллеях парка, вот только пусть в этот раз не будет дождя!
Наталья Осокина, член жюри общества «Театрал»
Театр Ненормативной Пластики. Спектакль "ЛЮБОВЬ ВО МНОЖЕСТВЕННОМ ЧИСЛЕ". Режиссёр Роман Каганович
Театр Ненормативной Пластики - это независимый петербургский театр, который в 2012 году создали Роман Каганович и Максим Пахомов. Режиссёр Роман Каганович ставит потрясающие спектакли с современной проблематикой. Это всегда спектакли с акцентом на пластику и на нетривиальную болезненную проблему. Театр Ненормативной Пластики своим главным средством выразительности считает именно тело, которое говорит больше и лучше слов. Этот язык универсален и понятен. Этот замечательный театр я открыла для себя в 2018 году и стараюсь не пропускать их премьеры.
В сентябре посмотрела премьерный пластический спектакль Романа Кагановича и Максима Пахомова "Любовь во множественном числе".
Начинающий Амур (Александр Худяков) попадает в мир людей, лишённых слов, где всё построено на движениях, чувствах и музыке. Амур ищет формулу идеальной любви, создавая одну за другой истории человеческих отношений. Любовь получается разная. Она бывает взаимной - тогда это счастье, прорастание друг в друге, единение; а бывает - физическим насилием, наполненной зависимостью и подчинением, потерей себя; бывает жалостью, жертвенностью или злобой! А ещё бывает конец любви... Постепенно Амура охватывает отчаяние, он сводит пары людей, дарит им любовь, но постоянно что-то идёт не так.
Спектакль состоит из бессловесных вариаций на тему любви через череду комических и трагических сюжетов, артисты используют только лишь пластику человеческого тела и апеллируют к чувственному восприятию зрителя. Каждый танец выражает совершенно неповторимую историю.
Артисты удивительно точно актёрски, очень эмоционально и физически совершенно, показали разного рода отношения! Это было так узнаваемо, что иногда до слёз! Артисты продемонстрировали потрясающую физическую форму, изумительную пластику, невероятное владение своим телом, синхронность движений и прекрасную актёрскую игру! Спектакль без слов, только хореография, пластика и прекрасно подобранная музыка.
В этом театре видела еще несколько спектаклей - "За белым кроликом","Посмотри на него", "Я. Л. А. С.", "Шиле", и каждый спектакль это - событие!
Спектакль "За белым кроликом" поставлен по одноимённой пьесе современного российского драматурга Марии Огневой. В основе пьесы лежит реальная история двух девятнадцатилетних девушек, опоздавших на последнюю электричку, остановивших ночную попутку, жестоко изнасилованных и убитых. Раздавленные горем, их матери подавлены депрессией и инертностью властей в расследовании убийства. Спектакль поднимает актуальные вопросы о черствости и безразличии в современном обществе.
Спектакль "Посмотри на него" поставлен по автобиографической книге Анны Старобинец. В основе постановки лежит драматическая история молодой женщины, узнавшей при очередном визите к врачу на УЗИ о несовместимом диагнозе с жизнью её ребёнка. Спектакль о переживании горя и столкновении будущей матери с антигуманной системой здравоохранения в России. Воплотить такой сюжет на сцене довольно сложно, так как эта тема слишком интимная и деликатная, но режиссёру Роману Кагановичу удалось при всей трагичности истории поставить спектакль не в чёрном свете, а с элементами трагифарса. История слишком типична для нашей страны, когда за внешними благополучными медицинскими статистическими отчётами выхолащивается терпимое, человечное отношение к любому больному человеку независимо от его статуса!
Спектакль "Я. Л. А. С." поставлен по рассказам Анны Старобинец. Четыре показанные любовные истории основаны на фантастических рассказах "Инкуб","Икарова Железа", "Я жду", "Крио". Спектакль для взрослых с разными, иногда болезненными, порой шокирующими историями о любви в разных её проявлениях. "Инкуб" о смертельно опасном вирусе, который быстро распространяется и поражает тело человека: оно покрывается чёрными корками, и человек окукливается как гусеница. На фоне пандемии разворачивается история созависимых отношений молодой пары. Тревожная "Икарова железа" - о том, как в недалеком будущем всем мужчинам в обязательном порядке будут удалять атавизм - икарову железу, тем самым отбивая тягу к полигамии. История взаимоотношений другой семейной пары говорит о слабости, эгоизме и страшном желании привязать к себе человека, подчинив его волю - лишь бы был рядом.А самая невероятная и прекрасная в своем безумии история - "Я жду" - о заплесневевшем борще и нездоровой привязанности героя, сыгранная с выдающимся комедийным талантом! Пронзительная "Крио" - о неумении проститься и отпустить человека даже после смерти. Спектакль-притча тревожит и пугает реалистичностью сюжетов!
Спектакль "Шиле" поставлен по пьесе Анастасии Букреевой, созданной по мотивам реальных, с элементами художественного вымысла событий из жизни Эгона Шиле - одного из ярчайших представителей австрийского экспрессионизма. Любому неординарному художнику всегда тяжело жить в современных реалиях, когда большинство не понимает и не принимает его живопись. Спектакль поднимает тему насилия тоталитарной машины над художником вообще.
Роману Кагановичу одинаково удаются остросоциальные постановки и спектакли про любовь, правда любовь у него соседствует с болезнью, мучением и хаосом. Вместе с тем, его постановки имеют терапевтический эффект. Спектакли шокирующие, в них часто присутствует обнаженка, нецензурная лексика, но эти приёмы используются не для эпатажа, а для усиления эффекта от происходящего на сцене. Спектакли всегда производят сильное впечатление!
В общем, замечательный настоящий театр, со своей изюминкой и своим неповторимым лицом! Настоятельно рекомендую пойти в Театр Ненормативной Пластики!
Г. Никольская, член жюри общества«Театрал»
Студия-театр Бызгу (СТБ). Спектакль "ЛЕТНИЕ КОМЕДИИ". Режиссёр Галина Бызгу
Студия-театр Бызгу - это молодой театр, созданный в 2022 году из выпускников РГИСИ курса Сергея Дмитриевича Бызгу. В июне у них состоялась очередная премьера спектакля "Летние комедии" в постановке Галины Бызгу. Спектакль поставлен по двум пьесам-шуткам А. П. Чехова "Медведь" и "Предложение".
В первой комедии "Медведь" играли Варвара Терехова (Елена Ивановна Попова, вдовушка), Максим Райчёнок (умерший муж Поповой), Юрий Дементьев (Григорий Степанович Смирнов, помещик) и Александр Дробитько (Лука, лакей). Интересная идея: вместо портрета умершего мужа на сцене посадить артиста Максима Райчёнка, не сказавшего ни единого слова, но прекрасно объясняющегося жестами и говорящей мимикой. Варвара Терехова в образе вдовушки в трауре показала всю палитру чувств от негодования до кокетства. Как она изумительно была хороша в сцене подготовки к дуэли!
Юрий Дементьев прожил на сцене состояние своего персонажа от ненависти до влюблённости в сильную женщину. Артисты все нюансы чувств великолепно продемонстрировали.
Во второй комедии "Предложение" умопомрачительно сыграли Владислав Низовцев (Иван Васильевич Ломов, сосед Чубукова), Александр Дробитько (Степан Степанович Чубуков, помещик) и Анастасия Филиппова (Наталья Степановна, дочь Чубукова). Владислав Низовцев так комично изображал мнительного жениха, который жаловался то на сердце, то на заболевшее плечо или ногу, что зал рыдал от смеха. А как персонажи Владислава Низовцева и Анастасии Филипповой жарко спорили по поводу кому принадлежат Воловьи Лужки или чья собака лучше - это надо видеть. Актеры в роли охотничьих собак - ломовский Угадай (Максим Райчёнок) и чубуковский Откатай (Юрий Дементьев) были совершенно прелестны.
Артисты выложились на все сто! Прекрасная пластика, музыкальность, вокал, актёрская игра - всё на высочайшем уровне!
Всегда легче поставить драму, нежели комедию, чтобы она соответствовала высокому уровню, в данном случае это и произошло, чеховская проза засверкала свежими яркими красками!
В спектакле прекрасно подобрана музыка, спектакль получился живой, искромётный, динамичный, всё из жизни, Чехову бы понравился! Спектакль чудесный!
Г. Никольская, член жюри «Театрала»
"ЦВЕТАЕВА". Антреприза Людмилы Никитиной, Театральная Долина. Режиссер Людмила Никитина
В основу премьерного спектакля Людмилы Никитиной легли две поэмы Марины Цветаевой: " Поэма Горы" и "Поэма Конца"- написанные в 1924 году (январь - июнь) в Праге. Их биографической подоплекой послужил роман Цветаевой и Константина Родзевича, продолжавшийся с сентября по декабрь 1923 года.
Если коротко, то "Поэма Горы" - плач по любви, уже завершившейся. "Поэма Конца" - описание того, как эта любовь рушилась. Вот мнение критика Марка Слонима:"Поэма Горы" - трагическая поэма любви, вознесенной над жизнью, вне жизни, как гора над землей, и жизнью земной раздавленная." Б. Пастернак был потрясен" Поэмой Конца" и писал Цветаевой:" Я четвертый вечер сую в пальто кусок мглисто-слякотной, дымно-туманной ночной Праги... качу к кому-нибудь, подвернувшемуся в деловой очереди, и прерывающимся голосом посвящаю их в ту бездну ранящей лирики микеланджеловской раскинутости и толстовской глухоты, которая называется "Поэмой Конца". С каким волнением ее читаешь! Точно в трагедии играешь. Какой ты большой, дьявольски большой артист, Марина! " Безусловно, это вершины цветаевского творчества.
Тем более необходимо сказать несколько слов о материале, с которым пришлось работать режиссеру спектакля и его группе, и об авторе, то бишь Марине Цветаевой.Поэт, по убеждению Цветаевой, это равенство дара души и глагола.Богатство личности определяется, прежде всего, богатством ее эмоционального строя. В этом смысле, по-моему, нет человека богаче Марины Цветаевой. Она была человеком страстей, всегда переживала чувство в его апофеозе. По словам А. Ахматовой, "Марина всегда начинает с самой высокой ноты" и держит ее на протяжении всего произведения. Она работает на голосовом пределе. Вообще, характеризуя ее талант, хочется непрерывно цитировать тех, чьи оценки так же глубоки и образны, как умна и талантлива сама Цветаева. Я ( уж это точно) лучше не скажу. Посему вновь обращусь к Слониму: "Стихи Цветаевой полны такой подлинной страсти, в них такая, почти жуткая насыщенность, что слабых они пугают - им не хватает воздуха тех высот, на которые влечет их бег Цветаевой". Эмоциональный напор так силен, что сам автор еле поспевает за течением этого лирического потока. Это о "душе"!
Теперь о" глаголе", иначе говоря, о поэтике Цветаевой. Ее поэтический арсенал невероятно богат. Гипербола - любимейший из приемов. Вот очень точное наблюдение исследователя цветаевского творчества Ирмы Кудровой:" Своих гипербол Цветаева не замечает. Они в рост чувству, которое она хочет выразить." Метафора у нее - почти всегда цепь метафор. " Не знаю, стихи ли это, но явно стихия"- так отзывался о стихах Цветаевой К. Маковский.
Причем все серьезные исследователи ее творчества как один отмечают и другую, кажется, противоположную тенденцию: стремление к точности, сжатости, когда мысль доводится до формулы,афоризма. Формула рождается на наших глазах в процессе бесконечных уточнений, через антитезу, градацию. Ощущение стихии возникает и поэтому.Программное утверждение Марины Цветаевой: "Я не верю стихам, которые льются. Рвутся, да!". Она хотела наилучшим образом выразить то, что ощущала в мире, в себе, сказать гораздо больше, чем позволяет традиционный поэтический язык, не подчиняя стихию чувства стиху. "Я пишу, чтобы добраться до сути".Синтаксис Цветаевой - это пропуски глаголов, переносы слов, паузы внутри строки, дробление фразы, непрерывные вопросительные и восклицательные знаки. Отсюда невероятное ритмическое и интонационное разнообразие и экспрессия.
А теперь попробуйте выйти с исполнением произведений Цветаевой на сцену или же сыграть роль ее героини! Чтобы эмоциональность не заглушала мысль, чтобы та представала перед слушателем во всей своей ослепительной обнаженности. Виртуозность, с которой написано произведение, требует исполнительской виртуозности. Найти такого исполнителя - 75% успеха. Где же его найти?! Неужели нашли?!
Примерно так я размышлял, отправляясь на спектакль, прочитав перед этим, что исполнительница заглавной роли Мария Семушина - танцовщица, хореограф, но не драматическая актриса или, тем более, чтица. Некоторую надежду внушало то обстоятельство, что в багаже режиссера спектакля Людмилы Никитиной есть поэтический спектакль, посвященный Анне Ахматовой - "А я была его женой.." и, значит, она знает, за что берется. Внешне актриса не очень походила на свою героиню, то бишь автора Марину Цветаеву: глаза в пол-лица, вызывали в памяти, скорее, Сонечку Голлидей из "Повести о Сонечке", а короткие волосы, почти ежик, могли быть у Цветаевой разве лишь после того, как она переболела тифом. Однако медленно, но верно мое сопротивление увиденному и, прежде всего, услышанному со сцены ослабевало и вскоре почти сошло на нет. Начиная, вслед за поэтессой, с "ноты «до» , актриса избежала грубой выразительности: экстатических вскриков, истерических интонаций. Но темперамент Иова, ветхозаветного старца, на долю которого выпали все бедствия, какие только возможны, - а именно с ним сравнивают цветаевский темперамент - в течение почти полутора часов определял градус происходящего на сцене. Звучал (следует отметить безупречное знание актрисой сложнейшего текста: две поэмы, "Поэма Конца" почти полностью, около десятка стихов, фрагменты писем, записных книжек) монолог безмерной в мире мер героини, человека великих страстей, неистовой в чувствах. Жизнь для нее как акт самосожжения! Актриса в конце концов убедила, что имела право на эту роль!
Вспомните, что в роли поэтессы или ее героини (что в нашем случае одно и то же) - служительница Терпсихоры! А спектакль "Цветаева" еще и пластический! Так заявлено режиссером в афише. Еще раз выражу свой восторг перед Марией Семушиной, которая замечательно читала сверхсложный текст, тот, что"не льется, а рвется", и , кроме того, создавала пластический образ героини с помощью хореографии!!! В эту область я вступать боюсь, но все-таки скажу, что хореография, на мой взгляд, не мешала тексту. Сказать, что усиливала его, не могу, потому что он такой мощи, что в этом не нуждался. Может, дополняла. Например, в один из моментов вспомнилось признание Цветаевой о том, что жизнь ее в эмиграции проходит между плитой и кухонным столом: в пантомиме Семушиной - между стиркой и тетрадью. Движения рук актрисы вызывали в памяти крупный, отчетливый цветаевский почерк - ни с чьим не перепутаешь, как и весь ее поэтический стиль. По мне, так музыка и танец придавали спектаклю некоторую эстрадность. Но есть такой разряд зрителей, и достаточно многочисленный, которому нужен посредник в восприятии поэзии. В спектакле Людмилы Никитиной им были танец и музыка. Звучали в записи наиболее удачные из известных нам песни на стихи Марины Цветаевой, в том числе из репертуара Аллы Пугачевой, Земфиры. Интересной мне показалась песня, написанная специально для спектакля композитором Д. Бедуиновым.
Так получается, что я пишу прежде всего о работе актрисы. Которую нашел и пригласил, правда, именно режиссер! Совершенно очевидны и воля, и роль режиссера, его безусловное участие в нахождении верной интонации для исполнительницы, что мне-то кажется самым важным в спектакле: как мы помним, между стихами и прозой "дьявольская разница" . И эту точную, без фальши интонацию нашли. Роль выстроили, не сомневаюсь, вместе, вдвоем.
Очень хороша композиция, легшая в основу спектакля: емко, компактно, ничего лишнего. Спектакль не провисает ни в одной из сцен, динамичен. Никакой монотонности!
Хореографический или пластический (как это деликатно определила режиссер) спектакль, посвященный любви, просто обречен еще на одного героя и исполнителя. Понятно, что должен быть партнер героини, грубо говоря, Константин Родзевич. Партию эту исполняет артист балета Владимир Зверев. Роль его бессловесная, чисто пластическая. Наверно, это правильно уже потому, что, по словам Родзевича, Марина его ".. выдумала. Быть таким героем, каким она меня придумала, я не мог. " Да и вся ее жизнь, по ее же собственному признанию, это " роман с собственной душой". Но танцовщик поставленную перед ним задачу, безусловно, выполнил.
Впечатляет оформление спектакля, костюм героини. За это также отвечала режиссер спектакля Людмила Никитина. Минимумом людей спектакль был подготовлен очень тщательно, не на скорую руку.
Меня всегда восхищала абсолютная уверенность Марины Цветаевой в том, что ее стихам "настанет свой черед". Так она думала в 21 год. Об этом она писала в своей записной книжке 1919 года, в 27 лет:" И главное - я ведь знаю, как меня будут любить через 100 лет".
Свое будущее она предсказала абсолютно точно. Любят ее и спустя 100 лет и так же страстно, как когда-то любила она.
Для поклонников цветаевского творчества, "имеющих быть рожденными столетие спустя", спектакль Людмилы Никитиной - безусловный подарок. А работа Марии Семушиной по-настоящему серьезна и заслуживает того, чтоб ее посмотрели.
Николай Степанов, член жюри «Театрала»
Отзыв на спектакль « БАРОН МЮНХГАУЗЕН» в театре им. В. Ф. Комиссаржевской
«Общество часто прощает преступников,Но никогда не прощает мечтателей.»
Оскар Уайльд
Популярность знаменитого барона Мюнхгаузена в нашей стране очень высока. Его знают с самого детства по книгам, адаптированным Корнеем Ивановичем Чуковским, замечательной пьесе Григория Горина «Самый правдивый» и поставленных по ней кинофильму Марка Захарова и многочисленным спектаклям на театральных площадках страны в прошлые десятилетия. Приятно отметить, что в числе самых первых постановщиков был театр им. Комиссаржевской (1977 г. )
Премьера обновленного спектакля (декабрь 2022 года) в театре им. Комиссаржевской состоялась 45 лет спустя. За это время, безусловно, произошли значительные перемены, вызванные и новыми средствами театрального искусства, позволяющими по- новому и более интересно представить жизнь полюбившегося героя, и новыми нравственными ценностями, утверждающимися в нашем обществе. Немаловажную роль играет и смена, как минимум, одного поколения режиссеров, которые по- своему хотят представить эту занимательную историю жизни.
Возможно, именно эти обстоятельства побудили режиссера Романа Габриа исследовать жизнь нашего героя в новых условиях. Действие в спектакле происходит в нынешнее время в условном городе Ганновере. В нем развиваются, как минимум, три основные темы: личная свобода творческого человека, любовь и, конечно, тема Луны.
Личная свобода и право на нее, так ярко представленные в высказываниях и действиях барона (арт. Богдан Гудименко), главного героя спектакля, можно кратко выразить одним из «гариков» поэта И. Губермана:
Свобода - это право выбирать,
С душою лишь советуясь о плате.
Что нам любить, за что нам умирать,
На что свою свечу нещадно тратить
При внешней обаятельности барон - нонконформист. В медийных средствах он настойчиво отстаивает взгляды, противоречащие правилам, устоявшимся в обществе. В этой ипостаси он заслужил роль публичного медийного героя, который вместе с экстравагантной ведущей выступает в утреннем телеэфире «Ганновер - ТВ». Для почитателей он - модный художник поп-арта и в белом парике внешне напоминает одного из лидеров этого течения Энди Уорхола. Кроме того, он публикует свои стихи и художественные произведения. В городе он - признанная яркая личность и всегда вызывает интерес у зрителей. Именно таким образом он как бы формирует противостояние творца - художника и обывателя, которое со временем переходит в противостояние художника и власти.
Музой во всех творческих делах Мюнхгаузена в последние три года стала красивая молодая женщина Марта (арт. София Большакова). Она - немая и с Мюнхгаузеном объясняется на языке жестов. В этом невольно можно усмотреть аллегорию: во враждебном окружении любовь может быть только скрываема и выражаться только в поступках. Марта заботливо снаряжает своего любимого по утрам на телестудию, напутствует и следит за его выступлениями перед горожанами.
Как религиозный человек, Марта нуждается в духовном освящении их брачного союза, однако, все священники отказываются это сделать, не имея согласия на развод баронессы. Бракоразводный процесс стал как бы главным стержнем сюжета спектакля. В него вовлечены не только бывшая жена, но и их несдержанный сын, бургомистр - незадачливый поклонник баронессы, и даже сам герцог, который то разрешает развод, то его отменяет.
Кроме Марты у барона опоры нет, а во врагах - почти весь город. Это особенно ярко проявилось в комичной ситуации с объявлением Мюнхгаузеном войны Англии в защиту малой африканской страны. Тогда не только власти, но и весь «трудовой» народ Ганновера единодушно осудил барона, а белозубая телеведущая отлучила его от телеэфира.
Тема Луны представлена не в действиях, а музыкально и визуально. Это таинственное светило почти не сходит с «неба» и постоянно держит зрителя в «мечтательном» состоянии: мы зрители постоянно слышим о ней звучную песню, и видим ее теплый желтый свет. Так рождается мечта: когда-нибудь по ней прогуляться.
В спектакле участвует прекрасная труппа артистов. Один из них, в роли герцога- народный артист России Георгий Корольчук, играл в труппе еще в первом варианте постановки 45 лет тому назад.
Исполнитель главной роли Мюнхгаузена (Богдан Гудыменко) — актер с исключительными пластическими возможностями, ему могут позавидовать и профессиональные гимнасты и танцовщики. Как и его молодая жена он овладел языком жестов, и когда они «разговаривают», то от них исходит почти зримый поток любви и тепла.
Замечательно исполнена роль бургомистра и одновременно любовника бывшей жены барона (Анатолий Журавин). А почти в самом конце спектакля, когда ему выпала честь стать преемником герцога, он разразился «блестящей и многообещающей тронной речью» перед великим народом города Ганновера.
Восхищает своей гармоничностью сценография Анвара Гумарова. Она хорошо иллюстрирует сюжетную линии пьесы, а почти не сходящая со сценического неба Луна не дает забыть зрителю, куда устремлены мечты нашего героя и, конечно, нас, зрителей.. Великолепны и костюмы актеров, разработанные Еленой Жуковой.
Безусловно, возникновение этого неповторимого спектакля обязано, прежде всего, режиссеру Роману Габриа. Но при моей беспомощности дать этому достойную оценку, я могу только благодарно ему поклониться.
В.Вороновицкий, член жюри «Театрала»
Театр-фестиваль Балтийский Дом . А. Червинский "СЧАСТЬЕ МОЕ" (Сочинение на свободную тему), постановка Искандера Сакаева
«Счастье моё» - это спектакль для тех, кто любит поразмышлять. Не получится просто посмотреть его и уйти вновь заниматься своими делами, он ещё долго останется в вашей памяти, сердце, душе, а одноимённая песня, тянущаяся сквозь весь спектакль, будет ещё долго звучать в вашем сознании.
В самом начале на сцене маленький мальчик (Костя Ионкин) смотрит фильм-сказку "Золушка"...
А дальше...
Действие происходит после войны в школе, в лаборантской кабинета биологии, которая одновременно служит комнатой для 18-летней девочки-сироты Виктории, мечтающей о ребенке. И ей улыбается судьба – она встречает матроса Сеню.
Что было дальше? Любовь, ложь, горечь правды и потери, радость обретения.
«Счастье моё» - это спектакль с вечными вопросами: что такое любовь, долг, верность, идея, мечта... И все они с окраской того времени... Неоднозначный спектакль, который порождает у каждого зрителя свои вопросы и свои собственные ответы на них. Замечательно ещё и то, что в конце спектакля не ставится точка, а стоит многоточие, и каждый может придумать завершение этой очень сентиментальной, зачастую забавной, но и трагической истории.
Он, она и их разное представление о счастье. Молодая девушка Виктория, в исполнении Виктории Зайцевой, после войны осталась сиротой, она живет в маленькой комнатке ( лаборантской) холодной школы и мечтает о том, чтобы стать пионервожатой и родить ребенка. На своем жизненном пути Виктория встречает красивого парня Семена, в исполнении Олега Коробкина, у которого есть своя мечта - стать дипломатом и участвовать в пышных приемах у королевы Англии. При этом парень не только мечтает, он действует: поступает в высшее учебное заведение, учит иностранные языки. Между ними вспыхивает не то что любовь, а мимолетная страсть, последствием которой становится беременность главной героини. Теперь перед героями стоит непростой выбор, который может быть трагическим, а может быть единственно верным. Мечты главных героев осуществились, каждый добился того, о чем мечтал, но получили ли герои, в конечном итоге, счастье - трудно сказать, финал так и остается открытым.
А как не сказать о роли Александра Павельева (Оскара Борисовича), который сыграл свою роль, не сказав ни слова, очень убедительно сыграл.Виктория - тоже не самый простой персонаж: вроде бы мила, добра и проста, а вон какая расчетливая в то же время. Но эта расчетливость ни на грамм не отворачивает от нее, а наоборот - ей сочувствуешь. В конце концов, каждый имеет право на свое личное счастье. Как она играла беременную - это же просто полное вживание в роль! Даже походка другая. И эта полуулыбка. В общем, полный восторг!
В наше непонятное время такие постановки - просто эмоциональная зарядка для души. Спектакль душевный, светлый, мастерски сыгранный, есть о чем подумать, осмыслить. Могу сказать, что это один из лучших посещенных мной спектаклей за последнее время.
Екатерина Табунцова, член общества «Театрал»
Санкт-Петербургский государственный академический театр им. Ленсовета. Спектакль "ПРО ФЕДОТА-СТРЕЛЬЦА". Скоморошина без антракта.
Эта весна очень богата замечательными премьерами театров Санкт-Петербурга, разумеется, не остался в стороне и великолепный театр им. Ленсовета.
На смелый шаг решился режиссёр и композитор Фёдор Пшеничный : вытащить с чердака, стряхнуть пыль и дать второе дыхание уже чуть позабывшемуся произведению, которое в дни его популярности растащил народ на цитаты. Спектакль таким и получился - чуть с нафталиновым настроением, присыпанный пылью веков или пеплом сгоревших рукописей, но дерзкий, острый и невероятно созвучный эпохе.
