ЗРИТЕЛЬ ДАЕТ ОЦЕНКУ
Малый Театр Кукол.
«Счастье в малом...» - этими словами начинаются спектакли в небольшом театре на Лиговском проспекте, д.267, в здании бывшего заводоуправления, где всего год назад получили пристанище выпускники разных курсов факультета театра кукол РГИСИ. Они мечтали об этом счастье целых шесть лет. Во время учебы в СПбГАТИ, поставив учебный спектакль «Король умирает» по пьесе Эжена Ионеско, они не остановились, а продолжили в свое свободное время создавать спектакли и к выпуску из театральной академии на их счету было уже восемь постановок. Тогда этот студенческий проект и перерос в независимый негосударственный театр.
Инициаторами создания Малого театра кукол стала команда единомышленников во главе с Чакчи Фросноккерсом – ныне художественным руководителем, выпускником режиссерской мастерской Т. Стависской. За эти семь лет существования театра режиссеры Алексей Синицын, Вера Каратаева, Варика Купорова-Экономски, Чакчи Фросноккерс , Александр Лялюшкин, совмещая режиссерскую профессию с актерской или профессией хореографа, поставили более двадцати спектаклей. Оформляли спектакли Ульяна Елизарова, Наталья Стрельцова, Юлия Гамзина, Елизавета Гуляева, и другие; это были и художники-постановщики, и художники по костюмам, они увлеченно создавали в каждой работе совершенно неповторимый стиль, цвет и настроение спектакля. Потрясающие актеры Вера Каратаева, Станислав Демин-Левийман, Маргарита Кольцова, Игорь Баянов, Аглая Жюгжда, Анна Солодова, Рустем Усинов и другие не только выходили на сцену в тех или иных ролях, но и выполняли работу технического характера, вплоть до того, что перевозили на себе весь реквизит спектакля на площадки, где получали приют и возможность показать свои постановки. За годы мытарств коллектив театра сплотился, сжился и закалился.
Спектакли, поставленные за эти годы, продолжают жить на новой сцене. Ах, какие это спектакли! Одной из первых постановок, на которую я попала, была «Чайка» (режиссеры Алексей Синицын и Чакчи Фросноккерс). Спектакль сделан очень стильно, с минимальными декорациями, но сколько было режиссерских задумок, приемов и оригинальных решений! Я бы не назвала этот спектакль кукольным, скорее он был «с куклами», которые, как мне показалось, воплощали суть героев, их характер. Великолепные актерские работы Стаса Демина-Левиймана (Константин Треплев), Маргариты Кольцовой (Ирина Николаевна Аркадина), Игоря Баянова (Петр Николаевич Сорин), Аглаи Жюгжда (Нина Заречная) и Анны Солодовой(Маша Шамраева) не оставили зрителей безучастными и заслужили бурные аплодисменты. Такой «Чайки» я еще не видела!
Новую постоянную сцену МТК открыли 23 декабря 2022 года спектаклем «Школа для дураков» по одноименному роману Саши Соколова. Это была первая постановка произведения в театре кукол, авторами которой были те же Алексей Синицын и Чакчи Фросноккерс. Они рассказали историю мальчика с раздвоением личности, ученика закрытой спецшколы, который уже стал взрослым, но его воспоминания не отпускают его. В его жизни навсегда остались учительница Вета, в которую он по-юношески влюблен, босоногий учитель Норвегов, одноклассники, протестующие против «тапочной системы» директора... Очень легко и естественно мы попадаем в этот странный мир, благодаря изумительной работе художника Ульяны Елизаровой и работе тех же артистов.
Этот творческий союз двух режиссеров представил зрителям спектакль «ГУЛАГ. Symphonia», посвятив его композитору Всеволоду Задерацкому, написавшему во время заключения в ГУЛАГЕ двадцать четыре прелюдии и фуги.
Не только для взрослых, есть в театре и спектакли для детей. Это «Истории рождественской ярмарки», «Дон Кихот. Клоунада», «Мой дедушка был вишней», «Винни-Пух» и другие, где не только детям будет весело, но и взрослые не заскучают.
О многих спектаклях этого театра, этой дружной команды людей, искренне служащих ИСКУССТВУ, я не рассказала, поскольку и сама не видела этих работ. Мне еще предстоит познакомиться с ними, я еще только открываю для себя большой мир Малого Театра Кукол.
Т. Проскунова, член жюри Общества «Театрал»
«ПОГИБШИМ ОТ НЕВИДАННОЙ ЛЮБВИ»
Спектакль Российского государственного академического театра драмы имени Фёдора Волкова «ЛЕДЯНОЕ СЕРДЦЕ» по пьесе-сказке А. Н. Островского «Снегурочка». Режиссёр Валерий Кириллов
В наследии драматурга, 200-летие со дня рождения которого всемерно отмечается в России в уходящем году, «Снегурочка» — пьеса единственная в своём роде. Притом что язык её узнаваемый, а поведение персонажей бывает юмористически, даже сатирически окрашено — всё равно это сказка, действие которой происходит в несуществующем месте в небывалое время, а герои не имеют реальных прототипов. Задача такого произведения — вроде бы не столкнуть зрителя с постылой реальностью, а, наоборот, увести его в понарошечный, рисованный мир, чтобы он отдохнул душой в стенах театра, и только по завершении действа вспомнил, может быть, крылатое:
Сказка ложь, да в ней намёк,
Добрым молодцам урок.