Пять скоморохов, пять ярких индивидуальностей на сцене, которые примеряют на себя разные роли , перевоплощаясь на глазах у зрителя. Есть где посмеяться, есть, где задуматься, а есть и моменты, где хочется погрустить. Вот так сказка для взрослых перетекла из века прошлого и ворвалась в век текущий.
Скоморохи XXI века – это чудаковатые люди в небрежной темной одежде, и юмор у них специфический, едкий, колкий, саркастический. Все это приправлено самоварным золотом на фоне лоскутного занавеса.
Ярким и запоминающимся Федотом-стрельцом стал Илья Дель. Ох, не так прост этот герой, каким кажется на первый взгляд. Царем в шикарной короне, которой можно только позавидовать, предстал Виталий Куликов, так точно сатирически представив современного правителя и начальника.
Этот спектакль был принят публикой на все сто, во время действия в зале стояла гробовая тишина, только беззвучно губами зрители вторили актерам знакомые до боли слова. А что же происходит, когда прочитана сказка и захлопнута книга? Гром аплодисментов – и крики «Браво!!!».
Браво, Театр им. Ленсовета и Скоморошина без антракта! Браво, Фёдор Пшеничный! Браво актерам!
Наталья Осокина, член жюри общества «Театрал»
Спектакль «ВАССА (МАТЬ)» в Молодежном театре на Фонтанке
В мае в Молодежном театре прошла премьера спектакля по первоначальному варианту пьесы Максима Горького «Васса Железнова», написанной в 1910 году. В середине 30-х годов прошлого века автор переписал пьесу, добавив в нее всем нам памятный яркий персонаж – Рашель, невестку главной героини. Вместе с ней в пьесе появились и социальная тема, и классовая борьба, и идеологический аспект. Именно эту, вторую версию, мы все помним и знаем по ярким постановкам с Верой Пашенной, Фаиной Раневской, со Светланой Крючковой, с Инной Чуриковой.
Режиссер -постановщик н. а. России Семен Яковлевич Спивак и режиссер спектакля з. а России Екатерина Павловна Унтилова решили, что они покажут совсем другую историю, ту, которая актуальна во все времена. Так, через два года работы над материалом появился на сцене Молодежного театра спектакль «Васса (Мать)». Именно тему взаимоотношений в семье, тему «отцов и детей», решено было показать зрителю, разобраться в семейных, личностных и моральных вопросах. В этом варианте главная героиня пьесы Васса (ее потрясающе достоверно играет сама Екатерина Унтилова) борется самоотверженно за свою семью, за своих детей, за свое дело, которому она и ее муж посвятили тридцать лет жизни.
Умирает глава семьи. Все члены семьи, начиная с брата умирающего мужа – Прохора Железнова (яркая работа н. а. России Валерия Кухарешина) и кончая сыновьями - Семеном (артист Александр Конев) и Павлом (артист Андрей Зарубин) и дочерью Анной (актриса Анна Геллер) ждут с нетерпением его смерти, чтобы поскорее получить свою часть наследства и навсегда покинуть родительский дом, обрести «свободу».
В ожидании близкого освобождения они не брезгуют никакими средствами, не вспоминают ни о братской любви, ни о любви к матери, ни об элементарной порядочности. Каждый сам за себя, при случае готов «подставить ножку», подтолкнуть к краю. Их так воспитали. Их мир не был построен на любви и уважении. Васса Петровна пытается так управлять ситуацией, чтобы не распылить весь капитал, а оставить дело в своих руках и обеспечить будущее семьи, семьи, которой в сущности уже давно нет - здесь царят насилие, кровь и убийство. Но нельзя однозначно характеризовать эту властную, сильную женщину, нельзя согласиться считать ее источником зла. В образе, который нам показала Екатерина Унтилова, несомненно присутствует несчастная женщина и несчастная мать. Наверное, она была способна когда-то любить, в ней должны быть материнские чувства, она может быть справедливой, участливой, даже щедрой, но у нее, сообразно времени и среде, свои понятия о семье, и именно ими она и руководствуется, прибегая даже к преступлению.
События в пьесе разворачиваются в преддверии Первой мировой войны, в обществе царят мистицизм, обреченность, ожидание «конца света». Но, как ни странно, это период расцвета эпохи модерна. Художник-постановщик спектакля Степан Зограбян и художник по костюмам София Зограбян очень тонко почувствовали этот стиль и создали прекрасную атмосферу того времени: и оранжерею с белыми розами, и стильные костюмы героев в пастельных тонах, и мужскую черную «тройку» на хрупкой женщине. Цветовое решение сцены удачно подчеркивает контраст с событиями пьесы. Современность этой драмы усиливается музыкой Олега Каравайчука, которую использовал для спектакля Сергей Патраманский (музыкальное оформление).
Спектакль получился актуальным и своевременным. Опять очень тревожное время, напряжение в обществе, ожидание катастрофы. В такие периоды серьезные, неоднозначные произведения дают возможность задуматься о себе, о семье, об обществе. Спасибо всем, кто создал этот спектакль, работал над ним и представил зрителю.
Тамара Проскунова, член жюри общества «Театрал»
Спектакль "РОЗЕНКРАНЦ и ГИЛЬДЕНСТЕРН МЕРТВЫ " режиссера Галины Зальцман в Театре на Васильевском.
"Жить надо так, как будто все зависит только от тебя" - это сказано Томом Стоппардом в одном из интервью, связанном с вышеназванной пьесой. Согласитесь, неожиданное для оригинала, парадоксалиста, создателя персонажей с шекспировскими именами и биографией, символами безволия, покорности, пассивности заявление. Впрочем, обратимся к самой пьесе "Розенкранц и Гильденстерн мертвы".
Каждый мало-мальски знакомый с "Гамлетом" Шекспира, но не читавший Стоппарда, оказавшись вдруг на спектакле по пьесе последнего, через какое-то время начинает понимать, что "Розенкранц и Гильденстерн мертвы" - это шекспировский "Гамлет", по-хулигански вывернутый наизнанку.
У Шекспира Гильденстерн и Розенкранц - второстепенные герои, друзья Гамлета по университету, которых сначала заставляют шпионить за ним, а потом и вовсе доставить его в Англию для ликвидации. В пьесе Стоппарда линия Гамлета отходит на второй план, а Розенкранц и Гильденстерн обретают статус главных героев. "Гамлет" Шекспира для Стоппарда в данном случае - источник строительного материала. Более того, пишут, что будущий драматург воспользовался замыслом своего агента написать комедию о том, что могло случиться, если бы Розенкранц и Гильденстерн, прибыв в Англию, встретили безумного короля Лира. Только вообразите! Но что-то остановило Стоппарда, и он ограничился одной шекспировской пьесой. В любом случае затевалась этакая постмодернистская игра. Кроме того (но это уже для более продвинутого зрителя, читавшего не только Шекспира, но и, допустим, Пиранделло), совершенно очевидно влияние на автора великих абсурдистов, прежде всего Беккета." Розенкранц и Гильденстерн" - абсурдистская трагикомедия. Происходящее в ней нелепо, абсурдно, но оно провоцирует зрителя на вечные, экзистенциальные вопросы о том, кто и что определяет ход и порядок вещей. По сути, зрители становятся участниками ведущегося автором и его героями диспута на эту тему. Шекспировских героев (Розенкранца и Гильденстерна) совершенно не волновали философские вопросы. Главные же герои пьесы Стоппарда стараются понять происходящее, правда, после того как оказались в малоприятной ситуации: им приказано шпионить за другом, а затем сопровождать в Англию, где его убьют.
Режиссер Галина Зальцман ставит спектакль о маленьком человеке в большом мире. Главным героям, этим самым маленьким людям, не дано понять природу страданий принца Гамлета, и они становятся жертвами своего непонимания. В недоумении по поводу происходящего они проживают на наших глазах всю пьесу. Они не пытаются что-то предпринять или изменить в окружающем мире и собственной судьбе. Им кажется, что они выполняют чей-то замысел, что за них уже все решено. Выбора нет!
Главной удачей спектакля театра на Васильевском, на мой взгляд, является выбор актеров - исполнителей главных ролей. На первый взгляд может показаться, что играть Артему Цыпину и Михаилу Николаеву нечего. О каких индивидуальностях можно говорить, когда герои пьесы кажутся близнецами, эдакими Бобчинским и Добчинским?! Неслучайно их непрерывно путают, они сами постоянно забывают кто есть кто. Они мертвы даже будучи живыми. В карнавально-пестрой толпе персонажей они обращают на себя внимание разве лишь одинаковыми деловыми костюмами, очевидно, согласно дресс-коду, выражаясь современно.
Работа актеров в спектакле Театра на Васильевском поистине ювелирна, и, как результат, - два вполне отличимых друг от друга, более того, ярких образа. Гильденстерн Цыпина - человек рациональный, стремится понять происходящее, задается чуть ли гамлетовскими вопросами, прямо пародия в этом смысле на Гамлета шекспировского, жаль, что не дано ему произнести знаменитое " Быть или не быть..."
Розенкранц Николаева - благодушный материалист, эмоциональный, простоватый.
Стоппард - мастер словесной игры, интеллектуал, парадоксалист. Диалоги в его пьесах блистательны. (Напомню, что переводчик пьесы на русский не кто иной, как виртуознейший из виртуозов Иосиф Бродский). Розенкранц и Гильденстерн уморительны попытками или спрятать за потоком слов свою пустоту и растерянность, или же найти лазейку, через которую можно было бы убежать от правды. Актеры (Цыпин и Николаев) с удовольствием занимаются словесной эквилибристикой, с наслаждением произносят бессмысленные силлогизмы и парадоксы "интеллектуалов", которых они играют.Но в минуты осознания того, что они попали под колесо, герои вызывают глубокое сочувствие и поистине трагичны.
Труппа бродячих актеров в пьесе Стоппарда также играет более значимую роль, чем у Шекспира. Нужно сказать, что в спектакле театра на Васильевском сцены с ними - просто праздник театра. Режиссер организует это сногсшибательное зрелище, актеры реализуют. Они универсалы, могут все: и акробаты, и музыканты, и лицедеи. В сцене появления они - артисты бродячего театра и молодые актеры театра на Васильевском - демонстрируют восхитительное владение своим ремеслом, настоящие фокусники! Всем известно шекспировское " Весь мир - театр, а люди в нем - актеры". Осмелюсь добавить: или зрители! В спектакле театра на Васильевском все в соответствии с этим утверждением. Действие происходит в зрительном зале, зрители перемещаются на сцену. Трудно сказать, где кончается театр и начинается жизнь и наоборот. Сплошной театр в театре: с одной стороны, бродячая труппа и те, кому она показывает спектакль об убийстве Гонзаго, с другой, труппа театра на Васильевском со спектаклем Зальцман и мы, зрители, пришедшие на этот спектакль. Кто более реален: первые(зрители) или вторые (актеры)?
Кстати, к вопросу о реальности. Самым большим реалистом в спектакле представляется Первый актер, утверждающий, что все в мире является изображением, которое нам не дано понять. Назначение театра, по его убеждению,- создавать искусственный порядок, которого нет в реальном мире. В одной из сцен он призывает главных героев перестать задавать вопросы и просто расслабиться. (Тадас Шимилев в этой роли мощен, темпераментен - замечательная работа!).
А самым дешевым, нелепым, нереальным в спектакле кажется королевский двор с его нравами.
В одном из интервью Стоппард признавался: "Я просто человек, который интеллигентно развлекает." И действительно: его пьеса - развлечение для интеллигентов?! Лукавит он или скромничает?!
Не знаю, ставила ли перед собой похожую задачу режиссер спектакля по пьесе Стоппарда Галина Зальцман, но я, присутствуя на представлении, где "кровь, и риторика" , без любви, " не критиковал, а наслаждался". Угадайте, у кого я позаимствовал эту фразу?!
Поздравляю Театр на Васильевском с великолепным спектаклем - умным, глубоким, фееричным.
Николай Степанов, член жюри «Театрала»
Новая сцена Александринского театра. Спектакль "БОРКМАН". Режиссёр Андрей Калинин
Спектакль поставлен по мотивам пьесы Генрика Ибсена "Йун Габриэль Боркман". Всё действие разворачивается в течение одного зимнего вечера в родовой усадьбе Рентхеймов. Йун Габриэль Боркман (Иван Трус), прошедший путь от сына рудокопа до директора банка, восемь лет назад вышел из тюрьмы, куда попал за махинации со средствами вкладчиков. Всё это время он проводит в своей комнате, никуда не выходя и практически ни с кем не общаясь, кроме старого друга Вильхельма Фулдала (Степан Балакшин) и его дочери Фриды (Анастасия Гребенчук), приходящей играть на виолончели. Жена Боркмана, Гунхильд (Янина Лакоба) ненавидит мужа за то, что он лишил её прежнего статуса, и мечтает о прежнем благополучии. Её сестра-близнец Элла Рентхейм (Алиса Шидловская) на протяжении долгого времени воспитывала сына Боркманов Эрхарта (Никита Барсуков) у себя в доме. Все трое связывают свои надежды с Эрхартом и его будущим: мать видит его миссию в том, чтобы добиться больших успехов в жизни и восстановить репутацию семьи, её сестра, неизлечимо больная, хочет вернуть его, чтобы он скрасил ей остаток жизни, отец мечтает создать вместе с сыном огромную империю в области добычи полезных ископаемых. Однако у юноши другие планы и от жизни он хочет совсем иного. Эрхарт отклоняет все эти предложения и уезжает на юг со своей подругой Фанни Вильтон (Мария Нефёдова) и Фридой Фулдал.
Интересная сценография спектакля: действие начинается в комнате Гунхильд на первом этаже, вдруг сцена уходит куда-то вниз, и перед зрителем опускается второй этаж с комнатой Боркмана. Весь спектакль перед зрителем появлялся то первый этаж, то второй.
Спектакль грустный, о распаде семьи, но, как и в жизни, в череде печальных событий возникают
и смешные моменты - массаж Боркмана его другом Фулдалом, сеанс экзорцизма, когда из Гунхильд опять же Фулдал изгонял нечистую силу, и яркое показательное выступление сына со своими подругами практически в латексных костюмах (в этой сцене неожиданное преображение Никиты Барсукова).
Все артисты великолепно играли: обросший и с длинной бородой Боркман Ивана Труса в синтетической шубе, как Робинзон Крузо на необитаемом острове, глубоко переживающий свое падение и в то же время мечтающий изменить свою жизнь, Гунхильд Янины Лакобы - так сильно ненавидящая своего мужа, как змея жалившая всех подряд, настоящая стервозная тётка, Элла Алисы Шидловской - добрая и терпимая ко всем, Эрхарт Никиты Барсуков - нервный и любящий своих родных, но идущий поперёк их желаний, Вильхельм Степана Балакшина - добрейшая душа, Фанни Марии Нефёдовой - знающая себе цену, ветреная красотка.
Спектакль великолепный и потрясающий! Мощный и сильный! В нём есть и глубокий психологизм, и ирония, и гротеск!
Андрей Калинин оказался не только ярким актёром, но и очень талантливым режиссёром и с каждым новым спектаклем только набирает обороты!
Несмотря на депрессивную пьесу Генрика Ибсена спектакль смотрится на одном дыхании благодаря интересной, стильной постановке и блестящей игре актеров!
Г. Никольская, член жюри «Театрала»
Спектакль "ОБЫКНОВЕННАЯ ИСТОРИЯ" в театре им. Ленсовета
Режиссер Роман Кочержевский поставил спектакль по первому из трех романов Ивана Гончарова, самому автобиографичному - "Обыкновенная история" (автор инсценировки Дарья Гриза). Одним из главных героев постановки, нам показалось, режиссёр увидел Петербург - сам город с его улицами и домами, с Невой и ее гранитными набережными. Сценография выполнена в мрачных темно-серых тонах, органично дополняется видеопроекциями. Отдельно стоит отметить световую палитру спектакля : яркие холодные лучи прожекторов пронизывают героев словно насквозь, раскрывая их мысли. Первая сцена спектакля начинается именно с бликующей ряби, будто вода в Неве. Мы видим хорошо знакомые чугунные решетки мостов и набережных каналов, городские фонари.
Здесь разворачивается действие романа, сюда приезжает влюбленный, романтически настроенный, с восторженным взглядом юноша Александр Адуев (играет его артист Федор Федотов), чтобы вступить во «взрослую» жизнь. В этом городе ему предстоит при помощи дяди Петра Ивановича Адуева (в исполнении Александра Новикова) разочароваться в жизни, в любви и превратиться в «больного старика» с потухшим взором. В свои 29 лет он будет уверен, что впереди "только боль...".
Но, если в романе главным героем был именно Александр, то режиссер акцентирует внимание на не менее важных героях. Интересно и рельефно представлены образы и дяди, и его жены Елизаветы (ее играет Лидия Шевченко). Отношения этих персонажей показаны в динамике, легко проследить, как они меняются и к чему приходят к концу повествования. Эти изменения характеров героев удачно подчеркнуты при помощи лаконичных и стильных костюмов (художник по костюмам – Сергей Илларионов). Из второстепенных ролей ярко выделяется Римма Саркисян (играет Юлию Тафаеву). Глубокий и загадочный образ, созданный актрисой, драматично раскрывается в кульминации спектакля.
История действительно обыкновенная. Петр Иванович, хотя и весьма успешный человек, но не дающий себе труда сберечь свою любовь, свои чувства, не придающий им значения, в конце концов оказывается опустошенным, лишенным опоры, и, в сущности, несчастным. Елизавета тоже устала бороться с "холодностью" и рациональностью мужа и превратилась в унылую, рассудительную особу. Такова же, вероятнее всего, будет и судьба юного Александра. Дядя, да и весь уклад жизни, правила этого холодного безразличного города, преисполненного суетой под ритмичную клубную музыку, приводят героя к отстраненности и рациональности и в делах сердечных. Он превращается в весьма успешного чиновника, но унылого, безразличного и больного человека, потерявшего радость в жизни.
Сообразно нынешнему времени режиссер изменил конец романа - вместо выгодной женитьбы Александр, больной и усталый, устремляется вон из Петербурга, прочь из этой жизни. Одной из главных находок Романа Кочержевского как режиссера можно считать острый драматический взгляд на классический «роман воспитания». Цельные психологические портреты каждого персонажа делают спектакль полноценным, становятся обязательными атрибутами
Даниил Проскунов, Тамара Проскунова, член жюри общества «Театрал»
Спектакль "ИГРА ЛЮБВИ И СЛУЧАЯ" в театре «Приют комедианта»
В одном из моих самых любимых театров "Приюте комедианта" состоялась премьера спектакля "Игра любви и случая". Пьесу французского драматурга Пьера де Мариво поставил петербургский режиссер и хореограф Сергей Грицай. Это классическая комедия положений, один из старейших театральных жанров, легкая романтическая история о любви с переодеваниями, когда слуги и господа меняются местами. Спектакль пронизан музыкой и танцами, а номера с фехтованием добавляют легкости и пикантности действию!
Приятным сюрпризом оказалось участие в спектакле заслуженного артиста России Бориса Смолкина. Любимого актера давно не удавалось увидеть на сцене! Борис Григорьевич одним своим появлением и небольшой сценой с внезапно громко зазвонившим телефоном покорил зрительный зал!
Для режиссёра и сценографа, думаю, всегда оказывается сложной задачей разместить на небольшой сцене театра декорации, продумать движения актеров. В этой постановке Сергей Грицай и Николай Слободяник смогли создать чудесные, воздушные, мобильные декорации, стильные, объединяющие в себе несколько эпох.
В спектакле задействованы молодые, талантливые актеры Дарина Одинцова, Сергей Якушев, Игорь Ключников, они блестяще воплощают задачу, не потеряв очарование 18го века, передать современность сюжета!
Чтобы проверить, достоин ли любви и брака Дорант, которого выбрал Господин Оргон, отец Сильвии, героиня задумывает поменяться местами со своей служанкой. Но и молодой Дорант сомневается, достойна ли его Сильвия, и меняется в свою очередь со своим слугой местами. Нам остается только наблюдать как разворачивается сюжет, переживать за героев и ждать торжества любви!
Я поздравляю театр "Приют комедианта" с блестящей премьерой! А зрителям рекомендую провести вечер, наслаждаясь этой постановкой.
Наталья Осокина, член жюри общества «Театрал»
"НАБУККО" В МАРИИНСКОМ ТЕАТРЕ
В марте в Мариинском театре состоялась долгожданная премьера оперы Джузеппе Верди "Набукко" в постановке неизвестного режиссёра Анны Шишкиной. "Набукко" - первая опера Верди, которая принесла ему серьезный успех. Опера написана на либретто Темистокле Солеры по трагедии Анисе-Буржуа.
Сюжет о бедствующем, но не сломленном народе, о человеке, который теряет всё, но возрождается к жизни, вызвал у Верди личный отклик.
Ассирийский царь Навуходоносор (итальянцы сократили его имя до Набукко), одержимый идеей войны, хочет захватить Иудею... Но его дочь Фенена в плену у израильтян полюбила иудейского военачальника Измаила, который является её охранником и которого также любит рабыня Абигайль, приёмная дочь Набукко. Гордая Абигайль видит в Фенене соперницу не только в любви, но и во власти. После громких побед Набукко ощущает себя богом. Но внезапный удар молнии сбивает с его головы корону, которую тут же подхватывает Абигайль. Теперь она становится правительницей.
Личные драмы на фоне исторических событий. Два враждующих народа, две соперничающие женщины.Что важнее: сила, слава, власть или жизнь и счастье близких, любимых людей? Набукко выбирает второе.Едва не потеряв любимую дочь, он раскаивается и обращается к Богу. Происходит чудо - к царю возвращается рассудок, он отрекается от вавилонских идолов, воинственных планов и приходит к Богу.
Опера Верди "Набукко" является символом перерождения человека, его надежды на светлое будущее. Для композитора важными были героический и религиозный пафос оперы, нежели любовная тема, поэтому часть лирических арий он заменил хоровыми сценами, которые несут разную эмоциональную нагрузку. Они суровы во время молитвы, тревожны во время взятия Иерусалима и яростны в эпизоде обвинения Измаила в предательстве.
Постановка в Мариинском театре получилась традиционной, скучной и статичной, её отличает минимум декораций и отсутствие режиссуры.
Постановка мне не понравилась. Претензия на "большой академический стиль" не оправдалась. С одной стороны, слишком много статичных "провисающих" сцен, с другой - какая-то излишняя суета и беготня по неудобной лестнице вверх-вниз. Оперу расцветили яркими костюмами, которые собрали из разных опер, поэтому не получилось единства стиля костюмов определенной эпохи, особенно удивил костюм индейской женщины Абигайль в I действии.
Премьерный состав солистов был очень заманчивый! Великолепно пели Роман Бурденко (Набукко); Татьяна Сержан (Абигайль), хотя партия - наисложнейшая для сопрано; Михаил Петренко (Захария); Зинаида Царенко (Фенена). Музыка Верди красивая и мелодичная, наибольшую известность получил хор пленных иудеев из III действия "Лети, златокрылая мысль", ставший неофициальным гимном Италии. Мариинский хор пел замечательно!
Симфонический оркестр под управлением маэстро Валерия Гергиева играл превосходно!
Г. Никольская, член жюри «Театрала»
"ЖИЗНЬ ВАСИЛИЯ ФИВЕЙСКОГО" Спектакль «Малого Театра Кукол»
В афише этого театра исключительно спектакли, поставленные по абсолютным литературным шедеврам: «Дон Кихоту» Сервантеса, «Королю Лиру» Шекспира, «Чайке» Чехова, «Преступлению и наказанию» Достоевского, «Мамаше Кураж» Брехта, «Школе для дураков» Саши Соколова, наконец, по «Махабхарате». Афиша эта кажется розыгрышем, особенно, если речь идет о кукольном театре. Бесстрашие, дерзость в выборе текстов для постановки невозможные! Конечно, мистификация: имя и фамилия художественного руководителя внизу афиши - Чакчи Фроснеккерс!! Даже придумать такую сложно!.
Уверяю вас: все абсолютная правда. И «Малый Театр Кукол», и его руководитель. Я, видевший несколько спектаклей из фантастической афиши, тому свидетель. Он абсолютно литературоцентричен. И, чтобы уж совсем не сомневались, расскажу о последней премьере удивительных кукольников – «Жизни Василия Фивейского», поставленной по повести Леонида Андреева - пусть не гения, но когда-то в начале двадцатого века властителя дум поколения.
Современники называли его певцом смерти, апостолом тьмы. Его талант был направлен на исследование темных, иррациональных явлений, на постановку проклятых вопросов. 20- летний Андреев пишет в дневнике:" Я хочу показать всю несостоятельность тех фикций, которыми человечество до сих пор поддерживало себя: Бог, нравственность, бессмертие души, загробная жизнь".
Судьба героя повести Андреева Василия Фивейского напоминает библейскую историю Иова, которого Сатана испытывал на верность, лишив его всего: богатства, детей - и наслав на него проказу. За терпение Бог наградил Иова: тот снова разбогател, у него родились дети. Он умер, дожив до 140 лет, став примером благочестия.
На долю героя Андреева, священника Василия, выпали гибель сына, рождение второго - безумного урода, гибель жены.
Пытаясь объяснить свои бесконечные страдания, Фивейский решает, что избран Богом и тот готовит для него избранническую миссию. Он продолжает служить так яростно и неистово, что пугает свою паству. В конце концов, убежденный в данном ему Богом могуществе, герой пытается воскресить погибшего прихожанина. Чуда не происходит. А ответ на вопросы, которые он обращает к Богу: "Так зачем же я верил? Зачем же всю жизнь ты держал меня в плену? Ни мысли свободной. Ни чувства.", - смех идиота, лежащего в гробу вместо прихожанина. Бог не услышал, не наградил русского Иова. Повесть заканчивается смертью героя.
Авторы спектакля ( режиссер Катерина Романова, художники Ю. Гамзина и Н. Стрельцова, композитор Р. Кадыров- Жатько) адресуют свой спектакль тем, "кто идет неверными дорогами, но сердце которых требует сомнения" (цитирую материалы страницы театра). Спектакль для МТК масштабный (у них, наконец, появилась своя площадка на Лиговском проспекте), многонаселенный, с достаточно громоздкими декорациями. Задействовано восемь актеров: трое играют Иова и его семью, собственно кукловодом единственной в спектакле куклы - сына - урода выступает М. Кольцова и четыре актера составляют Хор, выполняющий то роль повествователя, то церковного хора, то играющий роли второстепенных героев.