Очевидно, поэтому в любом российском городе, где больше одного драмтеатра, вероятнее всего увидеть несколько версий «Грозы», «Бесприданницы», «Леса», «На всякого мудреца довольно простоты», «Свои люди — сочтёмся», «Талантов и поклонников», похождений Бальзаминова в разных сочетаниях и под разными названиями… И ни одной «Снегурочки».
Что же получается: если так давно Римским-Корсаковым написана достойная музыка, так сказочный сюжет Островского навсегда принадлежит театру оперному? Ничуть не бывало.
И ярославский Театр им. Ф. Волкова выбрал, получается, беспроигрышный вариант, привезя на фестиваль «Вперёд к Островскому!» в Петербург свою совсем свежую премьеру. Изменённое название, красноречивый подзаголовок «Карнавал страстей» и возрастная категория 16+ уже обещали что-то нешаблонное, а проекции неясных фигур на ажурную сетку, служащую занавесом, за которой такими же размытыми появились на сцене участники спектакля, предвещали тайну.
Впрочем, для введения даже самого неподготовленного зрителя в курс дела (забегая вперёд, скажу: ТАКУЮ постановку можно сделать МОДНЫМ СОБЫТИЕМ, посетить которое хватит любопытства и у людей, привычно выбирающих иные формы досуга), постановщик предусмотрел «адаптивный приём»: на авансцене появляются чёрный Леший и… белый Шаман (второй вполне логичен: сюжет ведь про язычников-солнцепоклонников!) и произносят стихотворный текст… которого у Островского не было! Не зря в программке среди традиционных участников постановочного процесса фигурирует… Поэт (Михаил Китайнер). Два партнёра-ведущих как бы впервые знакомятся с «чрезмерно длинным» текстом Островского и обещают зрителям, что представление не окажется утомительным.
Скучать на «Ледяном сердце» публике и в самом деле некогда.
Для начала — о чисто визуальных эффектах. По площадке маневрирует пара громадных объёмных колёс, напоминающих мельничные жернова. Порой эти конструкции из белых пластиковых трубок, символизирующие, очевидно, культ Солнца, останавливаются и служат постаментами для ведущих диалог персонажей. Третье колесо подвешено над сценой горизонтально, и через его плоскость в нужный момент опускается нечто вроде «древа познания» с плодами-лампочками; порой и само колесо становится на ребро, разграничивая пространство сцены.
Неподдельным шаржем на извечно больную тему «народ и власть» выглядит выход царя Берендея: из всё тех же пластмассовых элементов для него изготовлен конь вроде детской игрушечной лошадки (на колёсиках), но величиной аж в два человеческих роста. А рядом с конём — до смешного уменьшенная его копия для ближнего боярина Бермяты.
Чтоб завершить похвалу художнику-постановщику Эдуарду Гизатуллину и реализовавшим его замысел мастерским ярославского театра, добавлю, что и мосточки, на которых группируются порознь парни и девчата берендейского племени, и таратайка Бобыля с Бобылихой, и даже рамка для «картины», которую малюет царь Берендей (раскрашивая живого исполнителя роли Лешего!) — всё собрано из тех же белых трубок, и это придаёт спектаклю ощущение каких-то первозданных чистоты и лёгкости.
Теми же чистотой и лёгкостью веет от повседневных облачений мифического племени берендеев: они сияют белизной и украшены зелёным орнаментом, а головные уборы снабжены потешными ветвистыми рожками; в одной из обрядовых сцен участники закрывают лица масками вполне туземного вида — нарочито крупными, ярко раскрашенными. Впрочем, есть и «зимний вариант» — чисто белые, густо опушённые штаны и рубашки. Праздничная одежда поселян сочетает красный и оранжевый цвета (наиболее угодные, надо думать, Яриле-Солнцу) и покроем приблизительно отсылает к допетровской Руси (художник по костюмам — Оксана Богданович). Затейливее и эстетичнее всех наряжен Мизгирь в исполнении приглашённого актёра, имя которого программка сохраняет в тайне: на нём костюм «брутального чужака», которому, как претенденту на благосклонность лучшей берендейской девушки, положено выглядеть воинственно и победительно рядом с местными простолюдинами.
Не избежало «Ледяное сердце» всё ещё модного приёма — обуть какого-либо персонажа в роликовые коньки. Должно ли это символизировать скольжение по льду или что другое — дело, как говорится, десятое, но подвижность, сообщённая в этом спектакле Лешему и Масленице, вызывает ожидаемое «оживление в зале». Ещё один явно неслучайный предмет из спортивного инвентаря — прозрачный шар, в котором Снегурочка впервые появляется на сцене: как не вспомнить об экстремальном развлечении под названием зорбинг, практикующемся на заснеженных горных склонах!
Впрочем, по ходу действия зрителю предстоит увидеть и более впечатляющий синтез пластики и динамики: постановщик ввёл в спектакль… местную команду мастеров спорта по прыжкам на батуте в главе с президентом соответствующей федерации — сальто фигур в белых трико на заднем плане смотрятся невесомо, как круговерть снежных хлопьев. Да и исполнители некоторых главных ролей блеснули акробатической подготовкой, показав эффектные упражнения на вертикальных канатах и полотнищах…
Возвращаясь к собственно «Снегурочке» Александра Николаевича Островского: написанная по преимуществу белым стихом (что твой «Борис Годунов»!), украшенная фольклорными попевками и, повторюсь, сполна отмеченная сатирическим мастерством «Колумба Замоскворечья», эта пьеса уже сама по себе наслаждение для ценителя отечественной литературы, а воплощённая на сцене, способна подарить праздник и тем, кто её знает назубок, и тем, кому принципиально лень читать первоисточники постановок.
Итак, текст Островского, объёмистость которого как бы смущала открывающих действие Шамана и Лешего, вошёл в спектакль Театра им. Волкова не полностью. Но для того, чтоб это уловить из зрительного зала, надо сидеть с книгой в руках — задача неблагодарная, особенно по отношению к такой «жаркой» постановке, как оценила её заслуженная артистка РФ Дарья Юргенс, вручившая в этот вечер коллективу театра диплом участника фестиваля.
Яркими и характерными представил Театр им. Ф. Волкова сцены ссоры парней с девчатами и попытка ребят позадирать Мизгиря. Разговор царя с Бермятой — одна из ключевых зарисовок берендейского общинного уклада — слушается на ура, благо оба исполнителя не скупятся на выразительные интонации. А Бобыль Бакула — тот, безусловно, главный комический персонаж ярославской постановки: стоит посмотреть, как он сопровождает свои непрестанные намёки на личную выгоду пританцовыванием чечётки и как бы застенчивой, но красноречивой жестикуляцией.
Положим, пары скоморохов при дворе Берендея в спектакле нет, но зато исполнитель роли Лешего перевоплощается в Шута со вполне адекватным набором реплик и ужимок (разве Островский — не «наш Шекспир»?). А уж когда со сцены слышатся слова, написанные сегодня — и как складно написанные! — это точно не выглядит «подменой классики отсебятиной». Помимо диалогов Лешего и Шамана это и вставной номер, излагающий историю Адама и Евы (совсем не языческую, но, надо думать, более удобовоспринимаемую в среде, где христианство является культурообразующей религией).
Музыкальное оформление спектакля (композитор Виталий Балдыч) вполне соответствует атмосфере каждого иллюстрируемого эпизода. Глуховатым «народным» голосом, в повествовательной манере исполняет свои песни Лель. Нежная лирическая мелодия сопровождает девушек, собравшихся на посиделки. Особенно врезаются в слуховую память резкие ритмичные аккорды ритуальной пляски берендеев; Шаман, как ему и положено, при этом азартно бьёт в бубен.
Но есть в «Ледяном сердце» одно музыкально-поэтическое заимствование из наследия века двадцатого — апеллирующее, наверное, прежде всего к зрителям из последних поколений, выросших в СССР (стоит посмотреть, как они дружно вскидывают мобильные устройства, чтобы сохранить фрагмент спектакля себе на память!), но безусловно понятное и их потомкам. Это «Баллада о любви» Владимира Высоцкого. Звучащая первыми куплетами незадолго до окончания действия, а в финале допеваемая всеми участниками постановки, она звучит и как реквием «погибшим от невиданной любви», и как гимн неистребимому чувству, движущему этим миром. Не случайно в центре сцены на игрушечной лошадке оказывается маленькая девочка — юная Снегурочка, вновь народившаяся для более счастливой, хочется верить, участи, чем её растаявшая предшественница.
«Столько, сколько Островский заложил в эту пьесу любви, ненависти, мифа, природных катаклизмов, которые происходят вокруг всех героев и вокруг этого царства берендеев, нет ни водной пьесе русской», — отметил художественный руководитель Театра им. Ф. Волкова Валерий Кириллов в интервью после премьеры в Ярославле. И если даже на родине российского театра «Снегурочка» показана впервые после более чем столетнего (!) перерыва, то это достойный повод обратиться ныне к такому художественно красочному и идейно многоплановому, а главное — пронизанному лиризмом и трагизмом темы любви материалу для многих и многих театральных коллективов, чтобы им посчастливилось видеть в зале публику одновременно нескольких поколений, следящую за их игрой с неослабным вниманием и искренним сопереживанием. Как это получилось у ярославцев.
Александр Моносов, член общества «Театрал»
Спектакль "ЧАЙКА" Малого театра кукол.
Побывала 1-го декабря в МТК на Лиговском пр., 267.
Театр маленький, всего несколько рядов, но впечатлений оставляет много и все в превосходной форме!
Спектакль "Чайка", без сомнения, интересен. В нем при минимуме декораций, но при помощи максимума сценических находок с первой минуты зрелища окунаешься в атмосферу классического действия, которое, не отпуская, держит зрителя в контакте с актёрами.
Великолепная игра актёрского коллектива не может не понравиться даже искушенному театралу! Небольшое сценическое пространство способствует погружению в состояние катарсиса! Собираюсь посетить этот театр снова и ознакомиться с другими постановками.
Очень рекомендую спектакль "Чайка " всем, кто ценит хорошую игру актёров и любит классику в интересной интерпретации режиссера!
Спасибо за полученное удовольствие и прекрасно проведённый вечер!