Текст повести Андреева повышенно эмоционален, выразителен. Актерам есть где разгуляться. Но они, кажется, сознательно нетеатральны, сдержанны. Вообще, нужно отметить достаточный аскетизм и в оформлении спектакля : минимум вещей и предметов. Костюмы замечательны, этнографические мотивы в них безусловны, но приглушены.
Но дань андреевскому экспрессионизму все-таки отдана: над сценой нависают несколько громадных рук, иногда опускающихся на героев, которые символизируют Рок, судьбу, несвободу или вдруг в дерево.
В программке спектакля читаем корректное: по мотивам повести Леонида Андреева. Смысл этого замечания становится понятным в финале. Хор поет строчки из Нового Завета (Первое послание Коринфянам) : "Если я говорю языками человеческими и ангельскими, а любви не имею, то я медь звенящая". "Жизнь Василия Фивейского" прочитана авторами спектакля как трагедия русского Иова, возлюбившего страдания, а не ближних. В спектакле рассказана история жизни заблуждений и веры героя без любви. Режиссер Катерина Романова в интервью говорит: " Поэтика ужаса Леонида Андреева синхронизировалась с моим личным ощущением окружающей меня действительности: травмирующей, кризисной, тревожной. Повесть" Жизнь Василия Фивейского перестала быть микроисторией, а стала отражением всего того происходящего вокруг меня, моих близких и неблизких людей. Поиск правды и твердой земли под ногами отцом Василием для меня стал и моим личным поиском. И перечитывая повесть, я все больше убеждалась, что, сколько бы мы ни искали истину, веру, правду, надежду, смыслы, главное остается главным. А для меня главное - это любовь. Та самая всеобъемлющая любовь. Любовь человека к человеку, простая и тихая".
И это не особенно противоречит повести Андреева, герой которой был счастлив, когда жил любовью: в первые шесть лет семейной жизни, в месяцы третьей беременности жены, наконец, когда хотел оставить церковь и переехать.
И все-таки у Андреева важнее всего - богоборческий пафос. Задача писателя - поставить проблему. Авторы же спектакля пытаются ее решить.
Современники Андреева, в том числе великие, относились к нему по-разному. Лев Толстой говорил: "Он меня пугает, а мне не страшно." А вот оценка А. Блока: "Я помню потрясение, которое я испытал при чтении" Жизни Василия Фивейского" в усадьбе, осенней дождливой ночью. Что катастрофа близко, что ужас при дверях - это я знал очень давно, еще перед первой революцией. И вот на мое знание сразу ответила мне" Жизнь Василия Фивейского".
Живущим в 21 веке, по крайней мере, читающим, интерес Андреева к проклятым вопросам близок. На том спектакле, который я смотрел, публика реагировала на происходящее на сцене горячо. Зал был заполнен и людьми не случайными. Это радует: за годы скитаний по чужим сценам МТК сумел обрести своего зрителя.
Николай Степанов, член жюри «Театрала»
ТЕАТР-ФЕСТИВАЛЬ «БАЛТИЙСКИЙ ДОМ»
"ПОКРОВСКИЕ ВОРОТА"
Элегическая комедия по одноименной пьесе Леонида Зорина.
Как я радовалась, увидев на афише любимого театра, известие, что скоро состоится премьера постановки «Покровские ворота», ведь это одно из моих любимых произведений, один из самых дорогих моей семье фильмов. Но на смену радости, быстро пришел страх, а не разочарует ли постановка? Ведь я с детства знакома с авантюристом Костиком, романтиком Львом Евгеньевичем, ну и, конечно, Савранским, не отделимым от его «железного друга».
На премьеру я шла как на первое свидание, в животе порхали бабочки, душа томилась в предвкушении…. И вот они, первые ноты знакомых до боли мелодий, неотделимых от «моих» «Покровских ворот».
Я хочу сказать огромное спасибо Режиссеру Александру КЛАДЬКО, ведь на его плечи легла тяжелейшая задача, уйти от кино-прототипов, уже впитавшихся в наше сознание, создать свои «Покровские ворота»! Задумка была гениальной и удалась она на славу!!!!! Каждый герой на сцене узнаваем, но каждый стал совсем другим, появился новый подтекст в действии, эта постановка заставила меня задуматься и переосмыслить «до боли знакомый образ!».
Мое сердце навек покорила Маргарита Павловна в исполнении Марии ЛЫСЮК. На смену властной, хамоватой и надменной кино-героине, пришла стильная, уверенная в себе, моложавая женщина, которая лихо отплясывала на сцене с кастаньетами, искала свою любовь и надежное мужское плечо.
Мне очень понравилась задумка с изменяемыми мобильными декорациями на сцене, «коммунальный очаг у Покровских ворот» молниеносно превращался в каток на «Чистых», сцену для выступления Велюрова, или кабинет врача. Ну и, конечно же, Савранский со своим мотоциклом. Его появления ждал весь зал, ведь в фойе были постелены металлические пандусы, ведущие в зал, и конечно зрители предвкушали эффектное появление героя, такого незначительного с одной стороны , и вершившего сюжет пьесы другой !
Актер - профессия героическая, в этом я никогда не сомневалась, но героям этой постановки особенно непросто, ведь всем актерам пришлось научиться кататься на роликах! И не просто кататься, а танцевать!
Мне очень понравился спектакль «Покровские ворота», подаривший новое свидание с любимыми героями! Это отличная постановка для всей семьи! Еще одна победа дорого мне театра «БАЛТИЙСКИЙ ДОМ»!
Наталья Осокина, член жюри «Театрала»
Спектакль «ОЛЬГА. ЗАПРЕТНЫЙ ДНЕВНИК»
В конце ушедшего года состоялась премьера моноспектакля «Ольга. Запретный дневник». Создали его режиссер Лариса Шуринова и актриса Анна Геллер, это независимый проект.
Спектакль построен по дневникам ленинградского поэта Ольги Федоровны Берггольц. Это имя знал каждый ленинградец, она - «голос» города, который сражался и выстоял в годы блокады, такой же символ, как и Седьмая симфония Дмитрия Шостаковича, как и театр Музыкальной Комедии, который работал в блокадном Ленинграде все 900 дней блокады.
Но очень странно, что мы так мало знаем о ней, о ее судьбе, о ее стихах. До 2009 года дневники, которые Ольга Берггольц вела всю жизнь, начиная с 1923 года, считались утраченными. Все архивные материалы, фотографии, документы также были недоступны. Только в 2010 году Наталия Соколовская собрала материал и издала дневники Ольги Федоровны, и тогда читатели смогли заново познакомиться с этим удивительным человеком, поэтом, женщиной, на чью долю выпали события страшной эпохи.
Спектакль начинается со страниц дневника Даниила Гранина, еще одного ленинградца, современника поэта, который не побоялся записать в своем дневнике правду об Ольге; как она жила , как умерла, как власти умолчали о ее смерти, о похоронах, прошедших очень тихо и незаметно на Волковом кладбище (сейчас это Волковское кладбище), а совсем не на Пискаревском, где строка ее стиха выбита на гранитной стеле у вечного огня, где по праву было место ее упокоения.
И вот появляется Анна Геллер и от себя рассказывает историю этой жизни, постепенно превращаясь в Ольгу Берггольц, читает стихи, дневниковые записи, причем начиная от конца жизни, устремляясь мыслями к началу ее. И у зрителя складывается целостная история, образ человека, который был открыт всем сердцем этой новой жизни, свято верил в идеалы коммунизма, жил и работал во имя светлого будущего человечества и шаг за шагом, через страдания свои и своих близких, через осознание лжи, цинизма, насилия над личностью пришел к понимаю правды о преступлении власти, государства, партии.
Актриса очень ярко, отчетливо, при помощи буквально нескольких предметов создает на сцене обстановку того времени, мы видим блокадные будни, послевоенное время. Анна показывает нам, как менялось мировоззрение Ольги Берггольц, какой перелом произошел в ее сознании, как открылись глаза на систему и как проявилось в ее характере сопротивление этому режиму
Читая стихи поэта, кстати очень искренне и проникновенно, Анна Геллер смогла донести до зрителя мысль, что с личностью Ольги Федоровны Берггольц, с ее стихами нужно познакомиться заново, подробно и вдумчиво, тем более сейчас, так как ее мысли и ощущения весьма актуальны и значимы не только в историческом контексте, но и в наше время.
P.S. По результатам голосования жюри общества «Театрал» спектакль «Ольга. Запретный дневник» стал лауреатом нашей премии, которую вручали в Доме Актера 13 марта 2023 г.
Т. Проскунова, член жюри «Театрала»
Александринский театр. «ОТЕЛЛО». Режиссёр Николай Рощин
Спектакль «Отелло» поставлен по сценарию Н. Рощина и М. Смирнова по одноимённой трагедии У. Шекспира. Постановка состоит из трёх частей: Дездемона, Отелло и Яго. Каждый из главных персонажей видит только свою версию развития событий, и они противоречат друг другу. Три разных взгляда на одну и ту же историю: пока Дездемона любит, Отелло ревнует, а Яго сводит со всеми счёты.
Дездемона (Мария Лопатина) — доверчивая и малоопытная девушка. Она влюблена, но ей кажется, что дорогой ее сердцу Отелло (Сергей Мардарь) охладел к ней, его больше интересует политика и война, как и всех остальных мужчин: Дожа (Иван Ефремов), Монтано (Виктор Шуралёв), Брабанцио (Игорь Мосюк). В версии Дездемоны убийство интерпретируется с точки зрения неудовлетворённости плоти: жена мавра вымещает свое недовольство на коровьих тушах, вонзая в них с ожесточением острые пики.
Версия Отелло — это рассказ рубаки-воина, человека далёкого от интриг двора, науськиваемого опытным интриганом Яго и поверившего в неверность Дездемоны. Сергей Мардарь появляется не в обычном гриме мавра. Вся голова покрыта татуировкой, которая придает ему воинственный и агрессивный вид. Отелло прежде всего воин, про молодую жену практически забывает, и вспомнить о ней его заставляет не столько ревность, сколько чувство собственника.
Версия Яго — это история мести оскорблённого и самовлюблённого карьериста, который не привык проигрывать. Он без сожаления оговаривает приближенного к мавру лейтенанта Кассио. Умный и подлый манипулятор, он способен творить зло чужими руками, мстит из чувства уязвленного самолюбия, провоцирует драку между Кассио и Родриго. Кассио Тихона Жизневского — нервный и слишком доверчивый красавчик — идет на поводу Яго, который умело подначивает и влюблённого в Дездемону Родриго (Дмитрий Белов).
В течение всего спектакля на сцене то и дело появляется Шут (Елена Немзер) — циничный и ироничный озорник и резонёр. То рассказывает в ярмарочном театре о победе Отелло, то выдает не слишком пристойные шуточки, то эпатажно высказывается и нелицеприятно комментирует поступки каждого героя.
Спектакли Николая Рощина люблю: их отличают оригинальные технологические декорации. В данном случае на сцене — массивная конструкция, легко перемещаемая и скрывающая в себе поначалу крепостную стену с крестом-нишей по центру, а затем по мере развития сюжета душевую кабину, экран телевизора, длинный стол для заседаний, разные открывающиеся окна и двери, пульт управления всей этой машинерией и многое другое.
Спектаклям Рощина присуща зрелищность, настоящая театральность и при этом современное звучание классики.Артисты играли превосходно, но больше всех меня поразил Иван Волков его перевоплощением в неприметного тихого негодяя, который ловко внушал своим легковерным жертвам, как им следует поступать в той или иной жизненной ситуации. Я даже не сразу узнала артиста с непривычной для него прилизанной челочкой! Браво артистам и режиссёру!!!
Спектакль необычный, оригинальный и просто очень театральный, превосходный!
Г. Никольская, член жюри «Театрала»
Театр «Мастерская». Михаил Рощин. «ЭШЕЛОН». Трагическая повесть
Я не люблю спектакли и фильмы про войну и не хотела идти в «Мастерскую» на «Эшелон», но все же попала на него, села в тот самый вагон-теплушку…
Это не спектакль на сцене, не пьеса, не постановка, не слова автора повести в устах актеров — это симфония вне пространства и времени, которая начинается какофонией. Такие разные женщины, — именно они, мужчин в сюжете почти нет, — у каждой своя судьба и мечты, надежды, свое горе, так похожее и одновременно не похожее на боль других; они спорят, ругаются, мирятся. Кажется, еще чуть-чуть — и музыка запнется, ей некуда будет лететь дальше, все рассыплется в прах… Но нет, с новой силой сюжет-симфония отталкивается от земли и парит в вышине….
Вагон-теплушка с рабочими какого-то завода катит в тыл: везут станки, эвакуация. Едут уже долго, матери и с ними дети — будущее нашей страны. Впереди еще долгий путь, бомбежки, голод и неизвестность: зачем едем? куда? Каждая из женщин переживает собственную трагедию: кого-то война лишила детства, кого-то любви, кого-то будущего. Сюжет-симфония то и дело врывается в пространство зрительного зала, ей тесно на сцене, ей недостаточно дощатого пола.
Вдруг музыка становится легкой и нежной, она поет о любви, о надежде, о том мире, которого, кажется, уже больше никогда не будет. Она как бы летает, а потом падает вниз, кричит о предательстве, боли, о том, что можно разминуться с родным человеком всего на пару минут и не увидеть его больше никогда. Симфония врывается в сердце каждого в зале, никто не останется в стороне.
Можно много говорить об «Эшелоне», вспомнить глухонемого юношу, пожилую еврейку, босую девушку, просящую хлеба, но все это будет недостаточным. Мало отметить только гениальную режиссуру Наталии Лапиной или игру талантливых актрис. Для каждой из них роль стала чем-то глубоко личным, созвучным с их собственной историей. Можно сказать только одно — спасибо за эту симфонию!
Вам обязательно нужно прийти в Театр «Мастерская», купить билет на «Эшелон» и позволить музыке захватить вас, пронести через весь сюжет, мягко приземлить в конце и превратиться в безмолвие… «не слышу… я не слышу… я глухой… немой… я не могу говорить…». Даже аплодисменты слышны не сразу, зрители будто боятся прервать тишину, такую хрупкую, как надежда героинь на счастье.
Наталья Осокина, член жюри «Театрала»
Спектакль «ДРУГ МОЙ» в театре «Суббота»
В январе этого года в театре «Суббота» режиссер Андрей Сидельников поставил спектакль по произведению молодого белорусского прозаика Константина Стешика «Друг мой». Скорее, это странная пьеса — монолог с подзаголовком «Ночное путешествие», где один из друзей рассказывает о себе и о своем товарище. И сначала Герой (его играет Иван Байкалов) то и дело повторяет: «сказал мой друг», «сделал мой друг», словно тот не может говорить сам, но потом Друг (актер Владислав Демьяненко) появляется на сцене и монолог переходит в реальный диалог, хотя слова-пояснения автора все же звучат из уст Героя.
Ночное путешествие — казалось бы, обычный выход во двор, чтобы раздобыть сигаретку, — растягивается во времени, и друзья в потоке бесхитростных происшествий, понятных для восприятия, оказываются постоянно перед выбором: как поступить? Как решить те философские проблемы, которые стоят за этими событиями? Герой напряжен, испытывает страх, чувствует опасность, исходящую от любого встречного, и постоянно зовет Друга вернуться домой. А тот, хотя и меньше ростом, и значительно слабее, тянется к людям, пытается понять их. Он, несмотря на собственные проблемы и свое состояние, старается помочь им и спасти тех, кто оказался в беде.
Ночные и предутренние часы в городе полны событиями и лицами. Они вызывают разные эмоции и реакции у друзей: один готов пройти мимо, ведь у него есть много оправданий своего невмешательства, а другой устремляется на помощь. В какой-то момент друзья перестают понимать друг друга, начинают ссориться, и дело доходит до драки. Была ли причина, с чего начался конфликт, — неважно. Главное, что в итоге — утрата. Герой теряет своего друга, единственного человека, которому он был нужен, ведь больше у него никого нет. Надежда тоже растаяла, поскольку и жизнь оказывается уже почти пройдена. Впереди только одиночество — страшное, липкое. А может быть, Герой потерял ту, лучшую часть самого себя, свое второе «Я», которое есть где-то глубоко в каждом из нас?
Весь этот переход от «ночного путешествия» к «путешествию длиною в жизнь» показали великолепные актеры, сыгравшие роли Мужика и Крепкого парня (Григорий Сергеенко), Порезанного и Алкоголика (Алексей Белозерцев), Дворничихи (Анна Васильева). Все они очень достоверны и точны, раскрывая образы своих героев, добавляя необходимые штрихи к характерам друзей.
Все реалии сегодняшней жизни удачно и ярко были подмечены художником спектакля Марией Смирновой-Несвицкой. Над черной сценой горит и наблюдает за происходящим всевидящий глаз, слева от сцены — макет, на котором черные тени (в исполнении Анастасии Полянских и Никиты Памурзина) транслируют события, передвигая белые фигурки. Но не все так мрачно. В ходе действия появляются очень приметные детали: ярко-зеленый мусорный бак, крыло от машины, скамейка, каталка «скорой помощи», которые возвращают нас к реальности, добавляют красок в этой жизни.
Немногословный спектакль заставил зрителей поразмышлять над вещами довольно обыденными, но в то же время очень важными для каждого человека. Наверное, нужно обернуться, спросить у самого себя... Спасибо всем, кто заставил нас задуматься, кто решился на этот взгляд.
Т. Проскунова, член жюри «Театрала»
«ПРОВИНЦИАЛЬНЫЕ АНЕКДОТЫ»,Театр на Васильевском, реж. Р. Смирнов
Две одноактные пьесы — «История с метранпажем» и «Двадцать минут с ангелом» А. Вампилова, объединенные в дилогию, — представлены в Театре на Васильевском. Несомненно, это успех режиссера Р. Смирнова и актеров.
Первая пьеса — типичная комедия положений. Одного ее героя, Потапова (акт. В. Постников), сначала принимают за хулигана и дебошира, а потом считают, что он —«птица высокого полета», и реагируют по правилу «как бы чего не вышло». Причиной недоразумения стала профессия Потапова — метранпаж. Никому в гостинице «Тайга» такая должность неизвестна: предполагают министра, тем более что в командировку в глухой таежный город он прибывает из Москвы. И у зрителей рождаются ассоциации с «Ревизором» Н. В. Гоголя. Администратор Калошин (акт. А. Цыпин) по-настоящему пугается возможных последствий и прикидывается сумасшедшим, с вызовом «скорой помощи» из психиатрического отделения больницы. А. Цыпин чрезвычайно убедительно показывает своего персонажа, способного во избежание скандала представить себя букашкой, божьей коровкой и т. п. Неприятности растут стремительно. В действие вступают доктор (акт. Д. Бродский), жена (акт. У. Чекменева), молодой любовник жены (акт. Т. Шимилев). Все они сразу понимают, в какую историю попал Калошин, и стараются ему помочь. Сам администратор вспоминает прошлое, винит себя в пропащей жизни, душа у него почти приходит в порядок, но известие от доктора, что пульс у него нормальный и он будет жить дальше, не приводит его к пересмотру жизни, к ее изменению. Прояснение сознания было коротким. Кульминацией и одновременно развязкой становится объяснение профессии «метранпаж». Нашелся один человек в городе, который знает, что это — наборщик в типографии. Всеобщее облегчение: ничего такого не произошло и не произойдет, можно жить дальше.
Но оставит ли след в жизни персонажей это недоразумение? Случай, пустяк, стечение обстоятельств иногда становятся самым драматичным моментом в жизни человека, заставляя взглянуть по-иному на многие вещи и задуматься о себе и своем «я».
Хочется отметить остроумное режиссерское сопоставление трансляции футбольного матча и действий героев пьесы, когда один футболист атакует ворота, а одновременно администратор выталкивает Потапова за дверь. Персонажи вовлечены в происходящее в мире через радио, охотно отвечают диктору, в диалогах ведут себя активно.
Во второй пьесе «Двадцать минут с ангелом» случай свел совершенно разных людей и помог выявить человеческую сущность персонажей.
Действие начинается с бытовой ситуации гостиничного похмелья. Все попытки занять у кого-то денег встречают отказ. Случайная выходка, шутка — попросить в долг, не обращаясь ни к кому, крикнув в окно на улицу, — приводит к тому, что совершенно незнакомый человек, агроном Хомутов (акт. В. Сердюков), предлагает героям 100 рублей. Им это непонятно, и давшего денег они принимают за афериста, жулика, сумасшедшего, ангела. Поведение Хомутова абсолютно не вписывается в норму. Его понимают, лишь когда он признается в истинном мотиве. Ангела не узнали, не поняли, что двадцать минут были с ним. Примиряются тогда только, когда ангел превращается в грешника, такого же, как они.
Финалом действия служит сцена всеобщего застолья. Поют песню, которую исполняют на голоса все актеры, поют душевно, пронзительно:
Глухой неведомой тайгой,
Сибирской дальней стороной
Бежал бродяга с Сахалина
Звериной узкою тропой.
Герои оказываются в электричке прямо в разгар застолья, поют песню, а поезд несется, оставляя за собой города и веси.
Как у Гоголя бричка — «птица-тройка». «Куда же несешься ты, дай ответ! Не дает ответа».
Ирина Васильева, член жюри «Театрала»
Спектакль «СИРЕНЫ ТИТАНА», реж.П.Шерешевский, Камерный театр Малыщицкого.
В афише Камерного театра Малыщицкого появилось новое название - "Сирены Титана" (постановка П. Шерешевского по роману К. Воннегута). Роман Воннегута - постмодернистское произведение, игровой роман. Это и фантастическое, и сатирическое, и философское произведение, и антиутопия, и пародия на бестселлеры. Вопросы, поставленные в романе, относятся к разряду вечных: " Зачем человек пришел в этот мир и где его место в нем? Что является истинным человеческим существованием?" "Какого черта тому, кто сотворил этот мир, вздумалось его сотворить?" Автор не пытается на них ответить, это делают его герои. Его роман скорее пародия на поиски смысла цивилизации, существования человечества. Серьезные темы решаются в игривом, юмористическом ключе.
Поиски мирового порядка для постмодерниста абсурдны, бессмысленны. На вопрос: Кто вы? - главный герой Малаки Констант отвечает: "Я - жертва цепи несчастных случайностей, как и все мы". История человечества абсурдна. Песни сирен Титана, воплощающие мнимые ценности, ведут главного героя в никуда. Воннегут- великий скептик. Его арсенал - ирония, сарказм, черный юмор, парадоксы.
Смыслы «Сирен Титана" множественны. Совсем не буду касаться фантастической абракадабры (хроно-синкластический инфундибулум и прочее), новой религии (Церковь Бога Всебезразличного) и много другого в книге и спектакле Шерешевского. Остановлюсь на том, что нашло отклик во мне, особенно тронуло меня. Конечно, чтобы свести концы с концами, нужно было посмотреть спектакль еще хотя бы раз.
Воннегут как-то признался переводчику его произведений на русский язык Ковалевой - Райт в следующем: "Людей часто гнетет одиночество, чувство оторванности от других, от жизни. Писатель может стать связным, он может объединить вокруг себя тех, кто думает, как он, верит в то, во что он верит. И не отнимайте у меня веру в счастье человечества. Я не мог бы выйти из своих пессимистических настроений, если бы не было у меня этой робкой солнечной мечты- этой моей утопии". Режиссер Шерешевский читает" Сирен Титана" как прежде всего гуманистический роман. Он сам признается в этом в комментариях к спектаклю на сайте театра.
Главный герой Малаки, везунчик, плейбой, вдруг лишается своего огромного состояния, оказывается завербованным в армию на Марсе, потом разжалован в рядовые со стертой памятью, чипом в голове, слепо повинуясь приказу, убивает своего лучшего друга. И все-таки желание понять, что творится вокруг, вытравили в нем не до конца, хотя забирали в госпиталь семь раз. Совершив космическую одиссею, медленно, в муках превращается Малаки в человека, для которого единственным смыслом становятся подруга Би, сын и… память о погибшем от его же рук друге. Земляне, ставшие марсианами поневоле, не могут вспомнить, чем была плоха жизнь на Земле. В письме, написанном самому себе, Дядек (он же Малаки) читает: «Когда ты соберешь свою маленькую семью, угони ракету и лети в какое-нибудь мирное, прекрасное место". Так он и поступает. «... смысл человеческой жизни - кто бы человеком ни управлял - только в том, чтобы любить тех, кто рядом с тобой, кто нуждается в твоей любви». Замечательная эволюция героя!
Самыми сильными мне показались сцены спектакля, зафиксировавшие мучительное возвращение человеческого к Малаки, когда он еще чипированный идиот, но происходит своеобразный сбой в программе: не до конца убитые желания чувствовать, мыслить, помнить (то, что делает человека человеком) берут верх над машинным началом. Малаки, сыгранный Антоном Падериным (в том составе, который я смотрел) вызывает сильнейшее сострадание. Идиот, еще не осознавший себя таковым, как будто заново учится говорить, издавая то полустоны, полумычание, то полукрики. Живой образ, не схема. Этот актер- мое открытие: ни в "Замке", ни в "Киллере Джо" я не выделил его среди других.
Несмотря на то, что режиссера, наблюдающего за ходом спектакля из самого темного угла театра, вопреки обыкновению, не было, играли так, как играют на первых десяти премьерных спектаклях. Премьера обязывает к особой сосредоточенности, собранности. Замечательны М. Шишов в роли Румфорда, Н. Черных в роли Беатрисы, С. Грунина в роли Сэло, Голоса.
Значительная часть зрителей Театра Малыщицкого - молодежь, хочется верить- думающая, читающая. Самое время для нее - открыть Воннегута. Не может быть, чтобы после спектакля Шерешевского молодые прагматики и технократы этого не сделали.
Николай Степанов, член жюри «Театрала»
«ХРОНИКИ РАЗДОЛБАЯ». Театр-фестиваль «Балтийский дом».
Режиссер и автор инсценировки Игорь Коняев
Режиссер И. Коняев со своим спектаклем «Хроники Раздолбая» продолжает сотрудничество «Балтийского дома» с автором одноименного романа Павлом Санаевым. Зрители еще помнят мрачный спектакль «Похороните меня за плинтусом» этого же режиссера здесь же, но все равно «Хроники Раздолбая» сразу же завлекают и полностью погружают в атмосферу жизни главного героя — Раздолбая (Иван Чигасов).