Москвина Ольга Вениаминовна, член общества «Театрал»
А СЧАСТЬЕ БЫЛО ТАК ВОЗМОЖНО…
«ЕВГЕНИЙ ОНЕГИН». Спектакль Театра-студии «1863». Режиссёр — Борис Маркин
Что можно сделать из «Евгения Онегина» силами четырёх артистов, пары стульев, столика и чемодана… ну, ещё кулис и произвольно подвешенных над сценой белых кисейных полотнищ?
Театр, как искусство условности, позволяет сделать малыми силами максимум возможного, а именно — произвести впечатление на зрителя, убедить его всмотреться, вслушаться и поверить в возможность погружения в иные место и время.
Текст пушкинского романа в стихах до сих пор не стал ни в чьём изложении традиционной пьесой, которую, без сомнения, в исторически короткий срок «заиграли» бы большинство профессиональных драматических театров и самодеятельных коллективов (классическую оперу Чайковского и модный мюзикл «Демон Онегина» оставим за кадром как порождения театра музыкального, с его спецификой, причём произведения отнюдь не камерного формата). Но достаточно школьного курса литературы, чтобы этот текст любому зрителю многими местами помнился наизусть, а скорее — набил оскомину. И какие тогда открытия предстоят публике, пришедшей на постановку театра-студии «1863», если главное в ней (во всяком случае, по объёму) — вот именно что добросовестно выученные строфы романа (иногда, правда, не очень ловко «прореженные», иногда наивно излагаемые героями от первого лица)?.
…Самый ценный зритель для любого спектакля — тот, для которого знакомство с театром только начинается. И такой зритель — подразумеваю, школьного возраста (а разве не поощряемо смотреть на сцене то, что изучается на уроках литературы?) — увидит в «Онегине», что, например, даже при минимуме реквизита и костюмерии можно не пренебрегать напрочь духом давно ушедшей эпохи, а постараться его передать: играли бы актёры в повседневной одежде — и получилось бы, глядишь, просто чтение по ролям, а вот ведь на женщинах красивые и как бы старомодные платья, а мужчины одеты тщательно, в «пиджачно-фрачном» стиле, и знаменитый пушкинский цилиндр не забыли; стулья, чемодан, графинчик наверняка советского времени, но для тех, кто его не застал, прошлый век — такая же древность, как и позапрошлый; даже условная рука, передающая письмо, высовывается из-за кулис в белоснежной перчатке, что подчёркивает: действие происходит в аристократической среде с её внешним благородством и неотменимыми правилами выстраивания отношений — правилами, следование которым вовсе не обещает счастья, нарушение же способно пожизненно испортить репутацию.
А вот строки Пушкина, произносимые участниками спектакля, — это прежде всего не «энциклопедия русской жизни» (как излишне категорично, словно приписав автору некую сверхзадачу, оценил роман критик Белинский), хотя постановщик (Б. Маркин) и не пренебрёг многими красноречивыми характеристиками «высшего света» пушкинских времён и главного героя как порождения этой социальной среды. Это именно что «история любви, поиска себя и самопожертвования», как и заявлено в программке спектакля.
Простые и верные, обращённые не к разуму, но к сердцу зрителя слова значатся в анонсах каждого показа «Евгения Онегина» от студии «1863»: «…видим ли мы за поэтическими строчками жизни людей, понимаем ли их чувства? Можем ли вместе с ними пережить их испытания, задуматься над их характерами и поступками? Близки ли нам герои века XIX в веке XXI?» «…меняются времена, декорации, но человеческие чувства — те же, что и 200, и 2000 лет назад…»
Наверное, это и есть самый мудрый подход к истории, рассказанной Александром Сергеевичем, — подход, достойный мудрости автора, с которой он, не утомляя читателя морализаторством, разносторонне охарактеризовал и нелицеприятно оценил героя, собственноручно им созданного.
Замыслу постановки, которая, повторюсь, небесполезна для просмотра учащимся, но способна дать повод и их родителям и прародителям заново вслушаться в хрестоматийный текст, переосмыслить его через собственный жизненный и прежде всего чувственный опыт, которого, конечно, не хватало в школьные годы, — этому замыслу служат очевидные наигранность и позёрство, легко сменяющиеся оторопью и неуверенностью (таков Онегин в исполнении Ильи Планкина); мягкая, сочувственная снисходительность Бориса Маркина в роли Автора и его же искреннее желание жить счастьем доверительной дружбы и безоглядной влюблённости в роли Ленского; бойкое кокетство Татьяны Тикуновой, выражаемое по преимуществу мимикой и движениями (её Ольге достался самый что ни на есть минимум текста); и, конечно, центральный персонаж спектакля — Татьяна в исполнении Анастасии Мякишевой. Даже при самом неспешном и внимательном чтении пушкинского романа язык не повернётся назвать этот образ трагическим — а ведь в описываемом спектакле он именно таков. Попытка Татьяны по максимуму уйти от скучного провинциального существования в мир романтических литературных образов оборачивается для неё горьким разочарованием, как только её собственное первое сильное чувство не вознаграждается взаимностью; более того — объект этого чувства, которое она постаралась изгладить из памяти, вновь попадает в поле её зрения и вынуждает женщину перестрадать и былую сердечную драму, и нынешнюю необратимость жизненных обстоятельств.