Покупая программку к спектаклю, зрители даже не подозревают, что уже вовлечены в действие. А все потому, что театр выпустил замечательную и познавательную программку. В ней собрана «Хроника событий» с 1989 по 1992 годы и немаловажный «Толковый словарь Раздолбая» (от А до Я) , откуда заранее можно узнать, что значит «закатать в цемент», «качать навар», «жить в кайф» и кто такие «барракуда» и «иностры». Многие слова уже позабыты и стали для некоторых зрителей архаизмами, а кто-то и вовсе был с ними не знаком. И вот зрители — как вспомнившие давний сленг почти всей страны, так и впервые с ним познакомившиеся — медленно перемещаются из фойе в зал. А там после первого звонка уже звучит со сцены живая музыка и популярные песни 90-х в исполнении оркестра и вокалистки Светланы Митрофановой. Зрители не остаются равнодушными и по-разному проявляют свои эмоции: кто-то подпевает, кто-то аплодирует, а иногда даже раздаются единичные возгласы «Браво!». Все это происходит еще до начала спектакля. Таким образом создается особая атмосфера в зале.
Действие же самого спектакля происходит в 90-е годы — во время грандиозных перемен в обществе и надежды на новую жизнь в условиях свободомыслия. Но это не отражено в спектакле. Да и название «Хроники Раздолбая» говорит само за себя. В них нет ни четкой сюжетной линии, ни ярко выраженной жизненной позиции у главного героя. Основное действие разворачивается в молодежной тусовке, вне политики. А какая же тусовка без живой музыки и танцев? Поэтому они сопровождают действие на протяжении всего спектакля (музыкальный руководитель — Светлана Митрофанова, музыкальное оформление — Сергей Патраманский). «Невозможно представить начало 90-х без «Алых роз» Раймонда Паулса или «Двух кусочеков колбаски» группы «Комбинация». «Будет звучать Леонтьев, группа Arabesque», — комментирует автор спектакля Игорь Коняев. Хочется отметить и прекрасную работу балетмейстера Марии Кораблевой. Танцы исполняются потрясающе пластично и зажигательно. Очень органично смотрится парочка друзей Раздолбая: Мартин (Егор Лесников) и Валера (Роман Дряблов). А каждое появление женщины-телефона, в блестящем исполнении Виктории Жилиной, зал встречает бурными аплодисментами.
Спектакль получился музыкальный, яркий, зрелищный.
Н.Веженкова, член жюри «Театрала»
Театр-фестиваль «Балтийский дом», Экспериментальная сцена.
«ПАЛАТА № 6». Режиссёр Анатолий Праудин
Спектакль «Палата № 6» поставлен по пьесе актера и режиссера Виктора Бугакова по одноимённой повести А. П. Чехова. Эта история в режиссёрском прочтении Анатолия Праудина получилась актуальной и жутковатой, словно списанной с сегодняшних российских будней.
Всех пациентов психиатрического отделения — Коврина, Солёного, Упадышева, Мерчуткина, Рябовского, Измученко и Ванечку Громова —играет Виктор Бугаков. Предельная психологическая достоверность актера вызывает безмерное сочувствие к его персонажам. Доктор Рагин (Константин Анисимов), мечтавший в юности стать священником, по велению отца становится доктором. Но, не имея призвания к своей профессии, он самоустраняется от больничных хлопот и занимается любимыми делами: читает книги, философствует и пьянствует, только не лечит пациентов. Всем в больнице заправляет православный фельдшер Курятников (Сергей Андрейчук). У него есть только один рецепт излечения от всех болезней: петь акафисты (это хвалебно-благодарственное пение, посвящённое Господу Богу, Богородице, ангелу или какому-то святому). Курятникову помогает наводить порядок бывший шизофреник, а ныне санитар Никита (Александр Кабанов), тут же суетится санитарка Дарьюшка (Маргарита Лоскутникова). Приехавший в больницу второй доктор Хоботов (Юрий Елагин) вместе с ассистентом Ириной Сергеевной Прозоровой (Алла Еминцева) тоже быстро погрузился в ничегонеделание.
Так уж устроена обыденная русская жизнь, что палачи и жертвы легко меняются местами. Милые коллеги не поняли привязанности Рагина к длительным беседам с Ванечкой Громовым и упекли книголюба и философа в палату № 6. Это возмездие судьбы за его пустословие и пренебрежение к делам во вверенной ему больнице. Ведь в России, с её грубостью нравов, несчастные и не согласные с большинством всегда рискуют оказаться в «палате № 6».
Беспросветный быт больницы маленького городка, по безысходности сравнимый разве что с тюрьмой, вырастает до масштабов всей страны. Со школы помнится знаменитое высказывание Лескова о том, что «вся Россия — «Палата № 6». В финале спектакля появляется с того света Антон Палыч (Михаил Брискин) и вместе с другими персонажами закапывает умершего от удара бывшего доктора Рагина.
Спектакль сделан мощно, в нём подняты многие проблемы: и тоталитарное подавление личности, и формальное отношение в России к людям, и равнодушие большинства к окружающей действительности, и оправдание ими своего бездействия тем, что якобы ничего не изменить, что всё бесполезно.
Артисты играют убедительно и слаженно, поэтому становится еще более муторно от происходящего.
Режиссёр Анатолий Праудин никогда не был конформистом и как никто другой ставил смелые, злободневные, неудобные и мучительные спектакли!
Г. Никольская, член жюри «Театрала»
«Камерный театр Малыщицкого», «СИРЕНЫ ТИТАНА». Постановка Петра Шерешевского по роману Курта Воннегута.
Часто ли вы задумываетесь о смысле жизни? И как часто удается найти ответ на этот вопрос? Думать и рассуждать можно бесконечно и определить ответ на этот вопрос, правильно или неправильно просто невозможно! Постановка Петра Шерешевского попытается найти свой ответ и пусть он будет одним из сотен тысяч возможных, но точно останется в умах и сердцах зрителей навсегда!
Книга, написанная Куртом Воннегутом, несомненно, крайне увлекательна, с необычным сюжетом , но очень непростая для восприятия, так как содержит много философских рассуждений. Перенести это произведение на театральные подмостки, на мой взгляд, очень смелый шаг режиссёра, но кто не рискует, тот не пьет шампанского, а Петр Шерешевский может смело открыть его целый ящик, ведь с задачей он справился блестяще!
С чего может начаться почти четырехчасовой спектакль? Конечно же, с лекции! «Коротенечко, минут на сорок, больше не нужно….», как говорится в одной кинокомедии. Собственно так и начинается постановка СИРЕН ТИТАНА Камерного театра Малыщицкого. Зрителя посвящают в особенности философии произведения так, как будто мы находимся с Вами на занимательной лекции; «лектор» приводит много цитат из «знаменитых произведений», посвященных этой проблеме, показывает артефакты, слайды, которые доказывают существование данной истории. Такой режиссерский ход помогает зрителю понять основной посыл постановки, подготавливает к переломным событиям в жизни героев.
Как ни странно, но главными действующими героями в данной постановке выступают стол, камера и экран для проектора. Актерам приходится не только играть на сцене перед зрителями, но и быть представленными через он-лайн трансляцию на экран, и даже через собственные рисунки.
Театр уже давно выходит за рамки сцены и классической игры на ней, этот вид искусства развивается и использует все лучшее, что нам предлагают современные технологии, и это замечательно, ведь не что иное, как театр, является зеркалом эпохи! Постановке СИРЕНЫ ТИТАНА удалось не просто выйти за рамки сцены, а взорвать сознание театрального зрителя новым форматом спектакля!
Я обязательно еще раз побываю на этом спектакле, мне очень хочется увидеть другой состав актеров на сцене, ведь театр обещает неповторимые образы в каждом составе труппы, это сделано специально, ведь все актеры с совершенно разной психофизикой, что будет рождать каждый раз совершенно новый окрас спектакля!
Наталья Осокина, член жюри «Театрала»
Спектакль «Крысолов», «Театро Ди Капуа»
Премьера «Крысолова» состоялась в мае 2022 г. в катакомбах Петрикирхи. Режиссер спектакля — Джулиано Ди Капуа. Автор идеи и компиляции сценария — ведущая артистка театра Илона Маркарова.
Сценарий спектакля построен на трех литературных источниках:
— поэма Марины Цветаевой «Крысолов» (1925);
— философско-религиозный трактат «Происхождение зла» Блаженного Августина (III век н. э.);
— поэма-мистерия Иосифа Бродского «Шествие» (1961).
Кроме того, в тексте использованы письма детей и их родителей, столкнувшихся с пенитенциарной системой.
После приглашения гости театра по звенящей металлической лестнице спускаются в так называемые катакомбы Петрикирхи, где расположены сцена и зрительный зал. Даже не очень искушенный зритель, попав в эту атмосферу, догадывается, что здесь его ожидают полные драматизма события. И только на выходе, как говорится «на нулевой отметке», появляется ощущение, что спектакль завершился.
В основе текста лежит поэма «Крысолов», воспевающая счастливые времена жизни в немецком городе Гамельне (XIII век).
Стар и давен город Гамельн,
Словом скромен, делом строг,
Верен в малом, верен в главном:
Гамельн — славный городок.
Но поэма не стала драматургическим текстом спектакля. Она, как и средневековая легенда о Крысолове, побудила задуматься об ответственности взрослых за судьбы детей. В тексте использованы отдельные отрывки и поэтический ритм поэмы, талантливо «перенесено» самодовольство гамельнцев достигнутыми успехами. Именно в таком «замечательном месте», почти в Гамельне, расположена детская колония, в которой «воспитывают» детей старше 14 лет.
«Мне здесь лучше, меня накормят три раза в день, спать уложат, утром поднимут, что еще нужно?» — говорит один из старожилов-сидельцев. По словам недавно поступившего в колонию 14-летнего мальчика (арт. А. Кошкидько), «тут вообще как на воле; ну, растения есть, все есть».
Талантливо «применены» к ситуации философско-религиозные искания Блаженного Августина. На исповеди детей тюремный проповедник вещает: «Вы лишены свободы, но на самом деле вы лишены свободы зла».
Отсидев свое и выйдя на волю, не приспособленные к самостоятельной трудовой жизни подростки очень скоро «зарабатывают» себе новый срок и возвращаются в колонию на многие годы.
Сценическое действие в спектакле состоит из небольших зарисовок о жизни в колонии. Они представлены в очень живой форме не только словесно, но и визуально, пластическими средствами: танцами, акробатическими движениями и жестами. И всегда в сопровождении живой музыки: фортепианной (И. Маркарова), духовой (труба, В. Гайворонский) или вокала (весь состав артистов). Начинается и заканчивается день в колонии под звук трубы. И в конце спектакля она остается между двумя уже закрытыми половинками занавеса над большим тюремным замком как символ неизменности установленного порядка.
Многие зарисовки спектакля (И. Маркарова, И. Устинович, А. Кошкидько) представляют текст так, что у зрителя возникает когнитивный диссонанс: они пластически выражают прямо противоположный высказываемым словам смысл. Например, «вовремя засыпай» движениями рук изображают воткнутым в шею стержнем, а слово «город-благость» иллюстрируются жестами, словно перерезывающими шею. Актеры выглядят как куклы: в высоких шутовских колпаках и болтающихся на шее бумажных жабо. При этом они двигаются, как заводные игрушки.
И все же в «городе-благости» случился чрезвычайный случай. Произошло убийство лейтенанта, который заразил ребят СПИДом. Он превратил их в «опущенных», то есть не только тяжелобольных, но и всеми презираемых. «Расследование» этого трагического преступления началось с измерения у подозреваемых длины рук, пальцев, носа и других параметров тела.
С большой эмоциональностью под собственный аккомпанемент на фортепиано вальса Чайковского артистка Маркарова со слезами в глазах обращается к Петру Ильичу — символу русской души. Она жалуется на несправедливость, которая царит при расследованиях и вынесении скоропалительных жестоких приговоров детям за мелкие нарушения, на полный разрыв связи между родителями и детьми во время их изоляции.
Согласно статистике, количество детских исправительных колоний за последние 10 лет уменьшилось. Все они перечисляются в спектакле. Тем не менее число заключенных ребят (мальчиков и девочек) измеряется десятками тысяч. Но эмпатии к детям и общественного обсуждения этого жестокосердного явления нет. «Театро Ди Капуа» — первый и единственный в Санкт-Петербурге и, может быть, даже в стране — художественными средствами поднимает эту значимую «болезненно-кровоточащую» проблему на уровень общенародного обсуждения.
В.Вороновицкий, член жюри «Театрала»
«БАРОН МЮНХГАУЗЕН».
Комедия в 2 действиях по мотивам сценария Г. Горина.
Театр им. В. Ф. Комиссаржевской. Режиссер Роман Габриа
Какой должна быть постановка «Мюнхгаузена»? Конечно, необычной, яркой и заставлять зрителя задуматься, примерить на себя образ героя!
Что такое постановка Романа Габриа? Это когда перед началом спектакля все зрители стремятся не в буфет, а скорее — в зал, ведь спектакль на сцене начинается задолго до третьего звонка. Так и в «Мюнхгаузене» Богдан Гудыменко (исполнитель главной роли) в пантомиме, предваряющей спектакль, передал боль, мечты, надежды и терзания своего героя.
София Большакова в роли Марты, возлюбленной Барона, покорила мое сердце с первых мгновений ее появления на сцене. В постановке Марта — немая, и в течение всего действия разговаривает, и даже поет, исключительно жестами — ими же передает свои эмоции, страдания и поддерживает контакт со зрителем.
Необычной находкой режиссёра стали прямые онлайн включения из телестудии, где в утреннем шоу берут у Барона скандальные интервью. Актерская игра и компьютерные технологии смогли не просто ужиться на одной сцене, но и прекрасно дополнить друг друга, сделав спектакль современным и в то же время истинно классическим. .
Постановка получилась и веселой и грустной, фантастической и фундаментальной, она заставляет задуматься о том, кто же такой Барон Мюнхгаузен, оценить, насколько сюжет актуален в наши дни; как серые будни, навязанные стандарты и рамки могут душить человека. Ведь жить надо так, чтобы каждый день совершать подвиг, за любовь стоит бороться, за нее можно отдать все — в том числе и жизнь….
Однозначно, для меня этот спектакль стал одним из самых ярких и запоминающихся в театральном сезоне 2022 года, и он заслуживает того, чтобы его увидеть!
Наталья Осокина, член жюри «Театрала»
Опера Ж. Бизе «ИВАН ГРОЗНЫЙ». Театр «Санктъ-Петербургъ Опера».
Режиссер Ю. Александров, художник В. Окунев
В театре «Санктъ-Петербургъ Опера» произошло событие — постановка оперы Ж. Бизе «Иван Грозный», которую авторы преподносят как мировую премьеру. В самом деле, мало кто знает, что великий композитор написал эту оперу в 25 лет на сюжет российской истории XVI века об Иване Грозном. Бизе сочинил свое произведение на готовое либретто Ф. Леруа и А. Трианона, которое уже было ранее предложено Шарлю Гуно.
В XIX веке были популярны сюжеты экзотические, романтические, восточные (как в опере «Искатели жемчуга»). Бизе как молодому человеку пришлась по сердцу история влюбленности молодого русского царя Ивана в черкесскую княжну. Она известна нам под именем Марии Темрюковны, ставшей второй женой Ивана IV.
Опера открывается прекрасной сценой природы: горный ручей, к которому пришли за водой молодые девушки, и среди них Мария. Случайно у источника оказывается инкогнито царь, и действие получает развитие, которое зритель может легко вообразить сам. Безусловно, как в любой опере, бушуют страсти, интриги. Внезапно появляется черкесский воин и сообщает, что Кавказ захвачен русскими. От имени царя они требуют отдать им Марию, иначе убьют всех детей в их селении. Чтобы спасти свой народ, Мария соглашается уйти с захватчиками. Далее мы видим кремлевские палаты — царь празднует победу над татарами. И вот настало время выбрать невесту. К Ивану подводят девушек, покрытых вуалью, среди них Мария и дочь боярина Юрлова. Иван выбирает Марию, а Юрлов, оскорбленный выбором царя, клянется отомстить ему. В общем, действие затейливо продвигается вперед и заканчивается наказанием преступника и интригана Юрлова
Музыка Бизе, как всегда, хороша: чудесные арии, дуэты, ансамбли и хоры! Полные драматизма сцены звучат в исполнении Алексея Пашиева (царь Иван), Олеси Гордеевой (Мария Темрюковна), Ларисы Поминовой (булгарин), Ярамира Низамутдинова (Игорь, сын Темрюка).
Постановка «Ивана Грозного» Ю. Александровым — выразительна, масштабна, но, на мой взгляд, чересчур консервативна. Она могла бы быть более современной, ведь мы — зрители и слушатели XXI века и практически первыми видим оперу на сцене не в концертном исполнении, а с декорациями, костюмами, мизансценами. В любом случае, большое спасибо режиссеру и всему коллективу за то, что представили нам еще один шедевр Жоржа Бизе.
Ирина Васильева, член жюри «Театрала»
Театр «Пушкинская школа Владимира Рецептера».«ПЕТР И АЛЕКСЕЙ».
В год 350-летия со дня рождения Петра Великого на фоне многочисленных мероприятий наш любимый театр «Пушкинская школа» выпустил премьеру о сложнейшей странице истории Российской империи — спектакль «Пётр и Алексей».
Художественный руководитель театра Владимир Рецептер выступил постановщиком и автором пьесы по мотивам «Истории Петра» А. С Пушкина. Драматические сцены в стихах на основе этого произведения сопровождаются комментариями Пушкина и самого режиссёра. Роль рассказчика поручена Григорию Печкысеву. Актёр тонко, интеллектуально и немного отстранённо выступает в монологах и репликах, поясняя происходящее на сцене. Ощущается увлечённость исследовательской поэтической мыслью при работе над историей Петра. Сценическое решение художника Е. Жуковой помогает актёрам создать нужную атмосферу: перемещения героев на сцене, живое пламя свечей, колебание теней, домотканая одежда погружают зрителя в петровскую Русь
Самое эмоциональное зрительское впечатление возникает от фигуры Петра I в исполнении Павла Хазова — очень точное попадание в образ великого императора. Этот актёр — в узнаваемом гриме с горящими глазами — предстает перед зрителями таким, каким мы привыкли его воспринимать. Но Владимир Рецептер, вслед за Пушкиным, показывает Петра человеком, которому свойственны глубокие раздумья о жизни и смерти, милосердии. Возникают вопросы: жизнь человеческая предопределена, подчинена судьбе — или властвует над нею?
В разговоре с сыном Алексеем (акт. А. Хайменов) Пётр по-отцовски пытается все объяснить, вразумить и увлечь царевича будущим России, но наталкивается на ярость бунта и полного неприятия. Мы видим, как по-человечески сломлен великий реформатор: он еле успевает закрыть лицо платком, сдерживая рыдания! Блестящая, очень сильная сцена с участием Павла Хазова, сумевшего продемонстрировать мощный дар своего героя — быть человеком!
Спектакль заканчивается разговором двух горожан, обсуждающих последние дела российские. Они потрясены участью царевича и в то же время сочувствуют царю Петру.
Позиция автора пьесы В. Рецептера не вызывает сомнений: сегодняшнее осмысление таких страниц российской истории нам необходимо!
Т. А. Кузнецова, член жюри «Театрала».
Музей театрального и музыкального искусства.
Спектакль «КРАСНЫЙ ФОНАРЬ».
Режиссер Дмитрий Крестьянкин.
В октябре в Музее театрального и музыкального искусства состоялась премьера спектакля «Красный фонарь» режиссера Дмитрия Крестьянкина. Эпистолярное действие о дирекции императорских театров написал драматург Алексей Синяев. Он присутствовал на спектакле, который я смотрела. Играли мои любимые молодые выпускники курса Сергея Дмитриевича Бызгу РГИСИ Иван Капорин и Максим Сапранов.
Спектакль основан на дневниках, воспоминаниях и письмах последнего директора императорских театров Владимира Аркадьевича Теляковского (1860–1924). Он вёл дневники, в которых подробнейшим образом день за днём описывал свою работу и события в императорских театрах. А его имя мне известно по биографии Сергея Дягилева.
Свою карьеру в театре Теляковский начал совершенно случайно, придя в него прямиком из лейб-гвардии конного полка, где дослужился до чина полковника. Тем не менее оказался очень успешным директором всех императорских театров.
Ему приходилось бесконечно лавировать, но он магическим образом блестяще находил баланс между интересами артистов, двора и публики. Служил до самой революции; в 1917-м его арестовали по доносу одного артиста, но скоро освободили. Сначала работал на железной дороге кассиром, а позже — инспектором в банке. Параллельно писал мемуары. Отказался занять должность заведующего организационно-хозяйственной частью петроградских академических театров. Устроил сапожную мастерскую при железной дороге.
Символично, что спектакль проходил в бывшем кабинете Теляковского. Посредине него был выстроен помост, на котором установили шкаф Pendaflex. Его ящики артисты периодически открывали и доставали очередной реквизит для создания нового образа.
Симпатичные, пластичные актеры со всем обаянием молодости погрузились в лёгкое хулиганство; с большой долей иронии и шутовства перевоплощались то в Шаляпина, то в Теляковского, то в Мейерхольда, то в Кшесинскую.
Игра со зрителем — фирменный приём режиссуры Крестьянкина. Вот и в этом спектакле публика тоже вроде бы выбирает, как надо поступить Теляковскому в той или иной драматической ситуации, хотя он уже сто лет назад сделал свой выбор. Именно культура и позволила ему не просто выживать, а жить, не теряя достоинства.
Спектакль отличный: весёлый, зажигательный и в то же время остроактуальный! Спектакль-размышление о том, что такое выбор и зависит ли что-то от нашего решения. Как в ситуации, из которой уже нет выхода, жить с достоинством.
Спектакль очень понравился! Браво потрясающе талантливым артистам и режиссёру!
Г. Никольская, член жюри «Театрала»
Театр «Пушкинская школа Владимира Рецептера». «ПЕТР И АЛЕКСЕЙ». Режиссер Денис Волков .
В мае 2022 года состоялась премьера спектакля «Петр и Алексей». Пьеса в стихах написана Владимиром Рецептером. В основе ее лежит текст А.С. Пушкина «История Петра». Режиссер спектакля Денис Волков—воспитанник и последователь Рецептера. Уважаемый руководитель театра «Пушкинская школа» не первый раз обращается к этой остродраматической и важной для петровского времени теме: передача наследной власти в Российской империи. Впервые несколько упрощенный текст в поэтическом изложении был представлен самим автором в моноспектакле «Странный монарх» и прозвучал на радио в его же исполнении в 1988 году, затем в 2003 году моноспектакль «Монарх» был поставлен в Пушкинском центре.
Сегодняшняя премьера — многофигурный спектакль; в нем заняты почти все артисты «Пушкинской школы». Текст пьесы спектакля представлен также в поэтической форме; он стилизован под петровскую эпоху и насыщен яркими народными выражениями и поговорками. Очень важную скрепляющую роль в разнонаправленной драматургии спектакля играют введенная режиссером роль «Лица от театра» (Г. Печкысев), а также музыкальное оформление (С. Патраманский).
Главную роль исполняет Павел Хазов. Это крупный актер, и его Петр тоже крупный: и темпераментом и духовным деспотизмом. Он —эмоциональный стержень всех происходящих событий. И не только в новой «каменной столице на болоте», но и по всей расширяющейся Российской империи: на Камчатке, в Хиве, в Азове.
Начинается спектакль с приема царем «птенцов гнезда Петрова»: графа Толстого (Д. Волков), барона Шафирова (П.Сергиенко), любимца князя Меньшикова (А. Виткалов), посланца убитого князя Берковича поручика Кожина (М. Кудрин). Идет отчет о выполнении поручений. Все эти сановники не обделены талантами и самостоятельностью, но приноравливаются к монаршей воле. Толстой — умный, по-европейски образованный и обходительный; он незадолго до этого обманным путем привез бежавшего в Европу царевича Алексея; Шафиров — сообразительный и откровенно дипломатично лебезит, Меньшиков — большой жизнелюб и дерзкий вор, всегда имеющий про запас для царя хорошую новость. Все это кратко и точно описывает первый русский поэт, современник Петра I, Антиох Кантемир: «Больше врет тот, кому далось больше разумити».
Антиподом Петра является его двадцатилетний сын и наследник Алексей (С. Хайменов). Он противник всех преобразований отца и негласно обвиняет его в отступлении от старых порядков и православной веры. Вокруг любимого народом царевича образовалась группа влиятельных заговорщиков. После расследования Алексея обвинили в заговоре и тайно казнили. Жестоко поступили и с его сообщниками, в том числе и с матерью Алексея, Евдокией Лопухиной, первой женой Петра. Роль Алексея трагична на протяжении всего спектакля, но наибольшей силы, раздирающей душу, она достигает в предсмертной молитве-исповеди.
Сцена театра «Пушкинская школа» очень невелика, однако режиссеру удалось разыгрывать там и праздничные народные гуляния с шествиями, и сходы для обсуждения запрещенных слухов, и народные торжества по случаю завершения очередных сооружений или военных объектов.
В спектакле зрители не получают однозначного ответа на вопрос, прав ли царь, совершивший злодеяние. А. С. Пушкин тоже не дает ответа в своей «Истории Петра». Но в конце упомянутого ранее в этом тексте моноспектакля «Монарх» есть разговор Петра с Роком. Вот он:
Рок: «Благодарю тебя за службу, царь!»
Петр: «А я тебя за камень».
В.Вороновицкий, член жюри «Театрала»
«МЕТАЛЛОЛОМ» (трагикомедия). «Наш Театр».
Режиссер з.а.России Лев Стукалов
Этот спектакль нашел меня в очень нужное время, когда сама я задавалась вопросами к своей судьбе. Три монолога. Три крика души. Три женщины. Актриса, Училка и Малярша. Что может быть у них общего? Какие жизненные ситуации их могут связывать?
Со сцены звучат три монолога. Все декорации— четыре табуретки, лист ржавого металла и стоптанные ботинки, которые успеют поносить все героини пьесы. Их жизни проходят абсолютно в разных плоскостях, они относятся к разным социальным группам.Да и трагедия у каждой своя, возможно даже смешная на взгляд других, но все они идут по одной дороге, вот в таких старых ботинках, которые, кажется, прошли уже много сот километров, но еще столько же их ждет впереди.
Такие спектакли не позволяют актерам работать вполсилы. Героиням, роли которых исполняют Марианна Семенова, Юлия Молчанова, Ольга Кожевникова, Дарья Чернявская, удается с первых фраз завоевать внимание зала. Временами казалось, зрители даже переставали дышать, чтобы не пропустить ни одного слова, ни одного жеста. Каждый верил, что именно ему рассказывают о его мечтах, надеждах, боли и разочаровании!
Получили ли героини ответы на свои вопросы? Конечно, нет. Это жизнь, она никогда не бывает однозначной и прямолинейной. Получили ли ответы на свои вопросы зрители? Думаю, да — по крайней мере я, выйдя из зала, ощущала, что за спиной распустились крылья! Сама пьеса и талантливая игра актрис напомнили, что даже из самой трагической, запутанной и сложной ситуации есть выход — порой такой простой, неожиданный. Иногда сам поиск ответов и есть счастье!
При всей серьезности сюжета, спектакль воздушный, пронизанный юмором, легко находит путь к сердцу зрителя! Я обязательно схожу на эту постановку еще раз и уверена, что она снова оставит только приятный след в моей душе!
Наталья Осокина, член жюри «Театрала»
«ОПЕРА НИЩЕГО» в театре «Суббота»
В конце октября этого года в театре «Суббота» состоялась премьера спектакля «Опера нищего». Эту криминальную комедию поставил Петр Юрьевич Шерешевский. В ее основе —одноименная пьеса Джона Гея, написанная триста лет назад и использованная Бертольдом Брехтом в «Трехгрошовой опере».
Действие пьесы Петр Шерешевский (выступающий и как сценарист, под псевдонимом Семен Саксеев) перенес в 1990-е годы. Они еще очень свежи в памяти и легко узнаваемы по образам героев пьесы, по их нарядам, по «кожанкам», по золотым цепям, по выражениям лиц да и просто по речи, по поведению — короче, по тогдашним «ценностям».
Для чего режиссер предпринял попытку показать ту эпоху? Мы все еще ее помним. Мы тогда были молодыми, счастливыми, верили в свое будущее, в то, что сможем построить жизнь согласно своим убеждениям. Вокруг действительно было много грязи, насилия, лжи — ведь вся эта муть всплывает в трудные, неопределенные, лихие годы. Может быть, автор обратил свой взгляд в то прошлое, чтобы по аналогии с ним попытаться разобраться в дне сегодняшнем? И напомнить, что за бездействие, за «непротивление», за молчание придется расплачиваться обязательно! Это такой звоночек....
А для наглядности — все образы как живые! Прекрасные актеры рельефно, ярко и очень самозабвенно сыграли, спели и прожили жизни воров, убийц, проституток, «служителей порядка».
Театр «Суббота» всегда радует зрителей искренностью, увлеченностью, полным погружением в эпоху. Музыкальные пристрастия 90-х очень наглядно, с полной отдачей, были представлены актерами: Владиславом Демьяненко (исполнителем роли Миши Молотова, по кличке Мэкки, главаря ОПГ), Софьей Андреевой (старший лейтенант милиции Людмила Локтева), Анастасией Полянской (Полина, дочь криминального авторитета), Алексеем Белозерцевым (Николай Локтев, полковник милиции), да практически всеми артистами на сцене.
Прекрасно подмечены художниками спектакля Фемистоклом Атмадзас и Ольгой Атмадзас (придумывала костюмы) яркие детали того времени. Это надгробные плиты, которыми были «удостоены» в конце своей жизни «братки», их униформа — малиновые пиджаки, спортивные костюмы и домашние халаты из настоящего шелка. Только уж больно неправдоподобными оказались стволы «родных березок» — такого размера они не достигают, да и мешают обзору всех уголков сцены. Спасают положение технические средства связи: вездесущая камера снимает закрытые зоны и зрители видят все детали происходящего на экране, на котором, как напоминание о тех временах, периодически крутят хронику и телерепортажи о выборах 1996 года.
Огромное спасибо Петру Юрьевичу за работу, за повод задуматься
Т. Проскунова, член жюри «Театрала»
Театр имени Андрея Миронова. «МЁРТВЫЕ ДУШИ». Режиссер Влад Фурман
Летом 2022 года в Санкт-Петербургском театре имени Андрея Миронова успешно прошла премьера спектакля «Мертвые души». Это второе обращение режиссера Влада Фурмана к поэме Н.В. Гоголя. Первое состоялось в 1993 году, и на протяжении 20 лет тот спектакль был визитной карточкой театра (его прежнее название – «Русская антреприза имени Андрея Миронова»). Тогда Влад Фурман был 24-летним молодым режиссером, выпускником мастерской Г.А. Товстоногова в ЛГИТМиКе. Сам Фурман считает спектакль «Мертвые души» знаковым для Театра имени Андрея Миронова — как «Турандот» для Вахтанговского, «Чайка» для МХТ.
«Мертвые души» 2022 года — это не ремейк постановки 1993 года, а совершенно новый спектакль в сценическом оформлении Олега Молчанова, с оригинальной музыкой композитора Сергея Верховцева и объемными костюмами и масками петербургской художницы Галины Филатовой. Основная концепция сохранилась: триединство. «Мертвые души» 2022 года — это история грехопадения человеческой души. Три ангела спускаются на землю и, вселяясь в тела гоголевских героев, пытаются реализовать себя.
Несмотря на то, что один артист играет несколько персонажей и одного персонажа играют несколько артистов, целостность образа сохраняется на протяжении всего спектакля. Это достигается благодаря мастерству актерского состава (Александр Васильев, Филипп Чевычелов, Евгений Бойцов, Вадим Франчук, Дмитрий Кушнерев, Михаил Черкашин) и великолепным костюма и маскам Галины Филатовой, в которых воплотились тела, плоть персонажей.
Спектакль получился необычным, веселым, заставляющим думать. Он интересен для зрителей любого возраста.
Н.Веженкова, член жюри «Театрала»
Театр на Васильевском. «УРОЖАЙ». Режиссер Руслан Нанава
Театр на Васильевском выпустил спектакль «Урожай» по пьесе современного белорусского драматурга и сценариста Павла Пряжко .
Сюжет и пьесы, и спектакля прост: четверо молодых людей собирают яблоки в прекрасном саду. Валера (Иван Конкин) — с претензией на лидерство, Егор (Даниил Харин) — легкий «прикольный» парень. Его любимая оценка всего, что видит, — «прикольно». Люба (Ксения Чекушкина) — совсем простая и наивная. Старательная — Ира (Дарья Похило). Режиссер помещает героев в первый ряд зрительного зала, а прямо перед ними — симфонический оркестр. Роскошно и со вкусом одетые ребята (художники Николай Слободяник и Татьяна Анастасова) выглядят как «золотая молодежь», пришедшая на светское культурное мероприятие. Но они совершенно не умеют слушать и воспринимать чудесную музыку и продолжают решать свои проблемы, перебегая с места на место на полусогнутых. Каждое событие — от внезапного падения яблока до укуса пчелы — приводит их в состояние ужаса. «Герои спектакля блаженны в своем тотальном невежестве. Проблема этих людей изначально — в их воспитании, культурном образовании. А изменить их сознание и мировоззрение мы не в силах», — рассказывает Руслан Нанава.— Мы не ставим своей задачей иллюстрацию пьесы впрямую. Это спектакль-наблюдение. Мы наблюдаем за тем, что происходит с героями, и то, к чему это может привести». А приводит это к тому, что «неумехи», придя собирать урожай яблок в великолепном яблоневом саду, превращают его в деревья со сломанными ветками.
Оркестр на сцене театра становится еще одним из героев спектакля. Прекрасное исполнение Симфоническим оркестром Санкт-Петербургской государственной консерватории имени Н.А. Римского-Корсакова части Седьмой симфонии Д.Д. Шостаковича и «Болеро» Равеля как нельзя полно и гармонично иллюстрирует действия молодых людей.
Спектакль заставляет зрителя невольно задуматься: какими останутся после тебя «райский сад»? твоя Родина? твоя Страна? твое Отечество? Что ты сделал, чтобы не сломать ветки яблонь? И каждый думающий зритель должен честно ответить, хотя бы самому себе, на эти вопросы.
Роли в спектакле успешно исполняют молодые, только что получившие дипломы артисты курса н.а. России Юрия Ицкова РГИСИ при Театре на Васильевском.
Спасибо Театру на Васильевском за такой спектакль.
Н.Веженкова, член жюри «Театрала»
«ПЕТР И АЛЕКСЕЙ». Театр на Литейном. Режиссер Сергей Морозов
Череда мероприятий, приуроченных к 350-летию со дня рождения Петра I , проходит в Санкт-Петербурге. Это и выставки, и показ кинофильмов, и, конечно же, спектакли. В их числе и спектакль Театра на Литейном «Петр и Алексей», который впервые был показан на фестивале «Культурный Выборг».
В основу сюжета лег роман Дмитрия Мережковского, написанный в 1904 году и имеющий сразу два названия: «Антихрист» и «Петр и Алексей». Режиссер и автор инсценировки Сергей Морозов делает акцент на второй его части.Выбраны фрагменты романа, описывающие не политические и придворные интриги начала XVIII века, а проблемы нравственного выбора человека. Петр и Алексей. Отец и сын. Царь и наследник великой державы. Любимая и любящая женщина Ефросинья, невольно ставшая фигурой в политических играх.
На протяжении всего спектакля зритель наблюдает единство и борьбу противоположностей. Проявляется это и в споре о названии города, воздвигнутого по воле Петра: Петербург или?.. и во внутренней борьбе Ефросиньи (Виктория Чумак): она хочет быть просто любящей и любимой женщиной, но ее втягивают в политические игры и заставляют уговорить Алексея вернуться на Родину. Алексей Петрович (Вадим Степанов) вынужден делать выбор: править ли ему при определенных условиях, но менее прогрессивно, или уйти в монахи («клобук не приколочен. Его можно и снять»). Но самый тяжелый выбор предстоит сделать самому Петру (Александр Цыбульский). Зритель наблюдает за борьбой между Отцом и Царем. Как Отец Петр очень любит своего сына. Он даже готов дать согласие на брак Алексея и Ефросиньи (царь женат на портомойке, а Алексей — на поломойке). Но как Царь Петр не видит в Алексее достойного продолжателя своих идей. Понимая, что только кардинальные реформы дадут стране развитие, Петр вынужден убирать всех, кто этому мешает. Как же мучительно дается ему решение! Но он его принимает и жертвует сыном ради процветания страны. Чтобы у нее было прекрасное будущее.
Тонкая игра артистов, музыкальное сопровождение, строки из поэмы А.С. Пушкина «Медный всадник» и даже декорации позволяют зрителю сосредоточиться на главной теме спектакля: проблеме нравственного выбора.
Н.Веженкова, член жюри «Театрала»
«КРЫСОЛОВ», по одноименной поэме М. Цветаевой. «Театро Ди Капуа»
Поистине «театр начинается с вешалки», а спектакль «Крысолов» начинается с катакомб Петрикирхе. Они стали сценой, декорациями, кулисами и зрительным залом, создавая особую мистическую атмосферу.
Каждая премьера «Театро Ди Капуа» — это яркое событие, немного скандальное, но уж точно не проходящее незаметно! Так было и в этот раз, поклонников «Театро Ди Капуа» не смутило ни позднее время начала спектакля, ни холодный дождливый вечер; в зале был настоящий аншлаг!
В основе постановки — пьеса Марины Цветаевой «Крысолов», которая пересказывает немецкую легенду и акцентирует внимание общества на детях, страдающих от равнодушия взрослых. Также в спектакль вошли интервью малолетних заключенных российских тюрем, детей из неблагополучных семей, оказавшихся в колониях общего режима по недосмотру взрослых. Спектакль появился в нужный момент — сейчас он как никакая другая постановка созвучен эпохе и времени!
На сцене не остается места фальши или полуигре актеров, ведь единственными декорациями выступают старое разбитое пианино, пара стульев и непосредственно сами катакомбы. Темный спектакль полон гротеска, черного юмора, он выворачивает на поверхность все то, что мы сами стараемся спрятать поглубже внутри себя.
За музыкальное оформление отвечает знаменитый трубач Вячеслав Гайворонский — он исполняет пьесы из «Детского альбома» Чайковского. Живая музыка еще больше подчеркивает абсурд ценностей и душевного спокойствия современного общества.
Весь спектакль актеры перевоплощаются в разные образы, основу их костюмов составляют темные робы и стоптанные дырявые ботинки. Но стоит надеть шутовской колпак или кожаный плащ — и перед вами уже совсем другой герой, который расскажет свою историю.
Я не просто была зрителем этого спектакля, я его пережила, ловила каждое слово, боясь упустить что-то, подвести актеров, которые, казалось, играли для меня одной. После того как занавес закрылся и его сковали цепью и закрыли на замок, словно боясь, что эти подмостки сами могут заговорить, даже когда их покинули актеры, я поняла что уже никогда не буду той же девушкой, которая, смеясь, спускалась по темной лестнице катакомб в предвкушении громкой премьеры. Я стала другой, я выросла, я повзрослела всего за один час, но как же это прекрасно!
Режиссер — Джулиано Ди Капуа. Автор идеи и компиляции текста — Илона Маркарова. Актеры: Илона Маркарова, Игорь Устинович, Александр Кошкидько, Андрей Жуков. Звуковой дизайн — Денис Антонов. Хормейстер — Александр Богачёв.
Наталья Осокина, член жюри «Театрала»
Студия-театр Бызгу. Спектакль «ДЕТИ ПРОХОДНЫХ ДВОРОВ vol. 2.0»
В городе появилась Студия-театр Бызгу, организованная из выпускников 2022 года актёрской мастерской РГИСИ Сергея Дмитриевича Бызгу. Его студентов, нежно и любовно называемых бызятами, полюбила с их первых этюдов и старалась не пропускать их открытые уроки по актерскому мастерству — это «Наблюдения за людьми» на 1-м курсе, «Отрывки» и «Планета людей» на 2-м курсе, «Онегин» на 4-м курсе. На этих талантливых студентов обратила внимание не только я, уже во время обучения у них появился свой зритель. А знаменитые «Буэндиа» в постановке Сергея Бызгу и «Врата рая» в постановке Галины Бызгу посмотрели многие, это невероятно сильные и мощные спектакли.
И вот 8 и 9 октября новый театр выпустил первую премьеру — «Дети проходных дворов vol. 2.0» в зале Лендока. Был аншлаг, люди стояли возле стенок, в основном, конечно, молодежь— фанаты Виктора Цоя (ему посвящен спектакль) и поклонники бызят. Перед спектаклем на сцену вышел руководитель постановки Сергей Бызгу, поздравил с рождением нового театра и представил всех причастных к премьере. Спектакль был не похож на тот, что показывали в Учебном театре. В том спектакле каждая песня Цоя перемежалась личной историей одного из артистов; в новом варианте господствовала единая концепция, хотя истории тоже были.
В концерте исполнялись известные и не очень песни Виктора Цоя. А их современные аранжировки зазвучали настолько необычно, что не сразу и узнавались!
Помимо песен в концерте были озвучены тексты Виктора Цоя, Иосифа Бродского, Роберта Рождественского, Сергея Есенина, Антуана Экзюпери, Олега Ягодина (лучшего артиста из Екатеринбургского театра Николая Коляды и фронтмена рок-группы «Курара») и тексты бызят — Галины Денисенко, Юрия Дементьева, Валерии Чеховской, Игоря Астапенко, Константина Тимофеева, Владислава Низовцева и Анастасии Филипповой.
Концерт начался с выступления Александра Дробитько (он уже давно знаком кинозрителям по фильму «Похороните меня под плинтусом», сериалу «Мосгаз» и др.) с песней «Дети проходных дворов» в собственном сопровождении на клавишных. В исполнении потрясающего артистического трио Владислава Низовцева, Игоря Астапенко Валентина Лапыря необычайно мило и шаловливо прозвучали «Малыш» и «Восьмиклассница». Трио прелестных девушек — Галина Денисенко, Валерия Ермошина и Дарья Чехова — покорило своим энергичным исполнением песни «Битник». Не подозревала, что при всей своей хрупкости Анастасия Филиппова обладает таким красивым сильным голосом.
Песни Цоя как никогда прозвучали актуально, словно написаны вчера! С каким драйвом и энергетикой артисты их исполнили! Весь концерт на сцене играли музыканты-студенты с курса Григория Козлова — Пётр Сидько, Павел Маслаков и Василий Чернобылов.
Спектакль-концерт очень понравился! Световое оформление, великолепный звук, отличное исполнение и профессиональный подход — всё способствовало успеху! Бызята в очередной раз влюбили в себя!
Брави! Зал неистово аплодировал!
Г. Никольская, член жюри «Театрала»
«Как арапа женили. Невероятные приключения Петров Великих и прадеда Александра Пушкина в прошлом, настоящем и будущем».
Театр-фестиваль «Балтийский дом»
Поход в «Балтийский дом» на этот спектакль — как раз тот случай, когда «театр начинается с вешалки», точнее с фойе! Еще до начала представления зрители познакомятся с Ангелом со шпиля Петропавловского собора, вы увидите Петра Первого и Екатерину, точнее даже не одну пару — а целых восемь! Ведь чем больше императоров — тем лучше! Или все же Петер Первый может быть только один? а остальные — самозванцы? У вас будет возможность определить, кто же тут настоящий Петр!
Если вам посчастливилось оказаться в нужное время и в нужном месте, когда Петры Первые и Екатерины в фойе рассказывают предысторию и, наверное, основную мысль спектакля, то вы совсем не удивитесь, если Ангел со шпиля Петропавловского собора решит познакомиться поближе с именно с вами. Потому что оно — в смысле ангел, а, как мы знаем, они существа бесполые — наблюдало за вами давно и очень хотело пообщаться, задать вопросы, которые так волнуют ангелов. Вы сможете самолично перенести декорации по просьбе ангела, а также вдохновить это создание на рэп-песню.
На мой взгляд, всегда очень сложно ставить спектакли по мотивам книг, которые давно экранизированы и горячо любимы народом! Ведь волей-неволей мы будем сравнивать постановку и любимый фильм!
В этом случае режиссер и художник-постановщик — Виктор Крамер —удачно смог найти своего «Арапа» и воплотить на сцене трагикомедию, которая ох как созвучна с нашим временем. Шоу получилось блестящее!
Конечно, немалая заслуга тут и Григория Сиятвинда, который сыграл Арапа: где-то застенчивого, где-то пылкого и страстного, а где-то — настоящего философа-мыслителя!
Не ждите от этой постановки классического театра, каждая смена сцен дарит зрителю сюрприз и самые неожиданные перипетии сюжета! Несравненная музыка, фантастические костюмы, легкая эротика, и огромное поле для размышлений!
Танец в алюминиевых тазиках для стирки, Петры Первые с усами на резиночке, Екатерины с каркасом от кринолинов вместо юбок, Арап наподобие бунтаря-диско 80-х, Ангел, который возит за собой на колесиках питерских каменных львов.... Смогли все это представить? Если нет — то незамедлительно приобретайте билеты на ближайший спектакль. Если да, то тем более, ведь вы как можно быстрее должны понять, насколько этот спектакль превосходит все ваши ожидания!
От себя добавлю только, что спектаклем «Как арапа женили. Невероятные приключения Петров Великих и прадеда Александра Пушкина в прошлом, настоящем и будущем» Театр-фестиваль «Балтийский дом» достойно отметил юбилей Петра Первого!
Виват!
Наталья Осокина, член жюри «Театрала»
Александринский театр. «1881». Режиссёр Валерий Фокин
В сентябре в Александринском театре состоялась премьера спектакля «1881», постановка Валерия Фокина по мотивам пьесы Бориса Акунина. В ней рассказывается о нескольких днях 1881 года, когда правление Александра II (Иван Волков) закончилось цареубийством, а на престол взошел Александр III (Иван Трус).
В основе сюжета — противостояние между министром внутренних дел Михаилом Тариэловичем Лорис-Меликовым (Пётр Семак) и обер-прокурором Константином Петровичем Победоносцевым (Андрей Калинин). Лорис-Меликов подготовил план привлечения общественности к законотворчеству путём созыва представительного органа с законосовещательными полномочиями. Эту Конституцию он представил императору, и Александр II предварительно одобрил её за несколько дней до своей гибели. А Победоносцев был против этой Конституции, так как видел в ней угрозу самодержавию.
Вскоре после гибели Александра II Победоносцев стал автором Высочайшего манифеста от 29 апреля 1881 года, провозглашавшего незыблемость царской власти. Россия стояла на пороге реформы самодержавия, но убийство царя-реформатора этому помешало.
В пьесе Бориса Акунин масштаб личностей монархов сжат до уровня простого обывателя, до плоской бытовой истории, якобы понятной и близкой современному зрителю. Фокин доверился Акунину и поставил спектакль, в котором бытовуха интересует театрального зрителя больше, чем поиски смысла жизни или духовное восхождение героев.
Сцена Александринского театра закрыта воссозданными «царской ложей» и местами за креслами, с ложами бельэтажа и 1-го яруса. Так сформировано зеркальное отражение настоящей «царской ложи» театра, сцена которого перенесена в партер и представляет собой арену цирка. Да и сам спектакль чаще всего превращается в цирковое представление. Все перенасыщено второстепенными персонажами, типа коверного клоуна, медведя, дамы в чёрном, Радда-Бая и т. д., не добавляющими никаких смыслов...
Дорогостоящие технологически сложные декорации, всевозможные спецэффекты, нетрадиционная конфигурация сценического пространства, роскошные костюмы — всё это должно способствовать созданию сильного спектакля, но работает только на его коммерческий успех. Жаль было ведущих артистов Александринки, даже их убедительные работы не смогли спасти постановку. Цари-Александры Ивана Волкова и Ивана Труса вышли куда как более объемными и значительными, чем того требовала пьеса Акунина. Вячеслава Бутусова пригласили как композитора, но его музыка совсем не впечатлила, не зря к финальному дефиле артистов по манежу он выбрал старый добрый хит группы «Наутилус Помпилиус» «Прогулки по воде».
Тема в спектакле поднята серьёзная, но интерпретирована поверхностно, а действие слишком схематично! Зрелище яркое, но глубиной не впечатляет и души не трогает!
Г. Никольская, член член жюри «Театрала»
Театр на Васильевском. Спектакль «УРОЖАЙ».Режиссер Руслан Нанава. Пьеса Павла Пряжко
Театр умеет удивлять.
Первое, что выглядит необычным, — сцена, на которой расположился настоящий симфонический оркестр, а место для драматических актёров — узкая полоска подиума со стульями и ящиками с яблоками. Кстати, когда зрители входят в зал, первое впечатление — это чарующий запах яблок. Удивление возрастает. И вот выходят четверо молодых людей: две девушки, гламурно одетые, на лабутенах, с перьями в головных уборах, и двое мужчин, которые тоже импозантно выглядят. Они приехали собирать урожай яблок.
Сначала Егор рассказывает, как нужно поступать с яблоками, чтобы они хранились до февраля: ни в коем случае фрукты не должны быть битыми. Ира подозревает, что она неправильно поступила с яблоком. Тогда ребята начинают перебирать один ящик. Тут Егора жалит пчела, он впадает в истерику: ведь у него аллергия! Все тут же отвлекаются от урожая и начинают принимать меры: можно отсосать яд, сделать надрез, но пойдёт кровь, нет бинта, зато у Любы есть про-кладка — такая она предусмотрительная... А оркестр на сцене исполняет Седьмую симфонию Шостаковича. Всё воспринимается очень драматично. Затем возвращаются к яблокам. Перестав-ляя ящик, герои видят, что планки от дна выскочили, ящик — дырявый. Начинается его починка. У Валеры, оказывается, есть в гламурной сумке молоток, но нет гвоздей. Как он чинил ящик — легко можно представить:и удары по пальцам, и крики пострадавших. Однако будто бы починили! Переложили яблоки, но ящик не выдержал, снова оторвались планки. Что делать?! Решили собрать яблоки в ящик без планок, но написать записку, что дна нет. Опять у предусмотрительной Иры нашлась упаковка от прокладок. На ней и написали, а чтобы записка не слетела от ветра, решили сверху поставить другой ящик. Когда стали его поднимать, опять посыпались яблоки, потому что и этот ящик сломан. Звучит «Болеро» Равеля.
Есть ещё сцена с золотыми яблоками на ветках, которые герои варварски ломают и не замечают, что это, возможно, дар божий.
Спектакль — эпизод, кадр из жизни, свидетельство примитивности и невежества современных героев,их пошлости и вульгарности. При этом они чрезвычайно довольны собой. Этакий постабсурд! Режиссер Руслан Нанава талантливо продемонстрировал это и выбором пьесы П. Пряжко, и сценографией, и приглашением большого оркестра, и музыкальными произведениями. Кстати, задник на сцене представляет собой зеркало, которое отражает зрительный зал. Вот вы — поглядите на себя!
Постановка представляется мне большой удачей Театра на Васильевском.
Ирина Васильева, член жюри Общества «Театрал»
«МЕТАЛЛОЛОМ». «Наш театр», режиссер Лев Стукалов
В июле в арт-подвале «Нашего театра» прошли предпремьерные показы пьесы А. Коровкиной «Металлолом», вошедшей в 2015 году в шорт-лист (пять лучших остросатирических пьес) всероссийского конкурса московского Театра сатиры.
«Металлолом» — первая пьеса Аллы Коровкиной: режиссера (13 спектаклей), драматурга (6 пьес), актрисы Самарского академического драматического театра (с 1992 года), создателя (2014 год) и руководителя Самарской актерской мастерской «Доктор Чехов».
О том, как создавалась её пьеса, Алла Коровкина говорит следующее: «В жизни каждого человека наступает момент, когда начинаешь себе задавать экзистенциальные вопросы “Зачем я живу?”, “Что дальше?”. Настиг такой момент и меня, и я решила записать все свои внутренние размышления и наблюдения. Получившийся в результате этого материал я отправила драматургу Герману Грекову и режиссеру Льву Стукалову из Санкт-Петербурга, чтобы услышать их мнение. Они подбодрили меня добрыми словами, при этом, конечно же, внесли некоторые поправки».