Неожиданным монологом, будто призванным развеять наваждение, не ко времени посетившее взрослую Татьяну, звучит в её устах несколько раз повторённый текст деревенских попевок, которого, конечно, нет в романе, зато легко вспомнить каждому, кто хоть раз слышал одноимённую оперу: «Девицы-красавицы, душеньки-подруженьки…» Эта несомненная находка — как бы попытка героини вернуться в дни наивной юности и там заговорить предвестника несчастья, нейтрализовать того, кто вольно или невольно стал причиной душевного надлома и последующего устройства жизни по совершенно не романтическому шаблону.
Отдельно стоит сказать о музыкальном оформлении постановки: оно не расписано в программке и может не вызвать никаких ассоциаций у зрителя с плохой слуховой памятью, но удачно подобрано под отдельные сцены или смену их и выступает не фоном, а самостоятельным участником действа, бессловесным, чисто звуковым проводником настроения, должного передаться залу. Скажем так: в этом спектакле могло бы вовсе не быть никакой музыки, формально он её как бы не требует, — но, обзаведясь подобным саундтреком, «Онегин» от студии «1863» безусловно выиграл. Это свидетельство творческой зрелости и, более того, изобретательности малочисленной, но дружной команды недавно образованного театра.
Остаётся только пожелать, чтобы в каждой следующей работе «1863» удавалось вот так же ненавязчиво расположить к себе аудиторию, но и находилось чем её удивить. В этом залог столь желательного новому коллективу неослабного внимания уже знакомых с ним зрителей и интереса зрителей потенциальных. Пусть будет больше тех и других от раза к разу!
Александр Моносов, член общества «Театрал»
Спектакль «СТАРОСВЕТСКИЕ ПОМЕЩИКИ». Режиссер Г. Васильев. Театр юных зрителей им. А. А. Брянцева
Более четверти века на сцене ТЮЗа идет легендарный спектакль «Старосветские помещики». Именно этим спектаклем 22 декабря 1996 года открылась Малая сцена театра.
В 1835 года Николай Васильевич Гоголь написал первую повесть из цикла «Миргород» под названием «Старосветские помещики». Ее главными героями становятся двое супругов, владевших большим хозяйством и проживших душа в душу много лет. Это произведение повествует о трогательной взаимной заботе персонажей, и автор одновременно легко, по-доброму иронизирует над их ограниченностью. Все это удается точно передать режиссеру спектакля Георгию Васильеву, а помогают ему художник Эмиль Капелюш, композитор Валерий Пигузов, художник по костюмам Ирина Долгова и, конечно же, актеры – народная артистка России Ирина Соколова, народный артист России Валерий Дьяченко и заслуженный артист России Борис Ивушкин. На протяжении всех лет сценической жизни спектакля исполнители не менялись, и это вызывает особое трепетное чувство признательности у зрителя. В разные года спектакль участвовал в фестивалях, фестивальных проектах, форумах, ездил на гастроли как на территории России, так и за ее пределами. В 1997 году были отмечены Высшей театральной премией Санкт-Петербурга «Золотой софит» Эмиль Капелюш – как победитель в номинации «За оформление спектакля», Ирина Соколова – как победительница в номинации «Лучшая женская роль» и Валерий Дьяченко – как лауреат в номинации «Лучшая мужская роль».
Декорации спектакля не совпадают с гоголевским описанием быта героев, однако полностью соответствуют идейному содержанию повести. Нет дома с низенькими потолками и скрипящими половицами, зато есть старинные напольные часы с остановившимся маятником. Часы – дом, часы – «вся мебель»: тут и кладовая для всяческих солений, варений, настоек и комод для бесчисленных салфеточек и тряпочек, а за раму этих часов заткнуты сушеные травы. Свисают с потолка металлические полоски, раскачивается , словно детские качели, деревянная ладья-бревнышко. Во всем этом ощущается плавный, спокойный ход времени в стороне от жизненных потрясений.
Образ Пульхерии Ивановны, в исполнении народной артистки России Ирины Соколовой, соответствует своему имени «Пульхерия». Она такая пухленькая, уютная, очаровательная в своем чепчике, ситцевом платье и фартучке. Даже проказы своего Афанасия Ивановича воспринимает снисходительно – «чистое дитя». А он безобидно, любовно ценя эту снисходительность, постоянно подшучивает над ней: то утащит из-под ее рук коврик, салфеточку, то клубок размотает, то пощекочет ее, задремавшую, сухой травинкой. Их дуэт гармоничен. Актеры словно пританцовывают, передвигаясь по сцене, дополняя свои образы доброй иронией, изяществом и шаловливостью (сценическое движение Елены Марковой). И даже в обыденной фразе, которой постоянно обращаются они друг к другу: «А не пора ли нам закусить чего-нибудь?», звучит чувство нежной любви и заботы. А как меняется это плавное течение жизни, когда в доме появляется гость! С каким радушием и суетливостью его встречают хозяева! Совершенно невозможно уехать. И это заслуженный артист России Борис Ивушкин, уже в роли заехавшего на огонек гостя, достоверно показывает каждым своим движением, каждым произнесенным словом. Вся эта гармония рушится со смертью Пульхерии Ивановны. Народный артист России Валерий Дьяченко убедительно передает потерянность Афанасия Ивановича, его тоску по любимой.
Спектакль «Старосветские помещики» режиссера Георгия Васильева не оставляет никого из зрителей равнодушным, заставляет сопереживать и воспринимается как гимн любви.