Первая постановка пьесы (спектакль «За баб-с! или Металлолом», режиссер А. Коровкина) была осуществлена на сценической площадке САМ «Доктор Чехов» в 2015 году. В том же году пьесу поставили в Санкт-Петербурге (ТЮЗ им. Брянцева), в 2018 году — в Уфе (театр «САД на Пушкина»), в 2019 году — и в Даугавпилсском театре (Латвия).
Театром мечты драматурга и режиссера Аллы Коровкиной, с ее слов, является камерный театр, в котором «зал на 70-80 человек, с труппой человек на 5–6 — до 10, с небольшим помещением для декораций… Актеру не хватит энергии на зал в 600 мест. А когда прямо напротив нас сидит 40 человек, мы не даем им ни на секундочку отвлечься, происходит полное погружение».
Такое именно погружение происходит со зрителем на спектакле «Металлолом» в Санкт-Петербургском «Нашем театре». Пьеса играется без пафоса и сценических фокусов, с минимальными декорациями. Главное у Льва Стукалова — хороший авторский материал и мастерство актеров. В уровне авторского материала сомневаться не приходится. Актерский состав со своими задачами справился блестяще. И получился живой, теплый спектакль, заставляющий сопереживать происходящему на сцене, заставляющий думать.
О чем же он?
Три женщины — Актриса, Училка и Малярша — эмоционально рассказывают поочередно зрителю истории своей жизни. Задают себе вопросы, пытаются разобраться в том, как они оказались в не лучших для себя ситуациях, и понять, что делать дальше. Пытаются разгрести, согласно замыслу автора, «горы металлолома», скопившегося в их головах: так много там ржавого хлама, но есть ведь, как это всегда бывает на свалках, и ценные металлы. Что в своей жизни пора уже безжалостно выбросить и утилизировать, а что, дорогое сердцу, оставить? Каждая героиня ищет свои ответы на поставленные её жизнью вопросы, пытаясь докопаться до самой сути.
Актрисы, занятые в спектакле, и их роли:
1) Марианна Семенова — «манкая» АКТРИСА Элла. Думающая, умная, красивая и удачливая, но есть у неё своя боль, вполне понятная любому человеку...
2) Ольга Кожевникова/Дарья Чернявская — растерянная УЧИЛКА Бэлла Карповна (сокращенно — «БК», у детей она — «Бука-Бяка»). Учит детей доброму, вечному, любви к Родине, но нет взаимопонимания...
3) Юлия Молчанова — попивающая МАЛЯРША, Белостоцкая Татьяна Владиленовна, в прошлом — переводчица Пушкина на китайский язык, кандидат филологических наук…
Спектакль однозначно рекомендую к просмотру.
Стоит лишь понимать, что «Металлолом» — это не «спектакль-праздник», после которого выходишь радостный и просветленный. За такими ощущениями лучше отправиться в цирк.
Тамара Ивановская, член Общества «Театрал»
Театр «Монплезир». «ПЕТЕРБУРГСКИЕ НЕДОТРОГИ». Режиссер Игорь Ларин
Фраза К. Станиславского «Театр начинается с вешалки» знакома всем. А театр «Монплезир» начинается раньше, еще с улицы. Совсем недавно он обрел свое помещение в историческом центре города на Большой Подьяческой улице. У ворот дома № 14 зрителей встречает швейцар в цилиндре, плаще-накидке и сопровождает до дверей театра. А там уже ждут желанных гостей: провожают в гардероб и в зрительный зал. Такой теплый прием позволяет забыть все невзгоды и погрузиться в атмосферу доброты, тепла и романтизма.
Режиссер Игорь Ларин вновь обращается к глубокой и изящной литературе. В спектакле «Петербургские недотроги» по малоизвестному «Роману в письмах» А. С. Пушкина оживают строки из переписки героинь Лизы и Сашеньки, а также мужских персонажей этого произведения в исполнении двух актрис Марины Лариной и Екатерины Айвазовой. Они создают образы романтических барышень и молодых людей ХIХ века.
В то время переписка и дневники имели особое значение для выражения чувств и эмоций. И зрителю предоставляется возможность в полной мере насладиться богатым русским языком, описывающим состояние людей и событий. Хочется отметить прекрасное перевоплощение актрис из барышень в молодых людей. На ваших глазах, слегка меняя грим (подрисовываются лихие гусарские усики) и надевая мундир, Лиза превращается во Владимира. А стоит Екатерине Айвазовой надеть цилиндр — и вот уже вместо Сашеньки молодой человек. И это великолепно! Браво актрисам! Особые лирические ноты спектаклю придает и музыка М. И. Глинки, Ф. Шопена, А. Лорцинга, а также исполнение романсов Мариной Лариной.
Спектакль получился легкий, романтичный и музыкальный. Настоящий подарок зрителю в петербургские белые ночи.
Н. Веженкова, член жюри «Театрала»
Спектакль «АВАРИЯ» в театре «За Черной речкой»
В театре «За Черной речкой» состоялась премьера спектакля «Авария». Этот небольшой и уютный театр как бы создан для постановок психологического характера. Здесь всем зрителям удается не только услышать, но и увидеть тонкие нити переживаний героев…
Автор инсценировки, он же режиссер (Иван Латышев) использовал сюжет одноименной повести знаменитого в 60-90-е годы XX века швейцарского писателя и драматурга Фридриха Дюрренматта, соперничавшего, как драматург, со своим современником Бертольдом Брехтом.
Повесть «Авария» глубоко психологична и увлекательна. Режиссер добавил свое гротескное и оживляющее содержание.
Главный герой пьесы — текстильный вояжер, а с недавних пор генеральный представитель фирмы, поздним вечером из-за поломки в автомобиле вынужден был искать прибежище на ночь. По счастью, хозяйка (Ю. Каим) недалеко расположенной виллы предложила ему кров с ужином. В этом уютном месте, по вечерам, группа проживающих недалеко юристов-пенсионеров устраивала игру: судебные процессы над ушедшими историческими личностями или над согласившимися помочь им случайными посетителями виллы. Прибывшему гостю было предложено участвовать в игре в качестве подсудимого. Не чувствуя за собой никаких грехов и предвкушая интересное развлечение, наш герой сразу же согласился. Скоро с ходунками появились и члены суда — люди глубоко преклонного возраста. По рассказам хозяйки виллы эти хорошо обеспеченные люди, уйдя на пенсию, постоянно и тяжело болели. Игра, которой они с увлечением занялись, пробудила у них интерес к жизни, болезни начали отступать. Но чем они могли заняться? Как высказалась в одной реплике Алла Демидова: «Все уходит в старости, остается только профессия». Вот и сфера для их увлечения!
Перед зрителями мизансцена: с ходунками стоят три члена суда, и сидит на стуле подсудимый.
Расследование ведется с перерывами на роскошный ужин: хозяйка подает выдержанные вина и экзотические блюда. Провозглашаются тосты в честь подсудимого. Атмосфера — доброжелательная и приподнятая. Благодаря проницательности прокурора (А. Журавин) и откровенности «подсудимого» наш жуир постепенно превращается в раскаявшегося грешника; он признает все выдвинутые прокурором обвинения и отклоняет протесты адвоката (С. Гвоздев). Наконец, судья (М. Соснякова) выносит смертный приговор, который подсудимый признает. В завершение, как бы для острастки, ему показали гильотину, похлопали для бодрости по плечам и с приподнятым настроением от удачной игры и замечательного ужина весело разошлись на ночлег. Наутро отремонтированный автомобиль был подан к вилле и отдохнувший, несколько подавленный коммивояжер отбыл домой. На этом спектакль заканчивается.
Я прочитал повесть «Авария». В ней трагический исход. Почти сразу после «суда», вернувшись в свою комнату, наш главный герой повесился. Мне кажется, что это художественно оправдано. Оправдано всем ходом судебного процесса и великодушием нашего героя. Суд «открыл» ему глаза на суть преступления: да, оно не прямое и юридически опровергаемое. Но именно оно привело к гибели его бывшего начальника. И он сам, в процессе суда, пришел к такому выводу.
Режиссер спектакля, несмотря на убедительную игру актера — главного героя, блестяще выразившего драматизм своего душевного состояния и осознавшего свой проступок, завершил спектакль хеппи-эндом. Почему!!!?
Чтобы понять это, надо пойти посмотреть спектакль.
В. Вороновицкий, член жюри «Театрала»
«БЕГЛЯНКИ».Театр им. В.Ф. Комиссаржевской
Когда мы хотим поговорить о жизни женщин, то рассказываем истории, похожие на «Золушку». Порой из-за этого кажется, что у тебя самой какая-то неправильная жизнь, ведь в твоей судьбе нет «принца» или «крестной феи», нет балов и потерянных туфелек. Спектакль «Беглянки» —как раз история анти-Золушки, ведь в нем встречаются две самые обычные женщины; они матери, жены, имеющие кучу жизненных проблем и багаж разочарований и обид.
Пьеса Кристофа Дютюрона в чудесном переводе Ирины Прохоровой не оставит равнодушным ни одного зрителя. Ночь, пустынная автомобильная трасса, и вдруг на ней встречаются две женщины: дама средних лет, в вечернем платье и с огромными чемоданами, и пожилая, в пижаме и плаще;обе ловят попутку.Уже интересно, что же привело их сюда в такой час? А ведь впереди на пути беглянок будут ночной лес, горное ущелье, ужин на кладбище и даже ночь в тюрьме! Просто Марго и Клод, в исполнении великолепных засл.арт. России Татьяны Кузнецовой и засл.арт. России Натальи Орловой, бегут от своих проблем, своих прошлых жизней куда-то вперед, далеко-далеко, как будто это расстояние сможет изменить их судьбы. Героиням предстоит немало приключений прежде чем они поймут, что в первую очередь бегут от себя, а как известно, от себя-то и не убежишь!
Пьеса пронизана искрометным юмором, необычные яркие образы героинь передают их настроение в тот или иной момент, золотое вечернее платье Марго в первой сцене, мне кажется, дает понять, что ее жизнь прекрасна с общественной точки зрения,она мать, жена, окруженная своими родными, празднует совершеннолетие дочери. «Золотая жизнь»— по мнению многих людей. И в противовес —пижама Клод:тихая спокойная жизнь в доме престарелых, все взлеты и падения уже позади, теперь только комфорт и уют стариковского существования. За постановку актрисы сменят свои образы не единожды: будут и яркие шляпки, и необычные вечерние туалеты, броские аксессуары и, конечно же, туфли на каблуках, ведь именно они делают женщину Женщиной!
Вся сцена представляет собой большую автобусную остановку, рядом с ней установлен дорожный знак, за время спектакля он постоянно будет меняться, намекая на то, что перед зрителем уже не простая точка на трассе, а мост в горном ущелье, или гостиная в особняке, или даже тюремная камера!
Но настоящей изюминкой спектакля я считаю его финал; героини попали в тюрьму, а их родственники приехали забрать своих «беглянок», которые к тому момент пять дней как сбежали из дома. Казалось бы, все, «сказка» подошла к концу. Марго снова станет благовидной дамой, конечно родные простят ее сумасбродство, но нет и нет: будут попрекать этим побегом. Клод же придется вернуться в дом престарелых и вспомнить о том, что все приключения позади и теперь самое яркое событие в ее жизни —это конкурс «пациент месяца», но не все так просто… И чем закончится эта сказка анти-«Золушка» —вы узнаете, если побываете на спектакле «Беглянки» в Театре им. В.Ф. Комиссаржевской!
Обещаю —вам понравится!
Н.Осокина, член жюри «Театрала»
Спектакль «БЕГЛЯНКИ»
на камерной сцене Театра им. В. Ф. Комиссаржевской
В мае этого года на камерной сцене Театра имени В. Ф. Комиссаржевской была представлена премьера спектакля «Беглянки» по пьесе К. Дютюрона (перевод Ирины Прохоровой).
Режиссер Леонид Алимов обратил внимание на эту пьесу по предложению заслуженной артистки России Натальи Михайловны Орловой, предполагая поставить спектакль к юбилею ее творческой деятельности. Написана эта история для двух актрис разного возраста, совершенно отличных друг от друга, но сходных в одном — это именно женская история, нежная и трогательная, порой печальная и даже ироничная: про женскую судьбу, про быстротечность жизни, про семью, про детей, про любовь, про обретение себя как личности.
Но пьеса не стала только бенефисом для Натальи Орловой, поскольку обе женские роли совершенно равнозначны и полноценны, и, таким образом, она явилась подарком и для заслуженной артистки России Татьяны Борисовны Кузнецовой. Две большие актрисы, очень тонко, с большой долей юмора, с огромным обаянием и мастерством показали нам историю двух женщин, которых свела судьба ночью на обочине дороги. Обе убежали от своей прежней жизни, не в силах продолжать ее, убежали в ночь от обиды и одиночества, в поисках чего-то нового, возможно надеясь разобраться в себе, переосмыслить свою жизнь и найти в ней опору.
Два разных характера, две совсем непохожие судьбы, разный возраст и разные взгляды — все это не стало препятствием для понимания друг друга, есть в этих судьбах что-то схожее, одинаковое для многих женщин — отношение к детям, отношение детей, проблема одиночества, которое все равно существует, даже если ты живешь в семье. Как страшно остаться одной, никому по-настоящему не нужной, тем более что жизнь подходит к концу! Никак не хочется с этим мириться, и в глубине души ты чувствуешь, что еще молода хотя бы душой! Еще можно совершать «неразумные», рискованные и даже безрассудные поступки — но ведь это и есть жизнь, а не скучное и безрадостное угасание!
Все эти перипетии сюжета были преподнесены зрителю весьма тонко, с юмором, очень ненавязчиво — сказалось мастерство двух мощных актрис. Огромное спасибо им за это.
Сценография спектакля была довольно лаконичной, оригинально использовался видеоряд, очень понятный и даже немного примитивный. Это как раз и не отвлекало зрителя от игры актрис.
Еще раз спасибо всем создателям спектакля.
Т. Проскунова, член жюри «Театрала»
Театр «За Черной речкой», «АВАРИЯ». Режиссер Иван Латышев
Пьесу Дюрренматта «Авария» ставили во многих театрах и в разное время. Однако она не потеряла своей актуальности и сегодня.
Режиссер Иван Латышев в театре «За Черной речкой» поставил спектакль, который в афише значится как «гротескная история по мотивам произведений Фридриха Дюрренматта», с хорошо знакомым сюжетом. Главный представитель фирмы «Гефестон» Альфредо Трапс случайно попадает в дом, в котором на досуге играют в суд. Самый настоящий суд: с прокурором, адвокатом, судьей и подсудимым. Но давайте попробуем ответить на вопросы: с кем случилась авария? кто пострадавший? и как поступать в дальнейшем?
Наиболее очевиден ответ: пострадавший — Альфредо Трапс. Он добился всего своим трудом, типичный бизнесмен из низов. Неплохой простой человек, довольный жизнью семьянин, иногда погуливающий налево, работящий и целенаправленно стремящийся к внешним признакам успеха, таким как его новенькая красивая дорогая машина, например. Случайно оказавшись в незнакомом городе, Трапс принимает участие в игре в суд. Оборачивается эта забава для него сначала фарсом, а потом и вовсе трагедией. Альфредо позволяет суду убедить себя в виновности в не совершенном им преступлении. Под тяжестью улик, предъявленных прокурором, признает себя убийцей. Он оказывается человеком, которого не очень трудно переубедить, человеком слабым.
Но только ли Альфредо Трапс попал «в аварию»? Ее пережили и другие участники этого судебного процесса. Выйдя в отставку, служители закона немного растерялись, когда оказались в новой для себя роли пенсионеров, но не опустили руки и затеяли игру. Играют они в свои бывшие профессии, то есть в суд. Обычно они повторяют знаменитые исторические процессы: суд над Сократом, процесс над Жанной д’Арк и так далее. Но лучше получается, когда они играют с живым объектом. Это заставляет их проявлять активнее живость ума, сообразительность, умение принимать решения. И перед нами постепенно перерождаются старики-пенсионеры, опирающиеся на «ходунки», в умного многоопытного прокурора, некогда бывшего мировой знаменитостью, в судью, которая в свое время считалась строгой и даже педантичной, и в адвоката, пытающегося ловко предостеречь своего подзащитного от ошибок. Эта игра спасает им жизнь. Их трудно назвать «пострадавшими в аварии». Они продолжают жить, пусть по-другому, но жить.
Во время ужина и в ходе игры в суд, подтверждая, что это — игра, Симона предлагает алкогольный напиток, обращая внимание на дату. Обратим и мы внимание на цифры годов. Это роковые даты истории. 1914, 1939 — начало мировых войн. 1921, 1927 связаны с Гитлером: становление лидера немецкой национал-социалистической рабочей партии и снятие запрета на публичные выступления, начало пропаганды нацизма. 1893 год — 3-й конгресс Второго Интернационала. И стоит над этим задуматься.
Все артисты, занятые в спектакле, блестяще справились со своими ролями. Альфредо Трапс — Родион Приходько, госпожа Верге (судья) — Мария Соснякова, господин Цорн (прокурор) — Анатолий Журавин, господин Куммер ( адвокат) — Сергей Гвоздев, Симона — Юлия Каим. Они великолепно создали образы своих героев.
Несмотря на внешнюю легкость, спектакль заставляет задуматься. Каждый зритель самостоятельно сопоставляет все факты и отвечает себе на продиктованные вопросы. Спасибо всем, кто создал этот спектакль.
Н. Веженкова, член жюри «Театрала»
«КРАСАВЕЦ МУЖЧИНА». Театр «На Литейном», режиссер Сергей Грицай
В 2023 году исполняется 200 лет драматургу и писателю Александру Николаевичу Островскому, на произведениях которого строится классический репертуар театров России. Его жизнь полна интересных событий, а литературное наследие исчисляется десятками пьес. Поэтому нет ничего удивительного, что в репертуаре театра «На Литейном», в преддверии этого юбилея, появился блестящий спектакль «Красавец мужчина».
Пьеса написана в конце 1882 года. Почему именно к ней решил обратиться режиссёр, заслуженный деятель искусств Российской Федерации, лауреат Государственной премии Сергей Грицай, какое же отношение она имеет к нашему времени? Да самое непосредственное, ведь за прошедшие 140 лет ничего не изменилось в нашем обществе, все так же. «Ведь это мужчины только непостоянны, а женская любовь и верность — до гроба», — убеждена одна из героинь пьесы А. Н. Островского «Красавец мужчина».
Сергей Якушев блестяще сыграл роль Аполлона Евгеньевича Окоёмова, соединив историческую грацию и современную харизму, перед таким мужчиной не устоит ни вчерашняя гимназистка, ни сегодняшняя зрительница!
И конечно, спектакль не был бы таким ярким без заслуженного артиста Российской Федерации Александра Рязанцева в роли Наума Федотыча Лотохина, богатого барина. Сколько юмора он привнес в постановку и в то же время сколько раз заставил зрителя задуматься: а все же влюбиться девице в красавца мужчину — это благо или зло?
Особая изюминка спектакля — пластичная хореография, поставленная самим Сергеем Грицаем. Благодаря ей до зрителя доносятся внутренние переживания героев, их чувства и мысли. Танцы в исполнении прекрасных актеров театра сложны и неповторимы! Они добавляют особой глубины всем образам на сцене!
Конечно, не оставят равнодушным зрителя и костюмы, созданные Ириной Чередниковой. Ей удалось не переступить хрупкую грань: образы героев переносят нас в давнюю историческую эпоху, но, выйдя из зала после спектакля, вы точно захотите приобрести себя шляпку, как была на героине во втором акте!
Что я могу добавить лично от себя? Получила огромное удовольствие, побывав на этой премьере! Увидела прекрасную, талантливую игру актеров, огромную работу режиссёра и, самое главное, это спектакль на все времена и для всех поколений! Он еще молод, всего несколько раз успел познакомиться со зрителем, но уверена: его ждет блестящее будущее и аншлаги!
Н. Осокина, член жюри «Театрала»
«КРАСАВЕЦ МУЖЧИНА». Театр «На Литейном», режиссёр Сергей Грицай
Пьеса А. Н. Островского представляет собой комедию, но, по сути, это драматическая история о любви, о самопожертвовании ради нее и предательстве, коварстве ради больших денег.
Невест с хорошим приданым во все времена подстерегала ловушка. Ведь золотой телец манит разных аферистов. Прикинутся влюблёнными, а потом…
Промотавший состояние своей жены Зои Васильевны главный герой спектакля Аполлон Евгеньевич Окоёмов намерен с ней развестись, поскольку успел покорить своей красотой новую претендентку на брак — московскую вдовушку Сусанну. Но, движимый страстью к наживе, он теряет интерес и к ней, как только на горизонте появляется более выгодная партия — миллионщица Обалдуева.
Ловкий аферист уговорил жену развестись и торжествует победу, легко манипулируя любящей его женщиной. Искренняя и доверчивая, Зоя настолько обожает мужа и слепо доверяет ему, что согласна на развод и публичный позор, готова разыграть сцену неверности с другом их семьи Фёдором Петровичем Олешуниным, который давно влюблён в неё.
Однако брачная авантюра Окоёмова срывается благодаря своевременному заступничеству родственника Зои, богатого барина Наума Федотыча Лотохина (Александр Рязанцев) и его приятельницы Сосипатры Семёновны (Татьяна Тузова). Каждый жест этих талантливых артистов работал на образ, каждая интонация вызывала ответную реакцию публики. И особенно реплика героя Александра Рязанцева по поводу очередного жениха своих племянниц. «Красавец!» — произнес он с такой издевательской интонацией, что вызвал взрыв смеха в зале.
Актрисе Дарине Одинцовой удалось передать сложную гамму чувств её героини Зои: от преданной влюбленности — к горькому разочарованию; из наивной дурочки она превращается в страдающую женщину. Финальный страстный монолог, обращённый к Аполлону, актриса произносит в зал. В конечном счёте порок был разоблачен и наказан, а отрицательному герою даже оставили надежду на любовь.
В спектакле показаны разные типажи: циничный богатый барин Никандр Семёныч Лупачёв (Александр Майоров), падкая на молодых красивых мужчин Аполлинария Антоновна, тётка Зои (Мария Овсянникова), себялюбивый и хвастливый Фёдор Петрович Олешунин, друг семьи Окоёмовых (Сергей Мосьпан), чувствительная и доверчивая Сусанна Сергеевна Лундышева, племянница Лотохина (Кристина Убелс), молодые бездельники, прожигатели жизни — Пьер (Игорь Ключников) и Жорж (Антон Сиданченко).
Все артисты органично существовали в этой гротескной комедии, но больше всех восхищение вызвали блестящей игрой Александр Рязанцев, Татьяна Тузова, Александр Майоров (какого бонвивана изобразил!) и, конечно, Сергей Якушев. Он сыграл подлеца, но обаятельного. Что он только не выделывал на сцене: одним словом, настоящий артист!
Островский написал пьесу в эпоху зарождающейся российской буржуазии, но наш современный капитализм, со всеми его моральными издержками, выглядит куда циничней и страшней!
Хорошую комедию всегда сложно поставить так, чтобы не скатиться в пошлость и банальность, чтобы она была веселой, смешной и оставалась тонкой и умной! Сергею Грицаю это удалось! Текст Островского как никогда звучит остро, актуально, эмоционально и трогательно! Великолепно выстроена и хореография спектакля: танцевальные вставки связали статичные сцены пьесы и добавили действию живость, лёгкость и динамику. Спектакль получился лёгкий, живой, яркий и музыкальный!
Г. Никольская, член жюри «Театрала»
«ГОСПОДА ПРОКЛЯТЫЕ» в Небольшом Драматическом Театре, по мотивам «Господ Головлевых» М. Е. Салтыкова-Щедрина. Режиссер В. Сквирский
«Господа проклятые» — очень сильный и страшный спектакль. Он, по сути, продолжает исследование души, совести человека и тем самым приближен к постановкам по произведениям Ф. М. Достоевского. Это тем более очевидно, что НДТ уже ставил «Братьев Карамазовых» и «Преступление и наказание».
Начнем с названия: ударение во втором слове можно ставить и на первом, и на втором слоге. Его меняют и сами персонажи: Евпраксея, экономка и сожительница Порфирия, говорит о роде Головлевых «проклЯтые», а от маменьки Арины Петровны в конце спектакля мы слышим «прОклятые».
Режиссер В. Сквирский знаменательно поместил начало и конец истории Головлевых в страстную неделю, когда принято думать о грехах, о душе и ее спасении. Главный герой Порфирий, он же Иудушка (актер К. Шелестун), всем своим существом олицетворяет смерть, сеет ее повсюду, его поступки неизменно приводят к трагическому концу. Ему несвойственны ни сострадание, ни человеколюбие. Он, как водится, очень набожен, но на деле лицемерит, говорит о покаянии, но опять же врет.
Вначале Порфирий, как бы преподнося дар и выражая умиление, кладет у иконы яблоко. Но в последней сцене он достает его уже замерзшим, во льду, а сверху градом сыплются на его дом гнилые яблоки: дар Порфирия отвергнут.
Сценографическое решение очень удачное и при этом — лаконичное. Сцена представляет собой жилище, подобное чулану: мешки, коробки, ящики, и повсюду водка, в немереном количестве. Персонажи постоянно прикладываются к штофу, часто поминают умерших, ни разу не пьют за здоровье и за жизнь. Все вместе создает впечатление хоррора. Костюмы черные и красные, много пистолетов, кнут, бритва, острые предметы. Атмосфера до предела накалена. Напрочь отсутствуют счастливые люди — только горе, несчастье и смерть. Порфирий Головлев похоронил всех, он является причиной гибели своих близких, своего рода, он нисколько не пытается предотвратить эти смерти, его конец закономерен.
Интересно постановочное решение. Все происходит рядом с длинным столом, за которым выпивают, на котором пляшут, бьют кнутом, умирают, под которым незаметно исчезают, чтобы потом вернуться. Атмосфера гнетущая, без светлых проблесков. Мир проклятых господ подошел к краху, все погибает безвозвратно.
Актерская игра очень убедительна, без дешевого пафоса: натуральный гнев, настоящий ужас. Спектакль удался.
Ирина Васильева, член жюри «Театрала»
Чехов и К?. Театр им. Ленсовета
Как известно, в искусстве все держится на "чуть-чуть". И от достойного представления до театральщины — полшага, полтона, полжеста, независимо от жанра и режиссерской манеры. И второе... в талантливом произведении искусства — в литературе, кино, театре и т. д. — как правило, есть второй план, символический смысл, порой не сразу и не каждому читателю-зрителю видимый, в том числе иногда неведомый самому автору и раскрывающийся лишь с течением времени.
Спектакль Театра им. Ленсовета «Чехов и К?» (режиссер Евгения Богинская) ценен именно этим «чуть-чуть», уместным и своевременным. Собственно, это «просто» читка трех рассказов Антона Павловича. В кавычках потому, что здесь режиссура все-таки есть, только она не бросается в глаза. Актеры раскованны, и они удачно эту свободу используют. А минимализм оформления, почти по лекалам «пустого пространства» Питера Брука (как известно, Чехов был одним из его любимых драматургов), отнюдь не навевает ощущение убожества, что бывает частенько, и лишь помогает раскрыться собственно актерской игре, с ее мягкой выразительностью слова и движения.
Первые две новеллы — юморески из дачной жизни. «Гость» (актеры Владимир Матвеев и Александр Солоненко) — о засидевшемся у соседа отставном полковнике, выпроводить которого удается, лишь попросив у него в долг денег. Кстати, этот рассказ вошел в 1-ю серию знаменитого 10-серийного телефильма «Чехов и К?» 1998 года, с подзаголовком «К 100-летию МХАТ». И сравнение нашего спектакля с тем фильмом не в пользу последнего, где действие венчает откровенная клоунада.
Рассказ «Из воспоминаний идеалиста» (актеры Александр Солоненко и Юлия Левакова) — о снявшем дачу на месяц горожанине. Снял вроде бы дешево, за 25 рублей, а в итоге «милая» хозяйка насчитала чуть ли не вдесятеро больше. «Не гонялся бы ты поп за дешевизной»! В тексте рассказа Софья Павловна удивленно восклицает на вопрос озадаченного высокой окончательной ценой съемщика: «Как за что? Вот это мило». А перед этим она скрупулезно перечисляет все, что он выпил, съел помимо оговоренного вначале. Так — в тексте рассказа. В спектакле же дело ограничивается тремя интонированными словами: «Как за что?» — и все становится ясно, без лишних слов и подробностей.
Театр? Да, Театр!
Помимо забавных сюжетов эти рассказы воспринимаешь и как памятник давно ушедшей жизни — в общем умиротворенной, чуждой потрясений и серьезных конфликтов. Рассказы написаны Чеховым в 1885 году. Золотое время правления Александра III, когда творил Чайковский, когда Империя быстро набирала мощь, а предреволюционные бури погромыхивали еще далеко не в полную мощь. В спектакле это благоденствие передано ненавязчиво, но точно. Несмотря на отсутствие декораций или костюмов той эпохи, погружение в нее — безусловное. Словно в машине времени мы переносимся в спокойную Россию тех лет, в дачную жизнь с ее смешными недоразумениями, но и уважением людей друг к другу, неукоснительным следованием этикету, строгими понятиями о чести, долге.
Третья новелла — «Володя» (актеры Инесса Перелыгина-Владимирова, Маргарита Алешина, Юлия Левакова, Иван Шевченко) — стоит особняком. В первой версии рассказа, 1887 года, в финале измученный несчастной любовью и одиночеством 17-летний гимназист Володя возвращался к матери. Но в редакции 1890 года он кончает жизнь самоубийством. Именно эта версия лежит в основе нашего спектакля. И опять — машина времени, опять погружение в далекую, но такую красивую эпоху. А ужасная концовка звучит символически. В те годы по России прокатилась волна самоубийств. Молодые люди словно чувствовали, какой огненный вал накатывается на их Родину — а мы-то знаем, что было дальше. Если чеховскому Володе в 1887 году было 17 лет — значит, он был ровесником В. И. Ленина. И что бы ждало его в будущем, если бы он перетерпел юношеские невзгоды и остался жив? Гибель на фронтах войны? Нищета в эмиграции? Или служение новой власти и оторопь от событий 1930-х? Может, и вправду было лучше «всего лишь» нажать на спусковой крючок револьвера и «положить конец волненьям, умереть, забыться» (Гамлет)?
Столь обильному спектру ассоциаций, предположений мы обязаны артистам Театра им. Ленсовета. Это они, своим талантливым, ювелирно точным исполнением создали своеобразную машину времени, «образ мира, в слове явленный» (Б. Пастернак). И в спектакле появился второй план, символический смысл, который неизбежно был бы затенен, заглушен, растоптан крикливой, пестрой театральщиной.
Когда вместо «чуть-чуть» на сцене господствует принцип «лучше погромче, поразмашистее» — незримый Станиславский шепчет «не верю», а гости в зале недоумевают, скучают, хотя и не скупятся на дежурные аплодисменты… В эпоху театральной турбулентности, когда предрекается кончина конвенционального театра — то есть традиционного, который для подавляющего большинства граждан собственно театром и является… Во времена иммерсивно-инклюзивной театральной суеты, вплоть до неуправляемого и плохо предсказуемого хаоса… Особенно остро воспринимается спектакль простой и безыскусственный, на всех сценических составляющих которого лежит печать хорошего вкуса, уважения к актерам на сцене и гостям театра. Он словно чудный свежий цветок, неведомым образом взошедший в продуваемой бурями пустыне. Он дышит благоуханием настоящей живой жизни, естественной и доброй, полной теплого чувства и тихой грусти.
То, что Чехов сценичен изначально, ни для кого не новость. Причем сценичны и рассказы, а не только собственно драматургия. Косвенное доказательство этому — дефицит в нашей стране удачных фильмов по его пьесам. Впрочем, и киноверсии рассказов не выглядят шедеврами, уклон в костюмность, «театральный пережим» (хотя это кино) нельзя не заметить. А вот с рассказами, прозой в театре дело обстоит по-другому. Настоящей творческой удачей стала «Дуэль» в Театре им. В. Комиссаржевской (реж. Леонид Алимов). «Чехов и К?» в Театре им. Ленсовета — спектакль того же высокого уровня, хотя и совсем другой по антуражу, режиссуре. В нем «просто» все было в меру, в такт и в тон. Жаль лишь, что это было «на один раз». Другого не будет, а если бы и был — то другой, с другим зрителем в зале, который вряд ли бы своим затаенным дыханием поддержал этот маленький праздник настоящего искусства.
Д. Благов, член Общества «Театрал»
"ЗЕМЛЯ ЭЛЬЗЫ"
Санкт-Петербургский драматический Театр на Васильевском выпустил необычную, яркую и очень актуальную премьеру — спектакль «Земля Эльзы» по пьесе Ярославы Пулинович. Нежное и лирическое произведение о людях, любви и неотрывности нас от оков общества.
Еще до начала спектакля сцена встречает зрителя своим маленьким, замкнутым пространством, которое заключено в деревянные стены с огромными амбарными воротами, наглухо закрытыми. Но первое, на что вы обратите внимание, — это полуразрушенный памятник девушке-ныряльщице. Красивая, энергичная фигура спортсменки, которая когда-то была символом молодости и надежд, сейчас разрушена, задвинута в угол и никому не нужна, но ее охраняют: как и прежде, она должна стоять на пьедестале и украшать площадь. Но почему она должна это делать, кто так решил?
Весь спектакль главная героиня Эльза, которую блестяще сыграла народная артистка России Наталья Кутасова, пытается понять, что она должна и кому? А в ее партнера по сцене пенсионера Василия, в исполнении народного артиста России Сергея Паршина, чуть-чуть влюбилась, наверное, каждая зрительница в зале. История чистой любви, которую удалось найти этой уже совсем немолодой паре, откликнулась в сердце каждого в зрительном зале.
На сцене сохранение традиций соседствует со смелым экспериментом, трепетное отношение к автору — с оригинальными сценическими интерпретациями. Спектакль сопровождают чудесные песни в исполнении артистов театра. Замечательные режиссёрские находки помогают выделить эту постановку среди прочих воплощений «Земли Эльзы» на сценах театров Санкт-Петербурга и России. В самый неожиданный момент на сцене вдруг начинает идти настоящий дождь, потом расцветают розы, телевизор в сельпо вдруг становится окном в доме Эльзы или портретом губернатора района на стене клуба. Двери амбаров то легко и неожиданно открываются, то становятся совсем неприступными для героев.
Чудесным воплощением мечтаний героини, ее девичьих, несбывшихся надежд, ее такой нежной, утонченной души становятся четыре актрисы театра: они то легкие, воздушные нимфы, то угловатые подростки, еще не понимающие своей женственности, то злые зверьки, которые бьются о стены в поисках выхода из этой клетки. Так и Наталья Кутасова переживает на сцене судьбу своей героини, родившейся в семье этнических немцев; несколько лет она провела в детском доме в Сибири, куда их с матерью сослали после расстрела отца. Сложная юность с несчастливым браком, тоскливая безрадостная жизнь, и полное непонимание ее своей семьей — дочерью, внучкой, а также односельчанами. Но ведь где-то же ее ждет мечта — та самая, благодаря которой стоило терпеть всю жизнь, не согнуться под грузом проблем, верить и идти вперед.
Эта постановка не оставит вас равнодушными, ведь все мы немного Эльзы и ждем своего Василия. Во все времена стоит верить в чудо, мечтать и быть твердо уверенными, что совсем скоро вас ждет счастье!
Н. Осокина, член жюри «Театрала»
«ГАМЛЕТ». «Русская антреприза» имени Андрея Миронова, режиссёр Влад Фурман
Для постановки «Гамлета» режиссёр заказал новый перевод, его сделал артист этого же театра Ростислав Орёл (он же играет в спектакле Полония) и пьесу Шекспира изложил в прозе, как было и во времена самого Шекспира. Текст приближен к современному и понятному языку молодёжи, хотя знаковые цитаты — «быть или не быть» и другие — сохранены. Но консерваторам будет трудно примириться с тем, что в спектакле не звучит знакомый всем поэтический текст в переводе Бориса Пастернака.
Несмотря на неожиданный новый перевод, ситуации и образы персонажей остались прежними, Единственное, что изменил режиссёр, это облик актёрской труппы, которая прибывает в Эльсинор и играет пьесу по сюжету Гамлета. Актёры выходят на сцену в белых масках, когда они их снимают — мы видим короля с королевой и других персонажей спектакля. Театр в театре.
В главной роли — талантливый молодой артист, выпускник Мастерской Сергея Дмитриевича Бызгу Алексей Фурманов. Его принц — обаятельный, привлекательный, милый юноша. Неожиданно появившийся Призрак отца навязывает Гамлету мысли о мести брату короля Клавдию (Сергей Русскин), занявшему трон и женившемуся на его жене Гертруде (Нелли Попова), И нежный Гамлет Алексея Фурманова вынужден решать поставленную задачу во чтобы то ни стало, даже вопреки своей миролюбивой натуре! Играл Алексей превосходно. Браво!!! Еще выделялись прекрасной игрой Сергей Русскин и Павел Филиппов (Розенкранц).
Спектакль зрелищный, динамичный, действие оживляют выразительная музыка и пластическое решение некоторых сцен. Постановку отличает современное прочтение известной трагедии, когда отцы навязывают свой взгляд на решение проблем детям не задумываясь. А хотят ли дети такой жизни? Может, у них свои предпочтения?
Г. Никольская, член жюри Общества «Театрал»
«ГАМЛЕТ». «Русская антреприза» имени Андрея Миронова, режиссёр Влад Фурман
Для того, чтобы «Гамлет» стал, наконец, понятен, театр решил пьесу опростить. Теперь уже ни у кого не останется сомнений насчёт того, что произошло в Эльсиноре.
Раньше Шекспира переводили выдающиеся мастера слова Б. Пастернак и М. Лозинский, и это делало его труднодоступным для основной массы людей. Создатели спектакля решили приблизить его к народу и заказали перевод Ростиславу Орлу. Никаких сложных предложений и не совсем понятных слов, всё доходчиво, словарь современной улицы.
Кажется, это и было задачей, и, в таком случае, спектакль получился проще! Вместе с тем хочется отметить исполнение роли Гамлета Алексеем Фурмановым. В заданных рамках — прекрасная игра, пластичность, жесты.
Офелия Анастасии Квитко — современная девушка с соответствующими рефлексами. Тоже пластичность, и хорошо сыграно. К тому же, Анастасия является ещё и постановщицей по пластике.
Можно отметить и музыкальное оформление спектакля, и сценографию.
В целом с поставленной задачей — опрощения — коллектив справился.
Появление тени отца Гамлета вызывает бурную реакцию, смех, игра с перекидыванием черепов могильщиками — оторопь. Одним словом, опрощение! Ну что ж! Каковы времена — таковы и нравы! Осталось подождать, когда нам столь же доходчиво объяснят, например, «Слово о полку Игореве».
Ирина Васильева, член жюри Общества «Театрал»
Театр имени Ленсовета. «АКАДЕМИЯ СМЕХА».
Пьеса Коки Митани, режиссер Федор Пшеничный
В театре имени Ленсовета состоялся режиссерский дебют Федора Пшеничного. Спектакль «Академия смеха» поставлен по пьесе современного японского драматурга Коки Митани. Молодого режиссера поддерживал, подстраховывал режиссер-консультант Олег Александрович Леваков.
В спектакле два действующих лица: Автор и Цензор. События происходят в 1940 году. Автор приходит к чиновнику «от культуры», Цензору, за разрешением на постановку новой комедийной пьесы в театре «Академия смеха». И начинается психологический поединок героев спектакля. Во время очередной встречи Цензор упорно выдвигает абсурдные требования: то добавить героя, то вставить куда-нибудь фразу «За Родину!», то придумать роль полицейского для начальника, то убрать из комедии все смешные эпизоды, и так далее. Автор добросовестно все выполняет. А разрешения нет и нет. Уже и артисты театра побили Автора за то, что скоро день премьеры, а играть нечего. А Цензор предъявляет новые и новые претензии, и Автор послушно вносит изменения. Выполнять все требования — вот форма протеста, выбранная Автором. И зритель видит, что в данном случае этот «мирный» способ сработал. Постепенно Автор начинает одерживать победу: он просит Цензора бегать — и тот бегает. А когда Автор уходит воевать, Цензор требует, чтобы Автор вернулся живым, и тогда они поставят пьесу в театре «Академия смеха». И зритель уверен, что так оно и будет: Автор вернется живым и поставит свою пьесу. Он все преодолеет.
Вначале спектакль развивается как фарс и даже смешит, но к концу превращается в трагедию и уже вызывает слезы.
Актерская игра Ильи Деля (Автор) и Сергея Перегудова (Цензор) блистательна и искрометна. Режиссерский дебют Федора Пшеничного состоялся.
Н. Веженкова, член жюри Общества «Театрал»
Театр на Васильевском. «ЗЕМЛЯ ЭЛЬЗЫ»
Пьесу молодого уральского драматурга Ярославы Пулинович ставили в российских театрах больше 30 раз. В 2019-м снят и через два года вышел на экраны одноименный фильм, в главных ролях — респектабельный Вениамин Смехов и умница Ирина Печерникова. Пользовалась успехом у зрителей постановка в Театре Ленсовета (реж. Юрий Цуркану, в гл. ролях Владимир Матвеев / Александр Сулимов и Лариса Леонова). Ясно, куда мы клоним… Новая постановка была как минимум рискованной. И смелость создателей спектакля оказалась вознаграждена!
Сюжет пьесы незамысловат. Эльзе Александровне, хлебнувшей горя в жизни этнической немке, слегка за 70. Она только что похоронила нелюбимого, хотя и домовитого, мужа. Встретив учителя географии на пенсии Василия Игнатьевича, она влюбляется в него, очарованная непривычным для нее вниманием и теплотой. Дело идет к свадьбе, что сильно не нравится взрослым детям их обоих. Ситуацию усугубляет пресловутый «квартирный вопрос» — жених и невеста норовят продать недвижимость и на вырученные деньги отправиться путешествовать. У детей Эльзы и Василия совсем другие виды на ее дом и его городскую квартиру. Василия Игнатьевича доводят до инфаркта, он сначала идет на поправку, но в итоге умирает… Концовка пьесы неоднозначна. Вроде бы Василий Игнатьевич остался жив, сбежал из больницы и приезжает за Эльзой на мотоцикле, увозит ее, но, скорее, это лишь романтизированная фантазия. И означает она уход безутешной Эльзы из жизни к своему любимому. Впрочем, трактовку финального эпизода каждый выбирает сам, в том числе исходя из нюансировки фильма или конкретного спектакля. Рецепция «Мастера и Маргариты» очевидна, однако ощущения вторичности нет и в помине. Все-таки и сюжет шекспировского «Гамлета» использовался его предшественниками далеко не один раз. Кстати, и мотивы «Ромео и Джульетты» в пьесе не заметить нельзя.
В Театре на Васильевском главные роли исполняют Наталья Кутасова и Сергей Паршин. Режиссер Галина Зальцман, художник Семен Пастух. Спектакль очень музыкален. Деревенский хор исполняет лирические песни, и этот «импровизированный» концерт становится не просто душевным дополнением к сюжету, а греет слух и душу сам по себе. Господь уберег создателей спектакля от включения фонограммы — хотя это было бы куда как проще! И живые голоса —это живые голоса. В пьесе — в тексте — хор звучит «за сценой», в фильме исполняется лишь одна песня, и то слегка карикатурно. В спектакле же Театра на Васильевском— это замечательное, профессиональное пение, без попытки стилизовать исполнение под убогую деревенскую самодеятельность. Или, во всяком случае и к счастью, эта попытка не удалась; нарочито сфальшивить актрисы, перед лицом гостей театра, просто не смогли.
В нашем спектакле нет дидактики, нет стремления «выжать слезу», в отличие от фильма. Почему? Может, в наши театры все-таки ходят немножко другие люди, чем те, кто сидит у телевизоров. Театралам не нужно повторять громким голосом то, что они понимают с полуслова, схватывают на лету. Хотя это лишь одно из предположений. Так или иначе, недидактичность, неназидательность спектакля лишь добавляет ему цены.
Увы, грустен финал, печальна и сценическая история пьесы. Ирина Печерникова, исполняющая роль Эльзы в фильме, ушла из жизни не дожив до премьеры. И нельзя без боли смотреть на ее лицо, словно с печатью скорого конца. В спектакле Театра на Васильевском герои не просто не старые, таких людей называют пожилыми, или даже это «золотая осень». Причем
дело не только во внешности, но и в живости восприятия, бодрости духа, оптимистичной самооценке и самоиронии. А исполняемая хором песня «Скоро осень, за окнами август…» приобретает символическое звучание, кроме музыкального дополнения к драматическим поворотам сюжета. Эльза в исполнении Н. Кутасовой — полна жизни, у нее свежий взгляд, открытая душа, она никак не походит на человека, у которого все позади. И тем больнее видеть постигнувшее ее горе, тем нелепее ее безвременная гибель. Закончилась не просто человеческая жизнь — две жизни, рухнула целая вселенная добра, любви и мудрой человечности.
В фильме заметен «театральный пережим». Снижение персонажей — окружения влюбленной пары — выполнено отчетливее, даже грубее. Уверенность в себе граничит с развязностью, непосредственность переходит в навязчивость и нахальство. Особенно цепляет глаз и слух сцена похорон мужа Эльзы в первых кадрах. В спектакле все тоньше, многограннее, добрее, искреннее и оттого убедительнее. Свойственная театру вообще упрощенность, прямолинейность уступает место глубинному негромкому психологизму, жизненно правдивой неоднозначности характеров. Нет безусловно плохих и хороших людей, а есть драматические повороты судеб, и совершенная ошибка вызывает искреннее, но запоздалое раскаяние.
Спектакль убедителен в своей правдивости. Разумеется, огромная заслуга в этом — его создателей, как и автора пьесы. Прежде всего — исполнителей главных ролей. Под стать им и «второстепенные» персонажи — никто из них «свою песню» не испортил (актрисы Анна Захарова, Александра Манцыгина, Евгения Лякишева, Ульяна Чекменева, Любовь Макеева, Ольга Красикова, Мария Щекатурова и весь «деревенский» хор.
Мы не критикуем — боже упаси! — фильм Ю. Колесник. Он — отличный! Одни алтайские пейзажи чего стоят! Игра актеров тоже великолепна. Просто в нем другие акценты, он рассчитан на другую аудиторию. К тому же, как полагают мудрые китайцы (и не только они), «лучшее — враг хорошего». И краткожизненность этого спектакля — как и всякого другого — сродни изысканному очарованию элегантного срезанного цветка, век которого измерен, но ярок, в отличие от фактического бессмертия любой кинокартины.
Танцующие в спектакле пять актрис, видимо, символизируют душевную молодость Эльзы и перемену ее психологического состояния. И это — режиссерская дань современному театральному этикету, чтобы не получилось уж слишком традиционалистски. Впрочем, получилось хорошо, к месту. Наше сочувствие актрисе-велосипедистке, которая не справилась со своим «железным конем» на тесной сцене и упала. Может, велосипедик взять поменьше, повертлявее? А то как бы девушка травму не получила в процессе метафоризации сюжетных коллизий.
Спектакль «Земля Эльзы» в Театре на Васильевском захватывает внимание с первых минут и не отпускает до конца действия. Однако не своей интригой, а насыщенностью, отточенностью каждого слова, жеста, интонации. Своим юмором, добротой, тонко пойманной и переданной человечностью простой российской жизни. Всех обитателей нашей глубинки — умеющих искренне любить, помогающих друг другу, ошибающихся, но и в минуты заблуждений остающихся настоящими людьми.
Спасибо создателям спектакля за подаренный праздник творчества!
Д. Благов, член Общества «Театрал»
Учебный театр на Моховой. «БУЭНДИА. ИСТОРИЯ ОДНОГО РОДА»
Очень часто прочитанная книга становится поводом для раздумий, толчком для поиска информации по той или иной теме, для осознания сути происходящего, для понимания, в конце концов, природы вещей. У меня такой важной книгой в жизни, — той, к которой мысли постоянно возвращались, с героями которой я долго не расставалась, — был роман Габриэля Гарсиа Маркеса «Сто лет одиночества». Почему? Скорее всего, потому, что он поразил меня своей необычностью, совершенно необъяснимой магией, переплетением мистики и реальности, прошлого и будущего, сна и яви.
Те, кто читал этот роман, конечно, пытались разобраться в родственных связях и запомнить имена героев — очень трудно не запутаться в их повторяющихся разных комбинациях. Рисовались схемы, генеалогическое древо, делались пометки на полях, ведь иначе трудно представить, кто кому сыном или племянником приходится. Пересказывать сюжет произведения не имеет смысла — передать краткое содержание романа без ущерба для самой книги невозможно. А как же поставить это на сцене?
Истории всех персонажей, неистово любящих и так же неистово страдающих, сжигающих себя без остатка в любви, страсти и ненависти, обрекающих себя своими же страстями на вечное одиночество, живущих долгие десятки лет в мучительных заблуждениях и воспоминаниях, переживающих собственных детей — все они были представлены в конце 2021 года зрителям на сцене Учебного театра на Моховой. И представлены очень стройно, логично, без нарушения фабулы книги. Создателями этого спектакля — «Буэндиа. История одного рода» — стали студенты факультета актерского искусства и режиссуры РГИСИ СПб под руководством заслуженного артиста России Сергея Дмитриевича Бызгу.
Четыре года ребята работали над этим произведением, сочиняли спектакль, вживались в образы всех героев романа, пропускали их через себя, пытаясь понять сущность, хрупкость, многогранность и сложность человеческой натуры. Два вечера на сцене театра будет проходить перед нами жизнь города Макондо, история рода семьи Буэндиа, в которой «Первого в роду привяжут к дереву, а последнего…», в которой можно найти отражение судьбы всего человечества.
Блестящие актерские работы, позволяющие увидеть очень яркие образы всех персонажей (и имена теперь запоминаются легко!); потрясающее музыкальное оформление спектакля, в котором звуки ханга (такой музыкальный инструмент) начинают и заканчивают рассказ; костюмы и вся сценография, решенная довольно минималистично, но в то же время и очень оригинально; пластика движений — надо отметить, весьма эротичная, но не пошлая, — видно, что все это огромный труд и, главное, огонь творчества всех участников действа.
Спасибо огромное мастеру — Сергею Дмитриевичу и всем преподавателям, помощникам и творцам спектакля. Это безусловный успех!
Т. Проскунова, член жюри Общества «Театрал»
Балтийский дом. Экспериментальная сцена.
«СЦЕНЫ ИЗ МЁРТВОГО ДОМА», дебют режиссёра Рачи Махатаева
Спектакль поставлен по мотивам повести Ф. М. Достоевского «Записки из Мёртвого дома». Писатель был приговорен по делу петрашевцев к 8 годам каторги, провел на ней в Омске 4 года, и позже всё увиденное и пережитое художественно осмыслил.
В его повести нет единого сюжета, это зарисовки из жизни, пересказы, воспоминания и мысли. В спектакле же как раз присутствует единая линия повествования, и она ведётся от лица главного героя — дворянина Александра Петровича Горянчикова. Он убил свою жену из ревности и был осужден на 10 лет в Сибирь на каторгу.
В спектакле Горянчиков рассказывает о начале своего пребывания в заключении, о первых впечатлениях от встречи с разными арестантами и последующем близком знакомстве с некоторыми из них, о быте и жутких порядках в остроге. В заключении оказались люди разного происхождения, образования, культуры и воспитания. Унизительное положение заключенных усугубляется страхом перед наказанием карцером или плетьми за любую провинность.
Жизнь каждого проходит на виду у других, негде уединиться, чтобы просто побыть в тишине. Всюду грязь, антисанитария, холод, в помещении живут до 30 арестантов, спят на голых досках.
Даже сценография спектакля создает ощущение мрачного пространства и чувство безысходности: на сцене огромный настил, сшитый из лоскутов, на актерах такие же лохмотья, всё темное и беспросветное! В спектакле практически играют одни мужчины и только одна женщина. Алла Еминцева исполняет все женские роли, в том числе играет ласкового пса Шарика, который приносит хоть какое-то душевное тепло и заботу арестантам.
Артисты сыграли персонажей спектакля — смешных и наивных, чудовищных в своей простоте и жестокости — очень убедительно. Юрий Елагин потрясающе сыграл своего Горянчикова, просто на разрыв! Его герой — страдающий, сочувствующий и помогающий другим. Это человек, который в любых обстоятельствах остается самим собой!