Н. Веженкова, член жюри Общества «Театрал»
«ДЕТИ НОЯ». Театр «Комедианты».Режиссер — заслуженный деятель искусств Михаил Левшин
Спектакль «Дети Ноя» в театре «Комедианты» начинается неожиданно. В темном, еще шумящем зале кто-то произносит фразу: «Подождите немного, я сейчас только свет включу». Этим человеком и является один из главных героев — Жозеф Берштейн (Леонид Зябкин). Один из тех еврейских мальчиков, которых во время Холокоста спас католический священник Понс (засл. арт. России Семен Сытник). В старом шкафу Жозеф находит свою первую детскую коллекцию и рассказывает о связанных с ней событиях. Это и поездка маленького Жозефа с мамой в трамвае, и жизнь в доме «благородной» графини де Сюлли (Екатерина Новикова), и встречи с мадемуазель Марсель (или «Черт-побери») (Анастасия Пижель), и знакомство с Руди, ставшим его товарищем (Андрей Вергелис). Но самое главное — отец Понс. Именно он объясняет Жозефу, что первым коллекционером был Ной, который собрал «каждой твари по паре» во время потопа и тем самым уберег от гибели жизнь на Земле. Сам же священник не только прячет еврейских детей, но и собирает предметы еврейской веры и культуры. Их сохранение для отца Понса не менее важно, чем жизни самих людей. Тем самым он продолжает дело Ноя. Спасение того, что может исчезнуть. А Жозеф продолжает дело отца Понса. Все они — дети Ноя.
Режиссер Михаил Левшин поставил спектакль «Дети Ноя» по одноименной повести французского писателя Эрика-Эмманюэля Шмитта. Повествование ведется от лица взрослого Жозефа, а помогает ему в этом кукла, олицетворяющая его в детстве. Порой она «говорит» от имени ребенка. Это удачное режиссерское решение. Все артисты, занятые в спектакле, исполняют свои роли так, будто проживают страницы жизни своих персонажей. Это проявляется и в эпизодах. Особо хочется отметить сцену игры на фортепиано матери Руди. Эту роль исполняет лауреат международных конкурсов Анна Ковалева. Музыка и интонация подтверждают тему возрождения народа.
Спектакль «Дети Ноя» заслуживает внимания зрителей.
Н. Веженкова, член жюри Общества «Театрал»
Музыкальный вечер в центре Петербурга
Вечер самого короткого дня уходящего года Общество «Театрал» провело на концерте молодых исполнителей. В Мариинском дворце выступали обладатели Специального приза Законодательного собрания Петербурга 2022 года. .
Гармоничная двухъярусная ротонда с великолепной акустикой, белый рояль, нарядная елка создали предновогоднее настроение. Но самые главные эмоции нам подарили юные вокалисты из Ленинградской области, Пскова и Санкт-Петербурга. Возраст исполнителей — от младших школьников до молодых людей, которым слегка за двадцать. Перед нами выступили одиннадцать певцов в сопровождении фортепьяно. С большим наслаждением мы слушали музыку Чайковского, Даргомыжского, Глинки, Прокофьева, Кабалевского и Пахмутовой. С удовольствием погрузились в мир русских народных песен. Особенное впечатление произвела мелодия из репертуара Шаляпина в исполнении «а капелла» Максима Воркуна. Это было чудо проникновенное, до слез!
Все участники концерта выступили мастерски, прекрасно держались и показали себя достойными своей награды.
Желаем юным дарованиям не останавливаться на достигнутом и развивать свои таланты. Благодарим за прекрасный музыкальный праздник!
Тамара Кузнецова, член жюри Общества «Театрал»
ТЕАТРАЛЬНОЕ ЛЕТО.
Правильнее было бы назвать его музыкальным, ибо музыка все летние месяцы звучала повсюду: на площади Искусств, у Михайловского замка, в Ботаническом саду, в Парке Победы, в ЦПКиО, в сквере им.А.Петрова, в саду Фонтанного дома, во дворах Петропавловской крепости, у стен Мюзик холла, в Павловске, Кронштадте, Царском Селе, на набережных и теплоходах, и, конечно, в театрах. Это было замечательно, хотя было одно «но»: невозможно всюду успеть. Все концерты и спектакли шли в разных местах, но часто в одно и то же время. Всякий раз была проблема выбора. Но и при этой ситуации удалось многое. Отмечу кое-какие события. Например, на фестивале «Опера- всем» я смогла увидеть и услышать оперу Гуно «Ромео и Джульетта», которая у нас ( в наше время ) никогда не шла. Постановка В.Высоцкого. Красивая музыка, хорошие голоса, было интересно. В Ботаническом саду был прекрасный сольный концерт Б.Березовского, а в Парке Победы звучали советские песни.( Заодно можно было посетить выставки, одна — о Петре Первом, другая посвящена А.Тарковскому ). Конечно, среди театров лидировал Мариинский. Прошли фестивали: «Северная лира», «Брасс белых ночей» и «Звезды белых ночей». Опять проблема — на какую сцену пойти, премьеры и концерты сразу на четырех. Очень интересный эксперимент происходит сейчас с вводом в эксплуатацию Зала Рахманинова ( а, может, и не эксперимент, а так будет и в дальнейшем). Там стали исполняться камерные версии известных опер, идущих на основных сценах. Можно послушать сегодня «Войну и мир» в театре целиком, а завтра сцены из оперы под рояль. Например, «Дон Паскуале» идет даже в трех вариантах: на сцене в постановке Ю.Александрова, один раз на итальянском, в другой раз — на русском , а потом в зале Рахманинова в ка мерной версии ( в постановке И.Устьянцева ). Особенно интересно посмотреть и послушать хотя бы два варианта, да еще подряд. Камерное исполнение как бы приближает героев к слушателям, появляются новые нюансы характеров и сюжета. Хочется сказать также и о новой балетной премьере театра_ балете «Двенадцать» на музыку Б.Тищенко в постановке А.Сергеева. Сергеев поставил не просто балет, а скорее спектакль, состоящий из 3 частей. Сначала исполняются 3 романса на стихи М. Цветаевой, а рядом танцующая пара ( любовь, разлука, хрупкость бытия).Потом исполняется поэма А.Блока. Я слышала ее в исполнении Е.Кандауровой. Опасения, что балерина не справится, быстро ушли. А далее — собственно балет. Он немного «умозрительный», но красивый и трагичный. Серьезная работа театра. Была встречена очень бурными аплодисментами.