Спектакль о том, как низко могут пасть люди и как высоко могут возвыситься их души! Очень трудно оставаться человеком в таких невыносимых условиях, рядом с закоренелыми убийцами, не ведающими раскаяния! Главный герой сумел осознать свою вину и тем самым спасти свою душу!
Очень выразительные и яркие образы были созданы Алексеем Кормилкиным в обеих ролях — садиста татарина Газина и бывшего молодого рекрута Сироткина. Пронзительно, до слёз сыграл
Сергей Андрейчук — удачное попадание в образ внешне участливого, но цинично следующего букве закона майора-надзирателя. Человеку недостаточно просто есть, спать, существовать, чтобы жизнь была действительно жизнью, ему нужна свобода!
История из жизни заключенных мрачная, спектакль тяжелый, но мощный, заставляет задуматься о многогранности человеческой души!
Г. Никольская, член жюри Общества «Театрал»
«ДНИ САВЕЛИЯ». Городской театр
Кого вы встретите в Санкт-Петербурге, в старом городе, спустившись в подвал? Конечно же, его законных обитателей и хозяев — Котов. Нет ничего более загадочного и удивительного, чем кошачья душа!
В самом сердце Петербурга во дворике Сен-Жермен, месте богемном, хоть и мрачноватом, именно в таком полуподвале и расположился Санкт-Петербургский Городской театр. У которого в 2022 году уже шестой сезон!
Во дворик Сен-Жермен любили приходить Николай Гумилёв и Анна Ахматова, жившие неподалёку. Есть предположение, что в саду выступал Фёдор Шаляпин. Неудивительно, что именно в расположенном здесь Городском театре впервые в Петербурге поставили спектакль «Дни Савелия» по роману Григория Служителя (премии «Большая книга» и «Ясная Поляна», лонг-лист премии «НОС»).
Если вы не читали это произведение — срочно исправляйте это недоразумение; роман рассказывает о жизни, любви и приключениях дворового кота Савелия. А как только перелистнете последнюю страницу романа, немедленно отправляйтесь в Городской театр, ведь вам предстоит, вместе с Савелием, в исполнении талантливого актера Михаила Рябова, котом-меломаном, иронично размышляющим о людях, пройти его жизненный путь от любопытного котёнка до седого старика!
Вы сможете, широко распахнув глаза, увидеть двор, где родился Савелий и провел свое детство, узнаете, что неработающая стиральная машинка это самый настоящий элитный кошачий особняк по меркам мегаполиса! Устроитесь на самую настоящую работу в музей, столкнетесь по ходу пьесы и с человеческой жестокостью, но вскоре убедитесь, что добрых людей на земле намного больше!
Этот спектакль напрочь лишен фальши, ведь коты самые искренние создания на земле. Вас ждет безграничный юмор, любовь и немного грустный финал, ведь, увы, в этом мире все имеет свой конец.
Минимализм в декорациях и костюмах позволяет актерам полностью раствориться в своей игре, нестандартные режиссёрские решения Даниила Обухова не оставят вас равнодушными и помогут стать частью действия на сцене, точнее в зрительском зале — ведь сцены-то как раз вы и не увидите. Видео-проекция помогает вам перенестись вместе с Савелием в самые потаенные уголки его кошачьей души!
Это спектакль для всей семьи, искушенных театралов и случайных прохожих, решивших спрятаться вечером от питерского дождика.
P. S.
А вы знаете, почему кота зовут именно Савелий, а его — сестренку АБК?
Приходите в Санкт-Петербургский Городской театр на постановку «Дни Савелия» и все узнаете!
Н. Осокина, член жюри Общества «Театрал»
«СЕРОТОНИН». Театр «Приют комедианта»
Совсем недавно театр «Приют комедианта» подарил зрителям замечательный спектакль «Серотонин». Поставил его главный режиссер Новосибирского театра «Старый дом» Андрей Прикотенко, известный в Санкт-Петербурге своими предыдущими постановками в БДТ («Лето одного года», «Калека с острова Инишмаан»), в Балтийском доме (знаменитая «Лерка», «Зощенко, Зощенко») , в Театре Ленсовета («Русская матрица», «Чехов. Водевили»). И это далеко не все. Прикотенко в городе знают и любят. Его имя в афише — знак того, что будет интересно, что надо идти смотреть.
На этот раз Андрей Прикотенко создал сценическую версию романа «Серотонин» известного современного французского писателя Мишеля Уэльбека, лауреата Гонкуровской премии. А это очень качественная литературная основа для спектакля. На роль главного героя Прикотенко пригласил великолепного Ивана Волкова, артиста Александринского театра, актера-музыканта, которого сейчас можно увидеть в «Сирано», в спектакле «Дети солнца». И не ошибся.
«Серотонин» у Прикотенко — это, по существу, монолог главного героя, жизнь которого зашла в тупик. На сцене в течение всего спектакля мы видим обессиленного, разочарованного в жизни человека. Флориан Лабруст, благополучный и успешный, переживает кризис, из которого невозможно выйти. Он спасается антидепрессантами, и они приводят его к импотенции, физической и моральной. Иван Волков блистательно передает эмоциональное состояние своего героя, он переходит от одного воспоминания к другому, ведь когда-то в его жизни было так много удовольствия и радости, а пресловутого серотонина хватало с избытком.. И только ирония, присутствующая здесь повсюду, несколько гасит ощущение безнадежного отчаяния, которое ведет к окончательному эмоциональному краху, к пустоте.
В «Серотонине» понравилось все, что бывает крайне редко. Содержание спектакля очень насыщенное, здесь есть за чем следить, во что вникать и кому сопереживать. Режиссура Прикотенко — живая, изощренная, изысканная и очень убедительная. Замечательна работа автора сценографии художника Ольги Шаишмелашвили, создавшей чудесные костюмы. Николай Якимов прекрасно музыкально оформил спектакль, благодаря чему очень точно передается психологическое состояние героев.
Если кому-то окажутся сегодня не близки и не интересны страдания героя Уэльбека — Прикотенко, который претендует даже на звание «героя нашего времени», то актерская игра в спектакле никого не оставит равнодушным.
Иван Волков в «Серотонине» — уникален, это надо видеть! Но и София Никифорова, играющая все женские роли, и Олег Рязанцев работают блестяще. Браво! Хочется, чтобы все познакомились с этой новой постановкой театра «Приют комедианта». Сегодня, на мой взгляд, это один из лучших спектаклей в Санкт-Петербурге.
.Л. А. Рябова, член жюри Общества «Театрал»
Бесовщина на сцене Новой Александринки
На петербургской театральной афише появилось новое название — спектакль «Тварь». Поставлен он на Новой сцене Александринского театра
В сегодняшнем понимании тварь — недостойный, подлый человек, но это слово произошло от глагола «творить» и первоначально обозначало любое живое существо, создание. Драматург В. Семеновский, написавший пьесу в новом контексте по роману Ф. Сологуба «Мелкий бес», насытил своё произведение цитатами из классиков русской литературы, например: «Твоей премудрости я тварь…» (Г. Р. Державин), отсюда и название спектакля. Зрители могут сами определить, кто есть кто.
Постановка молодого режиссера Никиты Кобелева производит захватывающее впечатление своей формой, черно-белой гаммой, элегантностью, сценографией в стиле «хай-тек» сегодняшнего дня (художник М. Краменко). Особенное внимание привлекает вращающаяся школьная доска. Именно она позволяет героям выплёскивать свою злость, ненависть к окружающему миру, а переворачиваясь, предлагает опереться на цитаты из произведений русских классиков. Но тщетно!
На наших глазах главный герой спектакля Ардальон Передонов (великолепная игра актёра Ивана Ефремова), — внешне благопристойный, религиозный учитель словесности, — переживает трагедию индивидуальности. Зрители наблюдают, как большое самомнение, амбиции, желание винить в своих грехах других, безответственность и жажда любой ценой получить должность инспектора захватывают внутренний мир учителя и погружают его в сумасшествие. Появление «Недотыковки» в спектакле происходит так естественно, что вдруг понимаешь: Передонов не один! Гениальный приём режиссёра — не вводить Недотыковку действующим лицом, так как это отражение подсознания, настроения, альтер эго героя, который поначалу пугается, а затем вполне привыкает.
Сумасшествием охвачено почти все окружение учителя. Варвара (актриса Я. Лакоба ) — сожительница, интриганка и раба Передонова, её наставница эмансипе (актриса О. Белинская) великолепны в роли не совсем людей — это некие существа, наделённые одновременно жизненностью и механистичностью, живучестью и бездушием (интересно наблюдать за изворотливостью женщин). Три сестры из семейства Рутиловых всячески используют сумасшествие Передонова для своего развлечения. Одна из сестер — Людмила Рутилова (актриса А. Пантелеева), самая красивая и энергичная, увлекается очаровательным гимназистом Сашей Пыльниковым (актер В. Маликов), берет его под защиту от нападок душного провинциального мира.
Апофеозом сумасшествия этого мира становится маскарад именитых местных граждан, который возглавляет Передонов. В его замутненном сознании существуют только он и его Недотыковка. Походя убивает своего друга Павлушу (актёр Н. Белин); видя бюсты русских классиков, начинает лихорадочно перечислять их, произносит цитаты-слоганы, а бюст Пушкина просто разбивает! Вот такой конец учителя словесности и литературы, да и культуры в целом.
Удивительно современно выглядит спектакль Александринки — разве нас не окружают мелкие и не очень «бесы»? Есть о чём подумать!
Т. Кузнецова, член жюри Общества «Театрал»
Театр на Литейном. «БЕГ»
В Театре на Литейном в конце января состоялась премьера спектакля «Бег» по одноименной пьесе Михаила Афанасьевича Булгакова, к которой довольно часто обращаются режиссеры начиная с 1960-х годов и по сей день. В памяти сразу всплывает и фильм А. Алова и В. Наумова, который запомнился с юности, с потрясающими, великими актерами, нашими легендами и нашей гордостью. Этот фильм о довольно сложном периоде нашей истории — о двадцатых годах прошлого века, о гражданской войне, об эмиграции. Это драма, которая вполне реально воспроизводит те трагические события, а тут, в Театре на Литейном — на сцене гротеск, буффонада. Первый вопрос: зачем «эксцентрическая комедия в стиле “буфф”»? Почему цветовое решение спектакля, условно, «черно-белое»? Зачем актеры в таких костюмах: неимоверно длинные шинели, огромные ружья, вычурные усы и чубы? Почему актеры двигаются по сцене весьма необычно — как в замедленной съемке, словно во сне?
Ответ пришел. Точно. Ведь пьеса Михаила Афанасьевича обозначена им самим как «Восемь снов». И на сцене все движется как будто во сне, и переплетаются мистика и реальность.
Режиссерский дебют Романа Агеева, одного из ведущих актеров театра, вызвал очень неоднозначную реакцию зрителей: были, конечно, и те, кто не разделил взгляд режиссера и ушел после первого действия, но основная часть зала, те, что остались и досмотрели постановку до конца, были вознаграждены и выражали свои чувства бурными аплодисментами. И смех, и слезы зрителей, и искренние переживания за судьбы героев были, несмотря на то «что все все знали».
Отдельное удовольствие доставили сцены пантомимы и танцев, за это спасибо хореографу Ирине Ляховской. Танец Серафимы (исп. Наталья Ионова) и Сергея Голубкова (исп. Максим Зауторов) был очень выразительным, оригинальным и запоминающимся. Язык тела говорил сам за себя. Чувства героев переданы очень органично, «интеллигентно».
Оформление спектакля (художник-постановщик Марина Завьялова) также заслуживает внимания. Многие сцены запоминаются и остаются со зрителем благодаря удачно найденному предмету, образу, решению. Так, в дело пошли веревки – «нити судьбы» с белыми метками, огромное белое «колесо судьбы», большие игральные карты, как знаки фортуны.
Мне кажется, что дебют удался! Спектакль «зацепил», заставил подумать. Что-то нужно пересмотреть, переосмыслить. В любом случае, спасибо всем, кто это сделал.
Т. Проскунова, член жюри Общества «Театрал»
«КОНЕЦ КАЗАНОВЫ» в театре «Пушкинская школа Владимира Рецептера»
В театре «Пушкинская школа» представлена премьера спектакля «Конец Казановы» по драматической поэме Марины Цветаевой «Феникс» (постановка Владимира Рецептера, режиссер Денис Волков). Поэма написана в 1919 году, а в 1922-м одно частное издательство выпустило лишь ее третье действие под названием «Конец Казановы», что соответствовало его содержанию. Премьерная постановка построена именно на этой поэтической части пьесы.
Во вступлении к пьесе Цветаева приводит слова Генриха Гейне: «Театр не благоприятен для Поэта, и Поэт не благоприятен для Театра». И тут же высказывает свои суждения: «Не чту Театра, не тянусь к Театру и не считаюсь с Театром. Театр (видеть глазами) мне всегда казался подспорьем для нищих духом, обеспечением для хитрецов породы Фомы неверного, верящих лишь в то, что видят, еще больше: в то, что осязают. – Некой азбукой для слепых. А сущность Поэта – верить на слово! Поэт, путем прирожденного невидения видимой жизни, дает жизнь невидимую (Бытие). Театр эту – наконец – увиденную жизнь (Бытие) снова превращает в жизнь видимую, то есть в быт. Театр я всегда чувствую насилием. Театр – нарушение моего одиночества с Героем, одиночества с Поэтом, одиночества с мечтой – третье лицо на любовном свидании. И то, что окончательно утверждает правоту Гейне и мою: в минуты глубокого потрясения – или возносишь, или опускаешь, или закрываешь глаза. «Но пишете же, однако, пьесы!» – Это не пьеса, это поэма, – просто любовь: тысяча первое объяснение в любви Казанове. Это так же театр, как я актриса. Знающий меня – улыбнется».
Таким образом, зритель просто обречён быть третейским судьей в духовном споре поэта и актера! Для вынесения справедливого приговора приведу краткую дополнительную информацию из жизни нашего героя.
Джакомо Казанова, в отличие от легендарного испанского героя-волокиты и искателя любовных приключений Дон Жуана, был реальным человеком с большими разносторонними дарованиями и широким кругозором. Получив духовное и юридическое образование, он самостоятельно изучил французский, итальянский и латынь. Много путешествуя по Европе, в том числе и по России (его принимала даже императрица Екатерина II), он написал мемуары в нескольких томах, был автором одного из первых фантастических романов, оставил след в математике, а также перевел на итальянский Илиаду.
Действие спектакля происходит в последний день жизни Казановы в замке Дукс в Богемии, где он в возрасте 75 лет работал библиотекарем по приглашению бывшего владельца замка князя де Линь. Жизнь Казановы становилась нестерпимой из-за конфликта с наследником князя и его свитой, всячески унижающей достоинство этого гордого человека. И тогда, приняв решение расстаться с жизнью, он заказывает лошадей,чтобы уехать восвояси в холодную вьюжную ночь под Новый год Нового столетия. На протяжении всего спектакля роль Казановы одновременно исполняют два актера (Денис Волков и Григорий Печкысев), которые говорят поочередно. Такой художественный прием позволяет уйти от несколько авторитарного, по существу, монолога к дискуссионному дуэту и создает более сложный и убедительный образ героя. Во время аутодафе, которое Казанова учинил над своими бумагами и письмами, приходит молодая девушка из прислуги Франциска (Демина), чтобы отдать сорочки, которые она умыкнула во время стирки и зачинила. Эта эмоциональная импульсивная девочка (ей 13 лет) с рыжими вьющимися волосами без памяти влюблена в Казанову и готова идти за ним куда угодно. Оставшийся час до намеченного отъезда они играли, целовались и рассказывали о себе. Своей детской непосредственностью, живостью ума и частыми признаниями в любви эта девчушка пробудила в старом многоопытном человеке ответное чувство. И ему теперь не страшно уходить в мир иной, о нем есть кому вспомнить с любовью. Наконец, она уснула в кресле, единственном предмете мебели, который был в распоряжении нашего героя. Когда ударил полуночный колокол, Казанова снимает со своей руки кольцо и одевает его на палец спящей Франциски со словами (заговор от всех несчастий; известно, что Казанова занимался оккультными науками):
От карающих Эвменид,
От полночного перелеска
И от памяти.
— Ну-с, Франциска,
С Новым веком!
Выходя со скромным багажом и плащом, который его должен защитить от вьюги, Казанова поручает камердинеру бережно отнести ее в лес к приемному отцу.
В. Вороновицкий, член жюри Общества «Театрал»
Театр Малыщицкого. «ДОН ХИЛЬ ЗЕЛЕНЫЕ ШТАНЫ»
По мотивам одноименной пьесы Тирсо де Молины. Режиссер Петр Шерешевский
«Дон Хиль» — спектакль по-настоящему сложносочиненный. Во многих смыслах. Режиссер Петр Шерешевский взял пьесу Тирсо де Молины, драматурга XVII века, предложил материал актерам своего театра, музыканту и композитору Нику Тихонову, и вместе они придумали сочинение по-настоящему XXI века.
Оказалось, что все уже было. Люди, их страсти, эмоции, отношения между ними: отцы — дети, мужчины — женщины, господа — слуги. Классическая пьеса, — в которой уже представлена игра в игре, когда герои, чтобы добиться своих целей, переодеваются, отправляются в поиски, — превращается в Театре Малыщицкого в захватывающее представление. Сюжет множится, как в зеркалах. Донья Хуана, она же — Дон Хиль, она же Эльвира, наша молодая современница. Дон Мартин — тоже, как и Донья Инес, Донья Клара, их слуги. Спектакль построен так, будто его замысел родился в наше время, потому что он насыщен до предела приметами сегодняшнего дня. Это остроумные стендапы (Дон Мартин и Донья Клара), блистательный Александр Худяков в роли условного слуги Караманчеля, который, словно Вергилий, ведет зрителя по непростому лесу, где на каждом шагу встречается что-то новое, не совсем понятное. Он с блеском дает названия, как бы вешает ярлыки на эмоции и действия героев: нарциссизм, абьюз, харассмент, гомофобия, буллинг — понятия, которые в современном мире стали обозначать то, что было всегда, но не имело названия. С легкой руки Фрейда, Юнга, Леви-Стросса чувства и страсти человеческие раскладываются по полочкам. И это дает иллюзию того, что все становится понятнее в жизни человека. Ведь если вам говорят, что это «абьюз» — значит, надо обижаться, если «харассмент» — надо привлекать общественное мнение и защищаться, и так далее. Хотя суть отношений между людьми была всегда такой же. Одни красивы, изобретательны, с сильной волей, им принадлежит мир, они — герои; другие — обычные, равнодушные, плывущие по течению. Одни добиваются своих целей, другие смиряются с поражением, третьим вообще все равно.
Актеры пускаются в авантюру, играя и шутя. Игра — их стихия, и чувствуют они себя в ней как рыба в воде.
Спектакль превращается в яркое синтетическое представление. Актеры выдают невообразимый накал страстей в пении, танцах — этакий мощный сгусток энергии. Это касается персонажей пьесы. Во втором действии они представляют обыкновенных людей. Словно дети в пионерском лагере ночью решили поведать о себе, своих историях, обидах. Эти рассказы поданы в виде снов, в которых один герой из своего сна переходит в сон другого. Таким образом, их истории закольцовываются. Театр расширяет свои рамки и выходит в жизнь. Актеры, оживляя текст драматурга, изображают играющих людей. Спектакль выливается в красочные и живописные образы. Трудно представить, что авторы, то есть весь коллектив, способны дерзнуть на нечто подобное! Как написал Петр Шерешевский, «...захотелось поговорить про драйв молодости, про жажду жизни. И вот...».
Осталось перечислить артистов, участвовавших в драйве: Дарья Змерзлая, Андрей Жилин, Алина Кикеля, Светлана Грунина, Владислав Мезенин, Максим Шишов, Александр Худяков. Композитор Ник Тихонов, художник Надежда Лопардина и их прекрасные помощники.
И. Васильева, член жюри Общества «Театрал»
Рождественская сказка в Санкт-Петербурге
«Барочная шкатулка» особняка барона фон Дервиза в рождественский вечер 7 января 2022 года подарила зрителям волшебную сказку, которой так не хватает в заснеженном Петербурге.
Впервые в нашем городе театр «Санктъ-Петербургъ Опера» поставил оперу П. И. Чайковского «Черевички» в полном объёме, адаптировав сюжет повести Гоголя о ночи перед Рождеством для камерной сцены. Режиссёр Юрий Александров и художник-постановщик Вячеслав Окунев заключили музыкально-комическую сказку в яйца Фаберже как подарок — подношение зрителям к Рождеству. «Санктъ-Петербургъ Опера» великолепно, зрелищно использовала весь спектр возможностей современного театра. Здесь и сочные краски декораций, и яркие этнографические наряды жителей Диканьки, и колоритные фантастические существа и пейзажи гоголевской Малороссии.
Благодаря видео-арту зритель еще сильнее погружается в сказочную рождественскую атмосферу. Особенно завораживает увертюра оперы, звучащая на фоне падающего во всю ширину Белого зала снега. Фантастично!
Настоящим подарком стала музыка оркестра под руководством дирижёра-постановщика Максима Валькова. П. И. Чайковский щедро одарил слушателей разными симфоническими эпизодами: красота зимней ночи, лихие прыжки через костёр, удалые песни и пляски, роскошь двора императрицы. Но ярче всего выражена тема любви Вакулы и Оксаны. В этот вечер нам были представлены солисты театра: в роли знойной и капризной Оксаны — Евгения Кравченко, Вакула — Леонтий Сальенский, с драматической харизмой большого героя; плутоватая, неотразимо привлекательная Солоха — Кристина Метелица и другие певцы подарили незабываемое рождественское пиршество!
Т. Кузнецова, член жюри Общества «Театрал
«Санктъ-Петербургъ Опера».«ЧЕРЕВИЧКИ»
В «Санктъ-Петербургъ Опера» прошли премьерные показы оперы П.И. Чайковского «Черевички» в постановке художественного руководителя и основателя театра Юрия Александрова.
Сказочную историю со счастливым концом о кузнеце Вакуле (Ярамир Низамутдинов), строптивой красавице Оксане (Александра Ляпич), матери Вакулы Солохе (Лариса Поминова), Бесе (Владимир Казаков) и других персонажах повести Н.В. Гоголя «Ночь перед Рождеством» из цикла «Вечера на хуторе близ Диканьки» знают все. П.И. Чайковский, часто бывавший на Украине, широко использует в опере элементы украинского фольклора. Его музыку режиссер назвал «россыпью жемчуга и драгоценных самоцветов», отметив, что«Артисты с удовольствием исполняют свои партии — и это видно». Видно не только режиссеру, но и нам —зрителям. И мы, вместе с исполнителями, переносимся то в Малороссию, то в Петербург, то опять в Малороссию. А помогают этому и красивые народные костюмы героев, и заснеженные мазанки, и украинская мелодика. Вместе с Вакулой словно попадаешь во дворец императрицы (Софья Некрасова) и перед тобой предстают придворные в великолепных дворцовых костюмах екатерининской эпохи. Перед тобой танцует русская пара (Наталья Сафонова, Иван Тараканов) и пьяный казак (Валерий Терновой) —балетмейстер Василь Панайотов. Хотелось бы отметить удачное использование видео-арта (Георгий Савельев, Виктория Злотникова): тихо падающие снежинки, заснеженные мазанки, красоты подводного мира, высвечивающееся названия оперы и многое другое. Без этих проекций невозможно представить спектакль, они чудесным образом дополняют декорации.
Светлое чувство ожидания праздника не покидало еще долго. Верилось, что чудеса случаются здесь и сейчас. Надо только верить в это: и будет Вакула, который сделает для тебя невозможное, и будут у тебя «черевички, которые носит сама императрица».
Браво театру «Санктъ-Петербургъ Опера» за чудесную рождественскую сказку!
Н. Веженкова, член жюри Общества «Театрал»
«ГОРЕ ОТ УМА» в Театре на Васильевском
Театр — не отображающее зеркало, а увеличивающее стекло.
В. В. Маяковский
Наверное, ничто лучше этой фразы не сможет описать новый спектакль «Горе от ума» в Театре На Васильевском. Эта постановка вызовет у вас восторг, отвращение, агонию, заставит задуматься о смысле жизни — но точно не оставит равнодушным!
«Горе от ума» Александра Сергеевича Грибоедова, пожалуй, всегда было одним из моих любимых произведений, и для меня совсем не удивительно, что уже на протяжении почти 200 лет эта пьеса не сходит с подмостков театров! Так что же такого необычного нам приготовил режиссёр Руслан Нанава на сцене Театра на Васильевском, что выделяет именно этот спектакль?
Режиссёр поставил перед актёрами сложную задачу: перенес действие пьесы в наш век, при этом полностью сохранив авторский текст комедии . «Дома новы, но предрассудки стары», как писал сам Грибоедов; эта мысль пронизывает весь ход спектакля. По-моему, актеры справились с поставленной задачей блестяще!
Перед вами предстанет гламурная барышня Софья, ее отец Фамусов, сидящий в спортивном костюме перед телевизором, Чацкий, как оживший герой из фильма «Брат», а светские сплетни распространять будут, разумеется, блогеры в соцсетях! И все это под музыку ДДТ и Виктора Цоя. Образ каждого героя — яркая аллегория, которая как раз и помогает перенести грибоедовское «Горе от ума» в XXI век, и сыграно оно фантастически.
Говорят, чтобы правильно понять идею театрального спектакля, сначала нужно прочитать книгу. В случае с «Горем от ума» Руслана Нанавы это не работает. Скорее сам спектакль заставит вас, вернувшись домой, взять в руки пьесу Грибоедова и перечитать ее, а может быть, и познакомиться с ней впервые!
Выйдя из театра, еще несколько дней думала об увиденном. Я лишний раз убедилась, что являюсь поклонником классического театра и сложно воспринимаю новые веянья современного искусства, но именно такие постановки, как этот вариант «Горя от ума», способны ломать все шаблоны и стереотипы! Этот спектакль заставляет взглянуть на окружающий вас мир под другим углом! А может быть, и способен изменить вашу жизнь!
Шокировал ли меня этот спектакль – да! Захочу ли посмотреть эту постановку еще раз – однозначно да! Порекомендую ли знакомым – разумеется!
Наталья Осокина, член жюри Общества «Театрал»