Из других театральных впечатлений последних месяцев хочется отметить: интереснейший актерский дуэт Н.Орловой и Т. Кузнецовой в спектакле театра им.Комиссаржевской «Беглянки» ( реж.Л. Алимов ), изящный, тонкий спектакль театра «Монплезир» «Петербургские недотроги» ( реж. И.Ларин, актрисы М.Ларина и Е. Айвазова ), гротескный, яркий, выразительный спектакль В. Фурмана «Мертвые души» в театре «Русская антреприза». Серьезный разговор на тему «Петр и Алексей» предложил В.Рецептер в своем новом поэтическом произведении и спектакле. В этом году, что естественно, в городе очень «много» Достоевского. В первую субботу июля, уже в 13 раз, прошел «День Достоевского», за который «отвечает» его мемориальный музей. Всякий раз он разный. Тут и спектакли, и экскурсии, и выставки, и конкурсы. Этим июлем был показан спектакль «Преступление и наказание» в постановке И.Деля, где было 2 Раскольникова — из 19 и 21 веков. Довольно спорный спектакль, но интересный и, как всегда, отлично исполненный. И в театре «Монплезир» появился свой Раскольников. Там представили спектакль — экскурсию по роману «Преступление и наказание». По местам этим мы уже не раз ходили с разными экскурсоводами. Места те же, но рассказы отличаются, так как Достоевский неисчерпаем. Из драматических театров все же наиболее интенсивно работал театр им.Ленсовета. На малой сцене продолжился очень интересный проект «Связь времен», а также появился ряд новых спектаклей: «Морфий», «В лучах» (отличная работа Л. Пицхелаури ), «Академия смеха» ( интересная вещь, хороший актерский дуэт С.Перегудова и И, Деля ), «Петр 1 Алексея Толстого». На большой сцене удивил спектакль «Вишневый сад» ( реж. У. Баялиев ). Не знаю, хотел ли этого режиссер, но он передал растерянность многих из нас, эти метания между Западом и Востоком, непонимание своего пути. Герои спектакля мечутся, ищут себя и не находят, хотят жить и не живут. Не о нас ли речь? А самым неожиданным спектаклем стал спектакль по роману Л Стенли «Жизнь и мнения Тристрама Шенди, джентльмена» ( реж.Б.Павлович ). И вещь, т спектакль довольно странные. Сюжета как такового нет. Есть отдельные зарисовки, отступления, поток мыслей и воспоминаний чередуется в чем-то неясным, смутным...Будто вспышки памяти или каких- то мечтаний. Наверное, как и в жизни: вспыхивает память, что-то звучит, что-то мелькнет, иногда ярче вспоминается нечто совсем неважное... Так и здесь. Что вспоминает герой? Мгновения, мгновения из разных времен и разных лет, и то, что было с ним и не с ним...Все странно в этой жизни. Думаю, к этому спектаклю стоит вернуться.
Летом я посмотрела весеннюю премьеру МДТ «Будь здоров, школяр!» по повести Б.Окуджавы ( в постановке Я.Туминой ). Жанр спектакля обозначен как саундрама, мне это не близко, но молодым людям, кажется, да: слушали- смотрели внимательно и в конце очень благодарили. В спектакле герой вспоминает войну, которая от нас, кажется, уже далеко, но именно сейчас звучит весьма современно, отзывается в сердце. «Кто-то плачет, никто не плачет, просто дети играют в войну». К сожалению, в войну играют не дети, а вполне взрослые «дяди». Получилось такое антивоенное высказывание.
В саду Фонтанного Дома прошло два заметных спектакля: «Еще не вечер» театра «Hand made» ( много знакомого, но есть и новые номера, посвященные поэзии Ахматовой, Мандельштама, Бродского, из которых вполне может родиться новое представление ) и перформанс по произведениям Д.Хармса. Но все же музыки, опер, балетов было больше. В театре «Санкт- Петербург-опера» прошла премьера в двух отделениях В первом был концерт из арий, дуэтов, ансамблей из опер Моцарта. Во втором была исполнена опера Сальери «Сначала музыка, потом слова». Эти два отделения я бы переставили местами, так как музыка Моцарта все же на голову выше. Опера Сальери неплохая, но музыка ее как-то быстро иссякла, а либретто довольно дурацкое. В памяти почти ничего не задержалось. Ну а Моцарта можно слушать и слушать. Совершенно замечательный, веселый, красивый спектакль «Сегодня, сто лет назад» показал театр Музыкальной комедии. ( режиссер В.Романовский, дирижер А.Алексеев). Смотришь, слушаешь и все время улыбаешься. Одно удовольствие! В помещении Александринского театра показывал свои спектакли театр балета им.Л.Якобсона. Видела спектакль «Вне времени.Шедевры Леонида Якобсона». Он был посвящен 90- летию А.Осипенко. Все миниатюры просто замечательные, одна другой лучше,действительно, шедевры. После «Свадебного кортежа» кто -то из зала крикнул:«Якобсон-гений!». Трудно не согласиться. В КЗ Мариинского театра были показаны полуконцертные или полусценические варианты опер «Идоменей» Моцарта и «Золушка» Россини. Я не очень понимаю эти странные термины, тем более, что это были вполне полноценные спектакли. «Золушка» поставлена неплохо ( режиссер Е.Малая ), пели все хорошо, но в «Зазеркалье» все же лучше. А вот «Идоменей» вл всех отношениях пришелся по душе. Была создана атмосфера и внешняя, и внутренняя. Конец с «общим» поцелуем даже тронул. Очень большой интерес у зрителей вызвал балет «Парфюмер», который привез Филиал Мариинского театра во Владикавказе. Постановка В.Суанова. Я никак не ожидала, что в балете будет соблюдаться время действия романа, 18 век,что танец будет совершенно классическим, что мы вновь увидим на сцене Ю.Махалину... Танцевали все хорошо, балет очень красивый, но, на мой взгляд, немного не хватало страсти , душевных терзаний героя, но было интересно, безусловно. А Приморский филиал привез 2 одноактных балета: «Федра» и «Жар-птица». Первый поставлен еще в 1987 году балетмейстером Флиндтом на музыку Ф.Гласса. Он, может быть не столь трагичен, как древнегреческая трагедия, но очень красивый, особенно «хороводы». «Жар- птицу» поставил Э.Алиев. Ему больше удались танцы в «Кощеевом царстве»,но и остальное интересно и хорошо исполнено. В этом балете нельзя не отметить великолепные декорации С.Пастуха. Конечно, обо всем не напишешь, да и посмотреть удалось не все, что хотелось: все же лето — время больше для путешествий и прогулок разного рода. Но и театрально- музыкальных впечатлений было немало.
Татьяна Платонова
Театр «Приют комедианта». «СТАРОМОДНАЯ КОМЕДИЯ». Пьеса Алексея Арбузова, режиссер Александр Исаков
Премьера спектакля «Старомодная комедия» в театре «Приют комедианта» состоялась 29 октября 2015 года. Написанная в 70-е годы ХХ века, пьеса ставилась и в советское и в постсоветское время. «Старомодная комедия» — это и мелодрама, и старая-старая сказка про любовь двух немолодых, но полных жизни людей. Он — главный врач рижского санатория Родион Николаевич (народный артист России Сергей Паршин), и она — элегантная и очень обаятельная дама, работница цирка, Лидия Васильевна Жербер (народная артистка России Эра Зиганшина), отдыхающая в рижском санатории.
С первых минут действия вы находитесь под влиянием артистов. Они захватывают ваше внимание и не отпускают на протяжении всего спектакля. Вместе с Лидией Васильевной вы слышите похрапывание ее соседок по комнате, вам срочно хочется ночью увидеть море, и вы не очень хотите называть свой реальный возраст. Вы радуетесь ответу, что «нет еще восьмидесяти». Радуетесь, что слышите ее веселые песни вместо похрапывания. И что же вам еще остается, как не вылезти в окно, если дверь закрыта на ключ?! Все это настолько иронично, что удержаться от доброго смеха просто невозможно. Однако веселье в зале затихает сразу же после того, как колкие диалоги переходят в откровенные беседы. Вместе с героями вы переживаете смерть близких: и жены Родиона Николаевича в 1944 году, и единственного сына Лидии Васильевны. И вы вдруг осознаете, какие они сильные люди! Какие трудности они пережили и как сумели сохранить себя: он — привыкший к порядку, старомодный и консервативный, проживший достойную, пусть и негероическую жизнь, верный погибшей жене, хирургии и ждущий изредка приезжающую дочь, и она — легкоранимая, сохранившая искренность и глубину чувств, душевную красоту и благородство, оптимизм и стремление жить полной жизнью! Роли почти сливаются с исполнителями, и трудно отделить Лидию Васильевну от Эры Зиганшиной, Родиона Николаевича от Сергея Паршина. А история встречи и любви двух зрелых людей приобретает острую пронзительность. БРАВО!
Спектакль можно смотреть и пересматривать. И каждый раз заново испытывать всю палитру чувств и радоваться, что эти люди разбудили любовь, что у них еще есть силы любить. Их оптимизм и активность заставляют вас радостнее смотреть на жизнь. Все это благодаря великолепной игре артистов.
Н. Веженкова, член жюри Общества «Театрал»
